Las mejores películas de 2011

     En esta ocasión he preferido publicar la lista de mis películas favoritas del año algo más tarde de lo habitual, una vez he podido recuperar algunos títulos que aún no había tenido tiempo de ver. Como siempre me he centrado en películas estrenadas en España desde enero hasta diciembre del año pasado. En mi opinión 2011 no fue un gran año de cine, pero lo cierto es que poco a poco fueron apareciendo notables películas, algunas de ellas imprescindibles. Lo que sigue es una selección de diez títulos, algunos de ellos muy diferentes entre sí pero en mi opinión igualmente recomendables.

1. El árbol de la vida
de Terrence Malick

     Por la belleza de sus imágenes, por la libertad creativa que transmite cada uno de sus fotogramas, por la emoción con la que retrata la existencia humana, por todos aquellos espectadores que la han vivido como una experiencia única e incluso por todos aquellos que ni siquiera han podido aguantar su visionado. Por todos estos motivos y por muchos más El árbol de la vida (The tree of life, Terrence Malick, 2011) merece ser considerada la película del año.

2. Más allá de la vida
de Clint Eastwood

     Sin duda la gran película a reivindicar de la temporada, Más allá da la vida (Hereafter, 2010) es también uno de los títulos más infravalorados de Clint Eastwood. El que sin duda es el mejor cineasta de nuestros días demuestra de nuevo su sensibilidad a la hora de retratar a unos personajes cuya obsesión con la muerte les impide disfrutar de la vida. Algunas secuencias (el tsunami que arrasa Tailandia, le evolución de la historia de amor entre Matt Damon y Bryce Dallas Howard) están a la altura de lo mejor de su director.

3. Drive
de Nicolas Winding Refn

     Lo primero que sorprende de Drive (id, 2011) es que su director, el danés Nicolas Winding Refn, ni siquiera sabe conducir. Pero su película es mucho más que una historia de persecuciones y conductores solitarios; es, ante todo, el ejercicio de estilo más cool de la temporada, un relato negro dotado de una puesta en escena tan fascinante como la chaqueta que siempre lleva el misterioso personaje encarnado por un espléndido Ryan Gosling.

4. The artist
de Michel Hazanavicius

     The artist (id, Michel Hazanavicius, 2011) es una de esas joyas que solo aparecen de vez en cuando, una película surgida prácticamente de la nada que se ha ganado el corazón de todo tipo de espectadores rindiendo tributo a un cine, el mudo, que aún espera ser descubierto por toda una generación. Hacía años que una película tan buena no ganaba el Oscar.

5. El topo
de Tomas Alfredson

     El topo (Tinker Tailor Soldier Spy, Tomas Alfredson, 2011) nos devuelve el mejor cine de espías con una compleja historia de engaño, traición y soledad. El escritor John le Carré debe de sentirse orgulloso por cómo un extraordinario grupo de actores ha dotado de vida a los personajes surgidos de su pluma. Crucemos los dedos y esperemos encontrarnos de nuevo con el George Smiley al que interpreta un magistral Gary Oldman.

6. Cisne negro
de Darren Aronofsky

     Cisne negro (Black swan, Darren Aronofsky, 2010) será recordada durante mucho tiempo por la impresionante interpretación de una Natalie Portman en estado de gracia, pero es que además se trata de una película barroca, densa y asfixiante en la que cohabitan referentes tan diversos como Alfred Hitchcock, Roman Polanski o Satoshi Kon. Tchaikovsky se sorprendería de ver una representación de El lago de los cisnes tan inquietante como ésta.

7. Mother
de Bong Joon-Ho

     Es realmente triste que una película de la calidad de Mother (Madeo, Bong Joon-Ho, 2009) no haya sido estrenada en los cines de España, siendo explotada directamente en dvd y además con bastante retraso. Esta joya del cine policíaco, que en muchos aspectos prosigue el camino trazado por su director en la no menos recomendable Memories of murder (Salinui chueok, Bong Joon-Ho, 2003), analiza hasta donde puede llegar una madre (genialmente interpretada por Kim Hye-Ja) con tal de demostrar la inocencia de su hijo en un espeluznante caso de asesinato. Una película dura, intensa, apasionante.

8. Melancolía
de Lars von Trier

     Melancolía (Melancholia, Lars von Trier, 2011) es una película capaz de hablarnos del fin del mundo haciendo gala de una estética que deja sin habla por su belleza, brindándonos además un inolvidable prólogo acompañado de música wagneriana. Por esta película Kirsten Dunst rivaliza seriamente con Natalie Portman por el podio a la mejor interpretación del año.

9. Valor de ley
de Joel y Ethan Coen

     Considero que en muchos aspectos Valor de ley (True grit, Joel y Ethan Coen, 2010) es inferior a la película del mismo título dirigida por Henry Hathaway en 1969. A pesar de ello su clasicismo formal, la hermosa fotografía de Roger Deakins, la excelente banda sonora de Carter Burwell y las estupendas interpretaciones de Jeff Bridges y Hailee Steinfeld hacen de este film uno de los mejores westerns de la última década.

10. X-Men: Primera generación
de Matthew Vaughn

     X-Men: Primera generación (X-Men: First class, Matthew Vaughn, 2011) es un gozoso divertimento fruto una coctelera en la que se mezclan ingredientes tan diversos como los superhéroes del cómic, la estética de los años 60, la guerra fría y la crisis de los misiles cubanos. Michael Fassbender, actor que ha llegado para quedarse, está sencillamente sensacional.

Cuaderno de notas I

     Con esta entrada doy inicio a una sección que pienso continuar de manera periódica y en la que pretendo comentar sucintamente algunos temas que, por algún u otro motivo, no sean tratados en las entradas más extensas, además de recomendar algunas lecturas o enlaces que me llamen la atención. Otro motivo que me ha llevado a iniciar estos Cuadernos de notas es el de actualizar este blog con mayor regularidad, pues debo admitir que durante los últimos meses no he escrito tanto como debería haber hecho. Empecemos pues con cinco apuntes breves:

1

     Hace ya casi dos años plasmé en este mismo blog mis impresiones sobre la primera temporada de Mad men (id, 2007), una de las series de televisión más aclamadas de los últimos años. Tras haber visto sus dos siguientes temporadas puedo confirmar que se trata de una serie brillante, un admirable retrato de la sociedad norteamericana de los 60 que, a través de la descripción de la exitosa agencia de publicidad en la que trabaja Don Draper (un inolvidable Jon Hamm), dibuja con maestría la falsedad que se oculta tras el sueño americano. El paralelismo con el que se muestra el deterioro del matrimonio Draper y la pérdida de la inocencia de los Estados Unidos (narrado a través de episodios históricos tan dramáticos como la crisis de los misiles cubanos o, sobre todo, el asesinato de John Fitzgerald Kennedy) es tan solo una muestra del talento de los responsables de esta excelente serie.

2 

     Pasan los meses y Más allá de la vida (Hereafter, Clint Eastwood, 2010) sigue pareciéndome la mejor película estrenada este año. Como no abundan los comentarios positivos sobre esta infravalorada película recomiendo encarecidamente la lectura de la excelente crítica que Tomás Fernández Valentí, gran admirador del cine de Clint Eastwood, le dedicó en su blog.

3

     Una recomendación para todos los seguidores de David Lynch o simplemente para aquellos interesados en su obra: háganse con el libro de Andrés Hispano David Lynch: Claroscuro americano (Ediciones Glénat, Barcelona, 1998). A pesar de no tratarse precisamente de una novedad editorial, y de la cantidad de libros que se publican constantemente sobre Lynch, el libro de Hispano resulta imprescindible por su excepcional calidad. Su autor, haciendo gala de una gran capacidad de análisis, disecciona la trayectoria artística del director de Terciopelo azul (Blue velvet, 1986) proporcionando una exhaustiva información sobre los referentes iconográficos del cineasta y sobre la densa gama de significados ocultos que se encuentran agazapados tras sus imágenes. Además el autor no se limita a analizar los largometrajes de Lynch, sino que también se detiene en otras parcelas de su obra como sus cortometrajes o sus trabajos para televisión, dedicando un amplio espacio a la inolvidable serie Twin Peaks (id, 1990-1991). El único inconveniente del libro de Hispano es que, debido su fecha de publicación, solo cubre la obra de Lynch hasta Carretera perdida (Lost highway, 1997), dejando fuera sus posteriores películas Una historia verdadera (The straight story, 1999), Mulholland drive (id, 2001) e Inland Empire (id, 2006) y sus numerosos cortometrajes realizados durante los últimos años, algunos tan atractivos como Lady blue Shanghai (id, 2010). Pese a ello considero que David Lynch: Claroscuro americano es un libro que no debería faltar en las estanterías de los abundantes admiradores de tan misterioso cineasta.

4

     Como complemento a mi reciente acercamiento a la obra de Bernard Herrmann recomiendo un interesante vídeo-homenaje dedicado a este gran compositor emitido recientemente en el programa de televisión Días de cine. Se trata de un excelente reportaje enriquecido por los cometarios de Ana Vega Toscano y Roberto Cueto, éste último autor de un libro excepcional: Cien bandas sonoras en la Historia del Cine (Editorial Nuer, Madrid, 1996).

5

     Unas palabras acerca de Midnight in Paris (id, 2011), la última y exitosa película de Woody Allen. Quizás no sea la mejor de las últimas películas de Allen -personalmente veo difícil que supere algo como Match point (id, 2005)- pero sí es una agradable y divertida comedia protagonizada, como siempre en el cine de su director, por un excelente reparto: además de un sorprendente Owen Wilson (quien consigue convertirse en un alter ego del director sin imitarle directamente) y de una encantadora Marion Cotillard merece ser destacado un hilarante Michael Sheen, espléndido en su papel de plasta sabelotodo. Pero ante todo Midnight in Paris sobresale por la sencilla pero acertada reflexión que Allen propone sobre la tendencia a pensar que todo tiempo pasado fue mejor: tal y como comprende el personaje encarnado por Wilson, Allen parece decirnos que lo único útil que podemos hacer es mirar de frente al futuro, pues de nada sirve recrearse en un pasado que probablemente nunca brilló con tanto esplendor como en nuestra imaginación.

MÁS ALLÁ DE LA VIDA: ¿Un Eastwood menor?

     Más allá da la vida (Hereafter, 2010), la nueva película dirigida por Clint Eastwood, ha sido recibida con más suspicacias de las acostumbradas en la obra más reciente de su autor. De entrada se anunciaba este nuevo largometraje como el primero de Eastwood inscrito en el género fantástico o de temática sobrenatural; tampoco ha faltado quien ha comparado Más allá de la vida con el cine de M. Night Shyamalan o, sobre todo, quien ha sentenciado que la nueva (que no última) obra del director de Gran Torino (id, 2008) no es más que un título menor y totalmente prescindible dentro de su filmografía.

     Sin embargo quien conozca bien la obra de Clint Eastwood ya conoce su tendencia a renovarse constantemente sin dejar de ser fiel a sí mismo, lo que da pie a que el cineasta nos sorprenda con aparentes cambios de rumbo que, en el fondo, guardan una gran coherencia con el resto de su obra. Por tanto no hay más que acercarse a sus películas de manera desprejuiciada para comprobar que casi nada de lo que se esperaba de ellas era cierto. Más allá de la vida no es una excepción. Para empezar no se trata exactamente de la primera película de Eastwood con cierto contenido sobrenatural en su argumento -recuérdense los fantasmagóricos protagonistas de Infierno de cobardes (High plains drifter, 1973) y El jinete pálido (Pale rider, 1985) o incluso la atmósfera enrarecida de algunos pasajes de Medianoche en el jardín del bien y del mal (Midnight in the garden of good and evil, 1997)-, y una vez vista resulta un tanto exagerado encuadrarla dentro del cine fantástico, siendo más bien un drama protagonizado por personas que de un modo u otro presienten que existe una vida después de la muerte. La película tampoco tiene mucho que ver con el cine de Shyamalan más allá de la presencia de la excelente actriz Bryce Dallas Howard, quien protagonizó dos interesantes películas del famoso cineasta hindú, El bosque (The village, 2004) y La joven del agua (Lady in the water, 2006). Por último Más allá de la vida no es ni mucho menos una película menor: si bien no llega al nivel de las obras maestras de Eastwood -El jinete pálido, Sin perdón (Unforgiven, 1992), Mystic river (id, 2003), Million dollar baby (id, 2004), Banderas de nuestros padres (Flags of our fathers, 2006), Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima, 2006), El intercambio (Changeling, 2008)- no por ello deja de ser una obra realmente notable que nos recuerda el formidable momento creativo por el que está pasando su director.

     Adoptando una estructura inédita hasta ahora en la filmografía de Eastwood, Más allá de la vida narra paralelamente las historias de tres personas cuyo destino se unirá en el desenlace de la película. El vínculo que une a los tres protagonistas es una experiencia relacionada con la muerte que les cambia para siempre: Marie (Cécile de France) trata de sobreponerse a la terrible experiencia que vivió al sobrevivir a un tsunami, suceso durante el cual permaneció muerta durante unos breves instantes; George (Matt Damon, en una de sus mejores interpretaciones) desarrolla la capacidad de comunicarse con los muertos, un don que le dificulta entablar relaciones sociales; Marcus (Frankie McLaren) trata de superar la muerte de su hermano gemelo Jason (George McLaren) sintiendo la necesidad de contactar con él… Las tres historias son narradas por Eastwood con un tono sobrio y sensible, consiguiendo retratar las emociones de los personajes sin caer en el sentimentalismo. Más allá de la vida es ante todo una nueva muestra de un talento especial que Eastwood ha desarrollado a lo largo de su carrera y que ha culminado en grandes logros durante su última etapa: la humanidad y cercanía que desprende la descripción de los personajes.

     La película brilla a gran altura en la descripción de la vida cotidiana de los tres protagonistas, caracterizada por una soledad que les hace sentirse alienados del mundo en el que viven. Sin ir más lejos Marie es una periodista de gran éxito cuya existencia nunca volverá a ser la misma tras su traumática experiencia durante el tsunami -suceso narrado por Eastwood en una antológica secuencia que no solo destaca por su perfección técnica, sino ante todo por la maestría con la que el director nos coloca en la piel de las víctimas que tratan de sobrevivir a un desastre natural de semejante magnitud-. Al regresar a París Marie ya no podrá seguir siendo esa periodista de éxito cuya imagen aparecía en pancartas publicitarias distribuidas por toda la ciudad: tras abandonar su investigación sobre François Mitterrand, la mujer centrará toda su atención en algo que no puede apartar de su cabeza tras haber estado a punto de morir: la existencia de un más allá. El nuevo rumbo tomado por la vida de Marie le costará su trabajo y su relación sentimental con Didier (Thierry Neuvic), ganándose además el desprecio de sus compañeros al interesarse por una espiritualidad que no encaja en el mundo materialista en el que éstos trabajan.

     No menos desolador resulta el retrato del entorno familiar de Marcus y Jason. Al principio del relato Eastwood describe magistralmente su duro día a día con una par de pinceladas: los dos hermanos utilizan sus escasos ahorros para hacerse un retrato fotográfico que, cuidadosamente colocado en la mesa de la cocina, esperan que llame la atención de su madre Jackie (Lyndsey Marshal) dándole fuerzas para abandonar sus problemas con el alcohol; no obstante cuando la mujer regrese ebria a casa ignorará por completo el conmovedor gesto de sus hijos. A la mañana siguiente se producirá una tensa situación cuando los dos niños reciban la visita de dos trabajadores de servicios sociales y tengan que disimular los efectos de la borrachera de su madre. Con estos apuntes Eastwood nos presenta no solo el duro entorno en el que han crecido los niños, sino también el sentimiento de dependencia que Marcus siente hacia Jason y que será su principal problema cuando éste último muera en un trágico accidente: al ser separado de su madre para que ésta supere su alcoholismo en un centro de recuperación, Marcus se verá incapaz de relacionarse con sus padres de acogida, obsesionándose en conservar vivo el recuerdo de su hermano (lo que da pie a un espléndido momento: el niño pide colocar dos camas en su nueva habitación, una para él y otra para Jason, a quien se dirige imaginariamente para desearle las buenas noches) y recurriendo a la consulta de dudosos parapsicólogos (vistos por Eastwood con una gran ironía que les retrata como a unos meros charlatanes que se enriquecen a costa del sufrimiento ajeno).

     Pero es en la descripción de la soledad de George donde la película ofrece sus mayores logros. Su secuencia de presentación nos lo muestra aceptando a regañadientes la petición de contactar con los seres queridos de un extraño; pronto sabremos que George se dedicaba en el pasado a la parapsicología pero que decidió alejarse de ese mundo debido a que su don le obligaba a conocer los secretos más íntimos y oscuros de sus allegados, imposibilitándole entablar amistades o una relación sentimental. Sus deseos de empezar una nueva vida desde cero quedan retratados en las excelentes secuencias en las que asiste a un curso de cocina, lo que le da la oportunidad de conocer a Melanie (Bryce Dallas Howard), una bella mujer por la que se siente atraído. La evolución de la relación entre ambos da pie a las dos mejores secuencias de Más allá de la vida. En la primera George y Melanie realizan un ejercicio del curso de cocina en el que uno debe dar a probar distintos sabores al otro mientras éste lleva los ojos vendados; la sensualidad del momento y la intimidad que se crea en ese instante propicia que tanto George como Melanie empiecen a sincerarse el uno con el otro, declarándose su interés mutuo. La segunda secuencia, que sigue a la anterior, se sitúa en la casa de George y nos muestra con qué rapidez su don secreto queda expuesto a los ojos de Melanie; la joven, movida por la curiosidad, le pedirá a George que lea en su interior y trate de contactar con sus familiares fallecidos; tras dudarlo mucho George lo hará, poniendo al descubierto dolorosos recuerdos que Melanie preferiría haber mantenido en secreto y que borrarán la posibilidad de una relación amorosa entre ambos. Las posteriores y sucesivas escenas en las que aparece George cenando a solas en su cocina muestran el precio que el protagonista debe pagar por tener una habilidad que le ha sido otorgada a su pesar; él mismo sintetizará los sinsabores de su existencia cuando afirme que “una vida que se basa en la muerte no es una vida”.

     Además de la soledad (protagonista de gran parte del cine de Clint Eastwood) otro tema muy presente en esta espléndida película es cómo en apenas unos segundos el azar puede cambiar nuestras vidas para siempre. En la primera secuencia de la película el azar induce a Marie a salir a la calle para comprar unos regalos, lo que la llevará a verse arrollada por el tsunami. También aparentemente por azar George desarrolla su capacidad de contactar con los muertos y (atención: SPOILER) Marcus no se sube a un metro de Londres para recoger su gorra caída al suelo, salvándose así de un atentado terrorista. Pero el azar también será el encargado de unir los destinos de George, Marie y Marcus (quienes viven en ciudades tan alejadas entre sí como San Francisco, París o Londres) consiguiendo que los tres crucen sus caminos en la capital inglesa. En la conclusión abierta de Más allá de la vida Eastwood mostrará la oportunidad que los protagonistas tienen de aliviar su soledad y dar así un nuevo giro a sus vidas, dejando que el espectador imagine si lo conseguirán o no.

Las mejores películas de la década

     Reconozco no estar del todo seguro de si la segunda década del siglo XXI acaba de empezar o de si lo hará en enero del próximo año. De todos modos no me parece que sea mal momento para escribir sobre el cine que más me ha gustado durante el período 2000-2009. El tiempo se encargará de darme o no la razón, pero lo que sigue a continuación es una selección de las películas que durante estos últimos años han reafirmado mi pasión por el séptimo arte.

1. Femme fatale de Brian de Palma

     Con Femme fatale (id, 2002) Brian de Palma no solo consiguió la que es, para mi gusto, la mejor película de la pasada década, sino también una obra maestra absoluta que reúne toda la concepción que tiene del cine. Onírica, bella y fascinante, Femme fatale es un muestra del más puro cine fantástico disfrazada bajo las apariencias de un thriller. Siguiendo con la cámara los movimientos de Laure (una espléndida Rebecca Romijn), de Palma plantea una furiosa puesta al día del personaje de la mujer fatal, al mismo tiempo que plantea una posibilidad con la que todos hemos soñado: la de conocer nuestro futuro para cambiar nuestro destino. Desde el extraordinario comienzo, con el robo de unas joyas durante la celebración del festival de Cannes, hasta los títulos de crédito finales, tan hermosos como significativos, Femme fatale es una celebración del cine, una obra de arte en la que cada secuencia es una obra maestra dentro de otra aún mayor.

2. El curioso caso de Benjamin Button de David Fincher

     La historia del relojero que fabricó un reloj cuyas manecillas retrocedían en vez de avanzar; la infancia de Benjamin, con la apariencia de un anciano de ochenta años, en un geriátrico; su descubrimiento del mar a bordo del pesquero Chelsea; los juegos nocturnos de Benjamin y Daisy a la luz de las velas; la historia de amor en un Moscú nocturno y nevado, con esa encantadora mezcla de cotidianeidad y melancolía; el dramático enfrentamiento con un submarino alemán durante la Segunda Guerra Mundial; el vuelo del colibrí; el sensual baile de Daisy a orillas de un río de Nueva Orleans; la cadena de acontecimientos que conducen a un trágico accidente; el nerviosismo del protagonista ante el nacimiento de su primer hijo... Son tantos sus momentos inolvidables que sería imperdonable no citar esta maravilla titulada El curioso caso de Benjamin Button (The curious case of Benjamin Button, 2008).

3. Million dollar baby de Clint Eastwood

     A alguien podrá parecerle excesivo que cite no una, sino tres películas dirigidas por Clint Eastwood en mi lista de las diez favoritas del último decenio. Sin embargo, debo confesar que he tenido que hacer un esfuerzo para no incluir alguna más, pues títulos como Mystic river (id, 2003), El intercambio (Changeling, 2008) o Gran Torino (id, 2008) también demuestran que Eastwood ha sido el mejor cineasta de una década en la que solo nos ha obsequiado con películas extraordinarias. Million dollar baby (id, 2004) es quizás la muestra más depurada de su estilo, una historia dura y sin concesiones en la tradición del mejor cine norteamericano. Eastwood nos cuenta cómo tres personajes, Frankie, Eddie y Scrap (interpretados con absoluta maestría por el propio Eastwood, Hilary Swank y Morgan Freeman), buscan a través del boxeo una segunda oportunidad que la vida les ha negado constantemente; los tres la encontrarán, aunque tendrán que pagar un altísimo precio a cambio.

4. Casino Royale de Martin Campbell

     Reconozco que, debido a mi condición de acérrimo seguidor de la saga Bond, tal vez no sea el más indicado a la hora de valorar objetivamente esta película, pero es que creo sinceramente que Casino Royale (id, 2006) es una excelente pieza cinematográfica, tal vez la mejor del personaje junto con James Bond contra Goldfinger (Goldfinger, Guy Hamilton, 1964). Con Casino Royale, y con el excelente Daniel Craig, recuperamos la esencia y el espíritu del James Bond original, pero no el de las primeras películas protagonizadas por un inolvidable Sean Connery, sino el de las novelas escritas por Ian Fleming. El Bond de Craig es violento, frío y despiadado, capaz de enamorarse pero condenado a pasar el resto de su vida al servicio secreto de su majestad. Todo ello en una película vibrante y emocionante en la que se da más importancia a una crucial partida de póquer que a todas las peleas, tiroteos y persecuciones que salpican la trama.

5. El señor de los anillos de Peter Jackson

     Poco se puede añadir a estas alturas a todo lo que se ha dicho acerca de la descomunal trilogía compuesta por La comunidad del anillo (The fellowship of the ring, 2001), Las dos torres (The two towers, 2002) y El retorno del rey (The return of the king, 2003). La pasión con la que Peter Jackson trasladó a la gran pantalla el mundo descrito por J.R.R. Tolkien no tiene límites: cada rincón de la Tierra Media está visualizado con un preciosismo y una imaginación desbordantes, poniendo tanto énfasis en los aspectos más hermosos de la historia como en los más tenebrosos, todo ello en un espectáculo de proporciones gigantescas que en ningún momento descuida el retrato de los personajes. El resultado es un fresco de más de nueve horas de duración, un verdadero monumento al cine fantástico y de aventuras coronado por una maravillosa banda sonora de Howard Shore.

6. Deseando amar de Wong Kar-Wai

     Deseando amar (Fa yeung nin wa, 2000) es la historia de un amor imposible situada en una ciudad, el Hong Kong de los años 60, que parece surgida de los sueños de Wong Kar-Wai. El director lleva a cabo un verdadero tratado de la belleza en el que los ralentizados movimientos de cámara, la música y la fotografía componen un poema visual. Su detallista puesta en escena se centra en los gestos y las miradas que relacionan al señor Chow (Tony Leung) y a la señora Chan (Maggie Cheung); todos esos detalles nos dicen mucho más que sus palabras o sus acciones, pues ninguno de los dos personajes se atreve a dejarse llevar por sus sentimientos. Lo que queda es un lírico retrato de las oportunidades perdidas y una de las películas más hermosas que se recuerdan.

7. Insomnio de Christopher Nolan

     Tal vez sea Christopher Nolan el cineasta más interesante de su generación, gracias a películas como Memento (id, 2000), El truco final (The prestige, 2006) o El caballero oscuro (The dark knight, 2008). Sin embargo, creo que es Insomnio (Insomnia, 2002) la muestra más perfecta de su estilo, caracterizado por la experimentación con el montaje, el profundo retrato psicológico de los personajes y la ambigüedad de sus acciones. Insomnio nos presenta una ciudad, Nightmute, en donde el día no se distingue de la noche, una evidente metáfora de la inexistente línea que separa el bien del mal. En Insomnio no hay blancos ni negros, sino una inmensa gama de grises: pocas veces la figura del policía ha guardado tantas cosas en común con la del criminal. De ahí que el policía brillantemente encarnado por Al Pacino no sepa a ciencia cierta si su insomnio se debe a la falta de oscuridad de las noches en Nightmute o a su mala conciencia, que le hace dudar de si es un buen agente de la ley o un asesino con placa.

8. Lejos del cielo de Todd Haynes

     Esta bellísima película supone un emotivo homenaje al cine de Douglas Sirk, y muy especialmente a una de sus mejores películas, Sólo el cielo lo sabe (All that heaven allows, 1955). Pero en Lejos del cielo (Far from Heaven, 2002) Todd Haynes no se limita a reproducir el estilo visual, la atmósfera y la crítica a la sociedad norteamericana tan características de Sirk, sino que aborda de manera más directa temas como el racismo, la homofobia o la discriminación de la mujer, ofreciendo un duro retrato de la América de la década de los 50. Todo ello haciendo uso de un clasicismo visual absolutamente perfecto y de una elegancia poco frecuente durante los últimos años. A rememorar la magnífica banda sonora de Elmer Bernstein, la última que compuso este maestro de la música antes de fallecer.

9. Munich de Steven Spielberg

     Durante los últimos años el cine estadounidense ha ofrecido abundantes muestras de cine político, dando lugar a buenas y a malas películas. Munich (id, 2005) es de las buenas. El trabajo de Spielberg, quien durante esta década ha realizado otras cintas tan brillantes como Minority report (id, 2002) o Atrápame si puedes (Catch me if you can, 2002), arranca con el trágico atentado terrorista durante los Juegos Olímpicos de Munich en 1972 para, a continuación, centrarse en la respuesta del gobierno israelí: una sucesión de asesinatos selectivos llevados a cabo por un grupo de cinco hombres. Cada uno de los asesinatos, además de constituir una innegable muestra del virtuosismo narrativo de su director, coloca al espectador ante la incómoda tarea de presenciar la inutilidad de la violencia y las consecuencias que ésta tiene entre los que la ejercen. Cada uno de los miembros del grupo reaccionará de modo diferente ante esa violencia, pero ninguno volverá a ser el mismo de antes. Hay que destacar la magnífica labor de los actores que dan vida a los miembros del grupo, sin los cuales Munich no sería lo mismo: Eric Bana, Ciarán Hinds, Daniel Craig, Hans Zischler y Mathieu Kassovitz.

10. Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima de Clint Eastwood

     Cuando Clint Eastwood filmaba Banderas de nuestros padres (Flags of our fathers, 2006), historia centrada en la conquista por parte de las tropas estadounidenses de la isla japonesa de Iwo Jima durante la Segunda Guerra Mundial, tuvo una idea propia de un genio como él: rodar a continuación otra película, Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima, 2006), centrada en los mismos hechos pero narrada desde el punto de vista japonés. El resultado es un deslumbrante díptico que supone un apasionante fresco histórico despojado de toda clase de maniqueísmos. Curiosamente las dos películas son muy diferentes entre sí: mientras que Banderas de nuestros padres alterna la campaña bélica con el regreso a casa de los soldados norteamericanos, donde éstos se ven obligados a mitificar sus propias experiencias de combate con fines propagandísticos, en Cartas desde Iwo Jima los soldados japoneses atrincherados en la isla evocan su pasado, conscientes de que muchos de ellos jamás volverán a ver a sus seres queridos. Las dos películas juntas suponen un conmovedor alegato antibelicista narrado con sabiduría por su director, un humanista a quien le importan menos los ejércitos que los seres humanos que los componen.

     Además de las diez películas de la lista, así como de los títulos de Eastwood, Nolan o Spielberg citados indirectamente, hay otras películas que me gustaría destacar. Sin ánimo de ser exhaustivo ahí van unas cuantas: Amélie (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain, 2001), la deliciosa comedia de Jean-Jacques Annaud que a estas alturas ya ha consagrado a Audrey Tattou como un icono del cine francés; El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2001), lírica y mágica cinta de animación del maestro Hayao Myazaki; Camino a la perdición (Road to Perdition, Sam Mendes, 2002), una de las películas visualmente más deslumbrantes de la década; El americano impasible (The quiet american, Phillip Noyce, 2002), que cuenta con una impresionante interpretación de Michael Caine; Master and commander (id, 2003), por desgracia la única película que ha filmado el siempre excelente Peter Weir durante estos últimos años; Big Fish (id, 2003), sin duda el mejor Tim Burton de la década; Una historia de violencia (A history of violence, 2005), y Promesas del este (Eastern promises, 2007), dos excelentes incursiones de David Cronenberg en el cine policíaco; Match point (id, 2005), lo mejor de Woody Allen en muchos, muchos años; La casa de las dagas voladoras (Shi mian mai fu, 2004), bellísimo relato de aventuras de Zhang Yimou; Spider-man 2 (id, Sam Raimi, 2004), para mi gusto el mejor relato de superhéroes de estos dos lustros junto con El caballero oscuro; Los increíbles (The incredibles, Brad Bird, 2004), quizás la mejor y más imaginativa de las excelentes películas de los estudios Pixar; Open range (id, 2004), excelente western de Kevin Costner que concluye con un antológico duelo final; Zodiac (id, 2007), magnífica película de David Fincher que por muy poco no se cuela en mi lista de las diez favoritas; y Enemigos públicos (Public enemies, Michael Mann, 2009), probablemente la película que mejor provecho ha sacado del uso de las cámaras digitales.

Las mejores películas de 2009

   El comienzo de un nuevo año siempre es buen momento para volver la vista atrás y hacer balance de los doce meses que le preceden. Por lo que respecta al cine voy a comentar algunas películas que han destacado de entre las que he visto este año (de las mejores de la década pronto hablaremos...). Por supuesto esta lista, como todas las demás que tratan de resumir un año de cine en unas pocas palabras, debe considerarse como abierta a futuros cambios: el tiempo siempre pone las cosas en su sitio, por lo que muchas películas que me han entusiasmado pueden no volver a hacerlo en el futuro, y viceversa. Eso sin contar las muchas películas estupendas que seguramente se me habrán pasado por alto y que ya iré recuperando. Lo que sí tengo claro es que las películas que cito a continuación son, como mínimo, recomendables.

 1. El curioso caso de Benjamin Button de David Fincher

   Adaptación muy libre de un recomendable cuento de Francis Scott Fitzgerald, El curioso caso de Benjamin Button (The curious case of Benjamin Button, 2008) es una de esas pocas películas destinadas a ser parte de nuestros recuerdos durante toda la vida. A través de la evocación de la extraordinaria existencia de Benjamin Button, quien por azares del destino nace con la apariencia de un anciano de ochenta años y a partir de ahí rejuvenece conforme avanza su edad real, David Fincher lleva a cabo una lírica celebración de los pequeños y grandes placeres de la vida. Contando con la ayuda de un equipo técnico y artístico de primera categoría, en el que sobresalen el director de fotografía Claudio Miranda y el compositor Alexandre Desplat, Fincher nos brinda un recital de imágenes de una belleza abrumadora, todo ello para contar una arrebatadora historia de amor en la que el paso tiempo es el gran enemigo de lo amantes. El resultado es una obra maestra capaz de superarse a sí misma a cada nuevo fotograma.

2. Enemigos públicos de Michael Mann

   Enemigos públicos (Public enemies, 2009), la mejor película de Michael Mann junto con la magnífica Heat (id, 1995), supone con toda probabilidad la más contundente puesta al día que ha sufrido el cine de gángsters durante las últimas décadas. Tomando como punto de partida la figura real del famoso atracador de bancos John Dillinger, Mann realiza un ejercicio de estilo en el que juega un destacado papel el excepcional uso de las cámaras digitales. El realizador, con la inestimable ayuda de su excelente director de fotografía Dante Spinotti, ofrece una muestra de su virtuosismo en la que se dan la mano la violencia con la emoción, el hiperrealismo con la más sugerente belleza. Todo ello sin olvidar el romántico retrato que hace del atracador de bancos, visto como una anacrónica figura atrapada en unos tiempos que no son los suyos y destinada a sucumbir en un nuevo mundo en donde tanto la autoridad como el crimen se han institucionalizado hasta convertirse en una suerte de empresas capitalistas.

3. Gran Torino de Clint Eastwood

   Clint Eastwood parece empeñado en convencernos año tras año, película tras película, de que es el más grande cineasta de nuestros días. Gran Torino (id, 2008) es una nueva muestra de su talento, siendo además una película muy especial dentro de su filmografía, puesto que supone su anunciada despedida del mundo de la interpretación. En su última aparición ante las cámaras Eastwood interpreta a Walt Kowalski, personaje que en buena medida resume a todos aquellos a los que ha dado vida a lo largo de su carrera, desde el inspector Harry Callahan de Harry el Sucio (Dirty Harry, Don Siegel, 1971) hasta el entrenador pugilístico Frankie Dunn de Million dollar baby (id, Clint Eastwood, 2004). Kowalski supone la culminación del proceso de humanización que han sufrido los (anti)héroes de Eastwood a lo largo de los años, en una catártica redención que recuerda en más de un aspecto a la del personaje interpretado por John Wayne en su última película: El último pistolero (The shootist, 1976), no por casualidad dirigida por Don Siegel, maestro y mentor de Eastwood. El hermoso plano final de la película, con el Gran Torino de 1972 surcando el horizonte, nos deja a la espera de nuevas películas de tan extraordinario artista.

4. Exiled de Johnnie To

   Es una verdadera lástima que Johnnie To, el brillante realizador hongkonés responsable de títulos tan interesantes como The mission (Cheung fo, 1999) o Election (Hak se wui, 2005), sea prácticamente un desconocido en España. Tanto es así que sus películas raramente se estrenan en cines, mientras que otras, como Exiled (Fong juk, 2006), se lanzan directamente en dvd. Pero ese no es, desde luego, suficiente motivo para no destacar esta excepcional pieza de orfebrería tan representativa de su autor, una película dotada de una prodigiosa puesta en escena en la que cada mirada, cada gesto y cada disparo están dotados de una poética sin parangón. To nos cuenta la historia de un grupo de gángsters que, de una manera que recuerda a los pistoleros crepusculares de Sam Peckinpah o a los tristes y solitarios delincuentes de Jean-Pierre Melville, prefieren arriesgar sus vidas a traicionarse a sí mismos. Gracias a estos personajes, y más allá de la espectacular coreografía de sus secuencias de acción (todas ellas dignas de figurar entre las mejores que se han filmado en muchísimos años), lo que verdaderamente destaca en Exiled es la melancolía con la que To reflexiona sobre la camaradería, la amistad y el trabajo bien hecho, conceptos que hoy se revelan tan anacrónicos como añorados.

5. Malditos bastardos de Quentin Tarantino

   Con todos sus defectos (que los tiene) esta película merecería ser recordada aunque solo fuera por contener la mejor interpretación que hemos podido disfrutar este año: la del actor austríaco Christoph Waltz como el coronel alemán Hans Landa. Pero es que además Malditos bastardos (Inglourious basterds, 2009) me parece probablemente la película más atractiva de Tarantino, en gran parte gracias a las siguientes virtudes: la excelente labor de todo el reparto, en el que además del citado Waltz destacan Diane Kruger, Mélanie Laurent y Daniel Brühl; la estructura del guión, dividido en cinco capítulos (casi actos teatrales), cada uno de ellos desarrollado en un entorno propio y bajo el punto de vista de unos personajes diferentes; el ingenio de sus diálogos, algunos tan brillantes como el de la secuencia inicial en la aldea francesa, que sin duda se cuenta entre lo mejor jamás filmado por su director; la inteligente idea de respetar el idioma propio de cada personaje, recurso que produce por igual instantes dramáticos y cómicos; o el sentido homenaje que se hace al carácter fabulador del Séptimo Arte: en Malditos Bastardos es el Cine el que, en una divertida y arriesgada vuelta de tuerca, consigue cambiar el curso de la Historia.

   Además de las películas ya citadas hay otras que sin duda merecen ser mencionadas. Muy interesante me ha parecido El desafío: Frost contra Nixon (Frost/Nixon, Ron Howard, 2008), una historia acerca de las debilidades de los más altos mandatarios y de la responsabilidad que debe asumir todo aquél que decida dedicarse al periodismo; digno de ser recordado es el extraordinario duelo interpretativo que mantienen unos excelentes Frank Langella, como el ex presidente Richard Nixon, y Michael Sheen, como el periodista encargado de entrevistarle David Frost. Déjame entrar (Låt den rätte komma in, Tomas Alfredson, 2008) merece ser recordada como una de las mejores películas de terror de los últimos años, además de una de las más originales aproximaciones que recientemente se hayan realizado a la figura del vampiro, personificado en esta película sueca en la figura de Eli, una no-muerta de apariencia infantil que se ve condenada a una vida triste y solitaria. Una película mejor de lo que se ha dicho es El lector (The reader, Stephen Daldry, 2008), de la que prácticamente solo se ha hablado para hacer mención a la excelente y premiada labor de la gran actriz Kate Winslet, pero que sobretodo destaca por ser una novedosa mirada al siempre interesante tema del Holocausto judío, además de un duro relato sobre el difícil tránsito de la adolescencia a la madurez. Otra de las más gratas sorpresas del año ha sido la polémica Ágora (Alejandro Amenábar, 2009), en mi opinión lo mejor que hasta ahora ha surgido de la mano de su casi siempre sobrevalorado director, y que destaca por su brillante puesta en imágenes, por su excelente ambientación en la Alejandría del siglo IV d.C. y por su interesantísima aproximación a la figura histórica de la astrónoma Hipatia, encarnada por la siempre excelente Rachel Weisz. Del cine de animación ha destacado Up (id, Pete Docter y Bob Peterson, 2009), nueva muestra del talento de la compañía Pixar, cuyos primeros diez minutos se cuentan entre los mejores y más hermosos arranques que una película haya tenido recientemente. Igualmente hay que destacar dos thrillers que, cada uno a su modo, se suman a la reciente tendencia de recuperar el espíritu crítico del cine policíaco de los años 70: me refiero a las estupendas La sombra del poder (State of play, Kevin Macdonald, 2009), dotada de un guión realmente magnífico, y The international (id, Tom Tykwer, 2009), sin duda una de las películas mejor filmadas del año. Por último, no está de más reivindicar otra de esas películas que suelen ser despreciadas de antemano por el simple hecho de estar protagonizadas por Tom Cruise: Valkiria (Valkyrie, Bryan Singer, 2008), nueva demostración del talento del director de Sospechosos habituales (The usual suspects, 1995), quien aquí relata la historia del famoso complot que planeó asesinar a Adolf Hitler el 22 de julio de 1944, en una película narrada con nervio, capacidad de síntesis y excelentes momentos de suspense.

Siete películas para 2010

   El 2009 toca a su fin. Mientras preparo una entrada sobre lo mejor que nos ha dejado el cine de este año os dejo con un avance de algunas de las películas más prometedoras que podremos ver en 2010. Algunas nos gustarán y otras nos decepcionarán, ya habrá ocasión de comentarlo.

Alicia en el país de las maravillas

   Dirigida por Tim Burton. Con Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Stephen Fry, Crispin Glover y Christopher Lee. Fecha de estreno prevista: 5 de marzo.

   Si había un director predestinado a acercarse a la obra de Lewis Carroll ése era sin duda Tim Burton. El director de Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990) ha reunido a algunos de sus actores habituales (su esposa Helena Bonham Carter, el indispensable Johnny Depp, el veterano Christopher Lee) para narrar, combinando imagen real con las más sofisticadas técnicas de animación, el regreso de una crecidita Alicia al maravilloso mundo surgido de la pluma de Carroll. La cosa promete.

Shutter Island

   Dirigida por Martin Scorsese. Con Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow y Jackie Earle Haley. Fecha de estreno prevista: 19 de febrero.

   Cuatro años después de la sobrevalorada Infiltrados (The departed, 2006) Martin Scorsese regresa al cine de ficción con esta adaptación de una novela de Dennis Lehane, el mismo autor cuya obra sirvió de fuente de inspiración para la magnífica Mystic River (id, Clint Eastwood, 2003) y la interesante Adiós pequeña, adiós (Gone baby gone, Ben Affleck, 2007). El tráiler promete un film policíaco con mayores dosis de misterio de las esperadas. ¿Estaremos ante la primera cinta de terror del responsable de Taxi Driver (id, 1976)?

Robin Hood

   Dirigida por Ridley Scott. Con Russell Crowe, Cate Blanchett, Mark Strong, William Hurt, Danny Huston y Max von Sydow. Fecha de estreno prevista: 14 de mayo.

   Un apasionado de la Historia, Ridley Scott, se propone la difícil tarea de rodar la versión definitiva del legendario arquero del bosque de Sherwood. A juzgar por sus primeras imágenes la película podría convertirse en la versión más verosímil del mito, quizás con permiso de Richard Lester y su estupenda Robin y Marian (Robin and Marian, 1976). De su excelente reparto sobresale la pareja formada por Russell Crowe y Cate Blanchett, dos de los mejores actores del momento.

Invictus

   Dirigida por Clint Eastwood. Con Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng y Matt Stern. Fecha de estreno prevista: 29 de enero.

   Clint Eastwood, el mejor cineasta de la actualidad en opinión de un servidor, se acerca esta vez a la figura histórica de Nelson Mandela, narrando los esfuerzos de éste por apaciguar los conflictos raciales de Sudáfrica por medio del deporte. La interpretación de Morgan Freeman como Mandela promete ser portentosa, y si tenemos en cuenta que sus anteriores colaboraciones con Eastwood fueron nada menos que Sin perdón (Unforgiven, 1992) y Million dollar baby (id, 2004) la calidad está más que asegurada.

Fantastic Mr. Fox

   Dirigida por Wes Anderson. Con las voces en la versión original de George Clooney, Meryl Streep, Willem Dafoe, Michael Gambon, Wes Anderson, Jason Schwartzman, Owen Wilson y Bill Murray. Fecha de estreno prevista: sin confirmar.

   Dirigida por el interesante autor de Viaje a Darjeeling (The Darjeeling Limited, 2007), basada en un cuento de Roald Dahl (Charlie y la fábrica de chocolate) y realizada mediante las añejas técnicas de stop motion, Fantastic Mr. Fox promete ser la película de animación más curiosa del año. La idiosincrasia de Anderson, la paleta de colores escogida y la originalidad de su punto de partida aseguran una propuesta rompedora y sorprendente.

Up in the air

   Dirigida por Jason Reitman. Con George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga, Jason Bateman, J.K. Simmons y Sam Elliott. Fecha de estreno prevista: 8 de enero.

   Tal vez la película más aclamada del momento por parte de los críticos norteamericanos, Up in the air promete ser una comedia dramática con abundantes apuntes sobre el mundo laboral de la actualidad. Algunos comentaristas ya comparan los apuntes sociológicos de esta película con los observados por el gran Billy Wilder en joyas como El apartamento (The apartment, 1960). Habrá que ver si Jason Reitman está a la altura de semejante comparación, pero Up in the air podría confirmarse como una comedia adulta e inteligente de las que no abundan hoy en día.

The expendables

   Dirigida por Sylvester Stallone. Con Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Mickey Rourke, Eric Roberts, Randy Couture, Dolph Lundgren, Steve Austin, Danny Trejo, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger. Fecha de estreno prevista: agosto.

   He dejado para el final The expendables, que probablemente no será una de las mejores películas del año, pero sí una de las más esperadas... y delirantes. Con un reparto que reúne prácticamente a todas las viejas glorias del buen (y mal) cine de acción de los 80, Sylvester Stallone se propone realizar un homenaje a un género muy criticado en su momento pero hoy añorado por muchos nostálgicos. Resulta difícil ver sus primeras imágenes sin esbozar una sonrisa de incredulidad...

   Aprovecho la ocasión para desearos a todos una feliz Navidad y un próspero año nuevo.