tag:blogger.com,1999:blog-55695965645587181472024-02-20T01:21:24.479+01:00Los susurros del noctámbuloPedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.comBlogger50125tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-65241892472639451382013-10-30T13:09:00.000+01:002013-11-20T13:49:37.749+01:00Las mejores películas del cine negro norteamericano<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhljS6nmnExxUw3qPVmRU9RchxOEfcsE2UpnuFqeftO6DusH6wBxbeNFtwg8fhD_fa4cuZ-d9DUyUN8tJct-QU1brN2tk75BXREFd7OwnbYD-KGCa7QGHPYjPz07Ui3u9XkLefDRhKpsRQ/s1600/El+%C3%BAltimo+refugio+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhljS6nmnExxUw3qPVmRU9RchxOEfcsE2UpnuFqeftO6DusH6wBxbeNFtwg8fhD_fa4cuZ-d9DUyUN8tJct-QU1brN2tk75BXREFd7OwnbYD-KGCa7QGHPYjPz07Ui3u9XkLefDRhKpsRQ/s640/El+%C3%BAltimo+refugio+2.jpg" width="504" /></a></div>
Existe gran unanimidad a la hora
de considerar el cine negro como una de las páginas más brillantes de la historia
de la cinematografía estadounidense. En cambio, no existe el mismo consenso a
la hora de precisar qué es exactamente el cine negro. La mayoría de críticos e
historiadores cinematográficos coinciden en afirmar que el <i>film noir </i>cuenta con algunos destacados precedentes en los últimos
años del cine mudo —sobre todo la excelente <i>La
ley del hampa</i> (<i>Underworld</i>, Josef
von Sternberg, 1927)— pero que es con la llegada del cine sonoro cuando
consolida sus principales señas de identidad, tanto temáticas (la descripción
del mundo del hampa, la mirada crítica a la sociedad de su tiempo, la presencia
de detectives, gangsters y<i> femmes fatales</i>)
como estilísticas (fotografía en un contrastado blanco y negro, ambientación
realista en las grandes ciudades). De este modo, el cine negro hallaría su
momento de esplendor entre la década de los años 30 y la de los 50, reflejando
indirectamente la angustia producida por un contexto histórico de especial
gravedad (marcado sucesivamente por la Gran Depresión, la Segunda Guerra
Mundial, el inicio de la Guerra Fría y la Caza de Brujas) y producido durante
la edad de oro del cine de Hollywood (fuertemente condicionado en aquellos
momentos por la política de estudios, las actividades censoras del Código Hays
y la llegada a América de numerosos cineastas que huían del ascenso de los
fascismos europeos).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEih2qPKD28Q9xyOTVhvwhM1xAfmLnHCtrmCzABPvB7Bta51KV2iIKduxvyWAJa21O9B3C4o64h6ERe64btz3VJLEPrxnn2SNDvKwOSHVJEKMF0uob-o9_4TkhKp8Hnyid2w6gtBxFsA0NA/s1600/Retorno+al+pasado+17.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEih2qPKD28Q9xyOTVhvwhM1xAfmLnHCtrmCzABPvB7Bta51KV2iIKduxvyWAJa21O9B3C4o64h6ERe64btz3VJLEPrxnn2SNDvKwOSHVJEKMF0uob-o9_4TkhKp8Hnyid2w6gtBxFsA0NA/s400/Retorno+al+pasado+17.jpg" width="400" /></a></div>
Sin embargo, no todos se ponen de
acuerdo a la hora de marcar el punto final del cine negro. No son pocos quienes
afirman que el <i>film noir </i>sigue
existiendo, siendo por tanto un género capaz de adaptarse a los inevitables
cambios estilísticos y a nuevas temáticas; de ahí que, para muchos, películas
como <i>Chinatown </i>(<i>id</i>, Roman Polanski, 1974), <i>Uno
de los nuestros</i> (<i>Goodfellas</i>,
Martin Scorsese, 1990), <i>Atrapado por su
pasado</i> (<i>Carlito's way</i>, Brian de
Palma, 1993), <i>Sospechosos habituales </i>(<i>The usual suspects</i>, Bryan Singer, 1995)
o <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2009/11/la-confidential-doce-anos-despues.html" target="_blank"><i>L.A. Confidential</i> (<i>id</i>, Curtis Hanson, 1997)</a> puedan ser
consideradas como pertenecientes al género negro. En cambio, un gran número de
estudiosos del mundo del cine —como por ejemplo Paul Schrader en su famoso
artículo<i> <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2009/12/gun-crazy-serie-negra-se-escribe-con-b.html" target="_blank">Notas sobre el film noir </a></i><a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2009/12/gun-crazy-serie-negra-se-escribe-con-b.html" target="_blank">(1972)</a>— insisten en catalogar el cine negro como un movimiento que finaliza en
la segunda mitad de los años 50 y que encuentra su definitiva desaparición con
la popularización del cine en color. Por otro lado, también hay quien afirma
que el cine negro no es un fenómeno desarrollado exclusivamente en los Estados
Unidos y que títulos como <i>El tercer
hombre</i> (<i>The third man</i>, Carol
Reed, 1949), <i>Rififí </i>(<i>Du rififi chez les hommes</i>, Jules Dassin,
1955) o casi todos los dirigidos por Jean-Pierre Melville son tan negros como
los clásicos norteamericanos. Asimismo, también cabe tener en cuenta que no
todas las películas de temática criminal producidas en el Hollywood clásico
pueden enmarcarse dentro del cine negro, como sucede por ejemplo con el cine de
Alfred Hitchcock, de un estilo tan diferente al de los <i>films noirs</i> realizados por Billy Wilder, Fritz Lang o Raoul Walsh.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Sea como fuere, si algo está
claro en un género tan oscuro como el negro es que éste legó un grupo de obras excepcionales
por las que no pasa el tiempo. Es por ello que no he podido resistirme a
confeccionar una lista de mis películas favoritas pertenecientes al cine negro.
A la hora de escoger unos títulos en lugar de otros he preferido ceñirme a la
etapa clásica del cine norteamericano, aquélla que todos se ponen de acuerdo en
señalar como la época dorada del cine negro. Lo que sigue es una docena de
películas inolvidables que se han ganado un puesto de honor en la historia del
cine.<o:p></o:p></div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>1. Perdición</b> </div>
</div>
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<div style="text-align: center;">
de Billy Wilder</div>
</div>
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<div style="text-align: center;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguH0FUBIQ4srAcftL_rKDGJHcMobEQUJWRAP4oj7k_d3EoQdQY54t8eivML0kqnFbeH5b0hhoAFa8S6-a1WDCZOq-S7YBCExEw1fFx6hI8OCnEyOhL8bMT4y9Sn5DCM7p0pEyEgazYNoQ/s1600/Perdici%C3%B3n+14.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguH0FUBIQ4srAcftL_rKDGJHcMobEQUJWRAP4oj7k_d3EoQdQY54t8eivML0kqnFbeH5b0hhoAFa8S6-a1WDCZOq-S7YBCExEw1fFx6hI8OCnEyOhL8bMT4y9Sn5DCM7p0pEyEgazYNoQ/s400/Perdici%C3%B3n+14.jpg" width="290" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Cuando el mejor guionista de la
historia del cine, Billy Wilder, decidió colaborar con uno de los autores
fundamentales de la novela negra, Raymond Chandler, para adaptar una novela de
otro de los grandes maestros del género, James M. Cain, se inició el proceso
creativo que daría como resultado una de las cumbres del cine negro. <i>Perdición</i> (<i>Double indemnity</i>, 1944) no solo es eso, también es una de las obras
maestras de Wilder junto con <i>El
crepúsculo de los dioses</i> (<i>Sunset
Blvd.</i>, 1950), <i>Con faldas y a lo loco</i>
(<i>Some like it hot</i>, 1959), <i>El apartamento</i> (<i>The apartment</i>, 1960) y <i>Uno,
dos, tres</i> (<i>One, two, three</i>, 1961).
<i>Perdición</i> es una de esas pocas
películas en las que cada uno de sus elementos funciona a la perfección: desde
la magnífica utilización del flashback y de la voz en off hasta los ingeniosos
diálogos, pasando por la irresistible química de la pareja formada por Fred MacMurray
y Barbara Stanwyck. Pero quizá lo más fascinante de <i>Perdición </i>consiste en su retrato de una amistad traicionada, la que
une al carismático MacMurray con un insuperable Edward G. Robinson.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>2. Retorno al pasado</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Jacques Tourneur</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ninguna otra obra perteneciente
al cine negro puede presumir de la espléndida combinación de romanticismo y
nostalgia de la que hace gala <i>Retorno al
pasado</i> (<i>Out of the past</i>, 1947).
Dirigida por el maestro de la Serie B Jacques Tourneur, <i>Retorno al pasado</i> describe como pocas películas la soledad del
detective privado y el contraste entre la corrupción de la ciudad y la pureza
de la vida en el campo, contando además con uno de los personajes femeninos más
representativos del género. El flashback que describe la historia de amor de
Robert Mitchum y Jane Greer en Acapulco es uno de los fragmentos más bellos y
suntuosos del cine de los años 40.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>3. La mujer del cuadro</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Fritz Lang</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBu2H4gXTp0AmgrOG1ZGLm2j-DD2pf-lPBrmQQx_niv4gbIOr01zdXbwHHxCwH8q4B_xCuc0RM99vr5eW794dR4A9wfmj0nywpD-e7qgmDLzAgNQg-5k3JE0esuRuy4NFeQT0gOTNGNiE/s1600/La+mujer+del+cuadro+7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBu2H4gXTp0AmgrOG1ZGLm2j-DD2pf-lPBrmQQx_niv4gbIOr01zdXbwHHxCwH8q4B_xCuc0RM99vr5eW794dR4A9wfmj0nywpD-e7qgmDLzAgNQg-5k3JE0esuRuy4NFeQT0gOTNGNiE/s400/La+mujer+del+cuadro+7.jpg" width="267" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Si existe un maestro por
antonomasia del cine negro ese es sin duda Fritz Lang, quien tras anticipar
muchos de los rasgos estilísticos del género en su etapa alemana filmó en los Estados
Unidos títulos tan indispensables como <i>Furia
</i>(<i>Fury</i>, 1936), <i>Sólo se vive una vez</i> (<i>You only live once</i>, 1937), <i>La mujer del cuadro</i> (<i>The woman in the window</i>, 1944), <i>Los sobornados</i> (<i>The big heat</i>, 1953) o <i>Más
allá de la duda </i>(<i>Beyond a reasonable
doubt</i>, 1956). Cualquiera de los títulos citados merecería figurar en esta
lista, pero quizá sea <i>La mujer del cuadro</i>
la más memorable aportación de Lang al <i>film
noir</i>. Los deseos reprimidos y los temores ocultos del ciudadano medio
norteamericano fueron tratados por el gran realizador germánico con una peculiar
atmósfera onírica, logrando además un final sencillamente imborrable. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>4. Al rojo vivo</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Raoul Walsh</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdxrSOjnT12REPqiBDhv8jwjC7HOVbGTJss4FKWH3kgSBT1q4Tl5-yOJXOBi0mvBvbNo2YV7O3ky5mQyQyAYINMD6t5H73q_5rD7VGAGIhhT1sXewk1cPlFfGjXokpW9pN6LvnkOfewpM/s1600/Al+rojo+vivo+7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdxrSOjnT12REPqiBDhv8jwjC7HOVbGTJss4FKWH3kgSBT1q4Tl5-yOJXOBi0mvBvbNo2YV7O3ky5mQyQyAYINMD6t5H73q_5rD7VGAGIhhT1sXewk1cPlFfGjXokpW9pN6LvnkOfewpM/s400/Al+rojo+vivo+7.jpg" width="300" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Si Lang es uno de los grandes
autores del género, lo mismo puede decirse de Raoul Walsh. Aunque este cineasta
dedicó varias obras a la serie negra, la más inolvidable de todas ellas es <i>Al rojo vivo</i> (<i>White heat</i>, 1949), tanto por su ritmo imparable (que para sí
querría buena parte del cine de acción contemporáneo) como por Cody Jarrett, el
inolvidable criminal encarnado por un James Cagney en estado de gracia. Impulsivo,
violento y megalomaníaco, Jarrett es un personaje situado siempre al borde del
abismo que se encarga de protagonizar algunos de los momentos más impactantes
del cine clásico, en especial una secuencia final merecedora de figurar entre
los mejores desenlaces del género.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>5. Scarface, el terror del hampa</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Howard Hawks</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4FhPGsO1Nq9Bmw-efCK8JQEifaPUqxa8vbYxZ7N5LBvcTlD5KZkfdgCIOEDPxFZUBvon1EM4KG9aphY-0j8pGHgtrtvGFljuKwUlXFQ448S3TRVDllHhDKN1e3RgG4IJsCWzITu2-Cqk/s1600/Scarface.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4FhPGsO1Nq9Bmw-efCK8JQEifaPUqxa8vbYxZ7N5LBvcTlD5KZkfdgCIOEDPxFZUBvon1EM4KG9aphY-0j8pGHgtrtvGFljuKwUlXFQ448S3TRVDllHhDKN1e3RgG4IJsCWzITu2-Cqk/s400/Scarface.jpg" width="300" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La década de los años 30 fue
pródiga en cuanto al cine de gangsters gracias a títulos tan destacados como <i>El enemigo público</i> (<i>The public enemy</i>, William A. Wellman, 1932), <i>Hampa dorada</i> (<i>Little Caesar</i>,
Mervyn LeRoy, 1932) o <i>Los violentos años
20</i> (<i>The roaring twenties</i>, Raoul
Walsh, 1939). Sin embargo, ninguna de la películas citadas posee ni la fuerza
ni la explosiva carga de violencia de <i>Scarface,
el terror del hampa</i> (<i>Scarface</i>,
1932). Protagonizada por un electrizante Paul Muni, <i>Scarface, el terror del hampa</i> es una de las obras más
impresionantes de Howard Hawks, quien desplegó toda su inventiva para retratar a
un hampón dispuesto a acabar con quien sea con tal de demostrar que el mundo es
suyo. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>6. Forajidos</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Robert Siodmak</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBmTiUV539lfb3qYnRaDW4RRxvNFM4xdUPtG-fvND2TOtoyu-KiD4axAactReZ2EF1-qk0mxuFFOyhbmrzMRGfNu6zPsXbxzltZgeRG36hocUi08neB6RYwq8AAUQDzaVd7GLSD0brtbA/s1600/Forajidos+10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBmTiUV539lfb3qYnRaDW4RRxvNFM4xdUPtG-fvND2TOtoyu-KiD4axAactReZ2EF1-qk0mxuFFOyhbmrzMRGfNu6zPsXbxzltZgeRG36hocUi08neB6RYwq8AAUQDzaVd7GLSD0brtbA/s400/Forajidos+10.jpg" width="262" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Inspirada en un excelente <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2010/07/los-asesinos-de-ernest-hemingway-en-el.html" target="_blank">relato corto de Ernest Hemingway</a>, <i>Forajidos</i>
(<i>The killers</i>, 1946) es una muestra
del talento del director alemán Robert Siodmak para el <i>film noir</i>. Tras una de las secuencias iniciales más brillantes del
género, <i>Forajidos</i> se adentra en una
compleja trama criminal narrada mediante varios flashbacks que nos descubren la
triste y desesperanzada historia de Ole Andreson, más conocido como El Sueco,
primer personaje cinematográfico interpretado por el gran Burt Lancaster.
Dotada de una espléndida fotografía en claroscuro, <i>Forajidos</i> es una obra maestra que atesora una de las secuencias más
inolvidables del cine negro: el atraco a la fábrica, filmado en un largo plano
secuencia impecablemente coreografiado.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>7. La jungla de asfalto</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de John Huston</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9meYxzHCTR3VgF_1HgyRQxgI0GwaLEwo4NeH-PWCMooUOCIhaXVoTFafCNgUU-D0xf42bltbrip9hVgcqA7kyXIrz87hQr1nLSPy_QKhCtLZeWDtp2jknoqkDmzhAZcuh2snTCibiwM8/s1600/La+jungla+de+asfalto+12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9meYxzHCTR3VgF_1HgyRQxgI0GwaLEwo4NeH-PWCMooUOCIhaXVoTFafCNgUU-D0xf42bltbrip9hVgcqA7kyXIrz87hQr1nLSPy_QKhCtLZeWDtp2jknoqkDmzhAZcuh2snTCibiwM8/s400/La+jungla+de+asfalto+12.jpg" width="295" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
John Huston consiguió con <i>La jungla de asfalto</i> (<i>The asphalt jungle</i>, 1950) una de las
obras clave del cine de atracos y la que quizá sea su mejor película junto con <i>El honor de los Prizzi</i> (<i>Prizzi's honor</i>, 1985). Pocos cineastas
han retratado con tanta humanidad a los variopintos delincuentes que se mueven
en los bajos fondos de la ciudad; en este sentido, la película no habría sido
la misma sin la aportación de sus actores, todos magníficos aunque Louis
Calhern y Sam Jaffe merezcan menciones especiales. Todo ello sin olvidar al Dix
encarnado por Sterling Hayden, papel que el actor prácticamente repetiría en <i>Atraco perfecto</i> (<i>The killing</i>, Stanley Kubrick, 1956) y que en la película de Huston
protagoniza uno de los finales más hermosos de la historia del cine. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>8. Noche en la ciudad</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Jules Dassin</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmISLggDwoaYOULc0sFXEP0Wh-1TuA84d_sysWW23zrGv06iTZu7e3ZOL9jCrvH6FgBSB0Dwj33GSe7lwEcjpPnDO6ul__G-a25FkORBNbTWWx1P5911utYq1GskYHj-fln4xjZWgoLMk/s1600/Noche+en+la+ciudad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmISLggDwoaYOULc0sFXEP0Wh-1TuA84d_sysWW23zrGv06iTZu7e3ZOL9jCrvH6FgBSB0Dwj33GSe7lwEcjpPnDO6ul__G-a25FkORBNbTWWx1P5911utYq1GskYHj-fln4xjZWgoLMk/s400/Noche+en+la+ciudad.jpg" width="292" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
"<i>La noche y la ciudad</i>", reza el título original de esta
maravillosa película de Jules Dassin. Puede que no existan dos elementos más indispensables
para el género negro que esos, aunque pocas veces fueron tan bien tratados como
en <i>Noche en la ciudad</i> (<i>Night and the city</i>, 1950). Un
extraordinario Richard Widmark trata de sobrevivir en las sombrías y
claustrofóbicas calles de Londres en este apasionante relato criminal, que
entre otras muchas cosas cuenta con la particularidad de sustituir el mundo del
boxeo por el de la lucha grecorromana.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>9. El último refugio</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Raoul Walsh</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV8ptrnN23v158QV4326c6dfgEwKZtq3WXHuqb2Kscmwkv4d6ykuVwPZtRc1_L69sullSbIl_V2PflPQ1dwF0etgfsqqK_F4Xnaf8jZ0pJzK-nOj5Nmu29OtSYp2P8_gBpoo2AzFbxRYc/s1600/El+%C3%BAltimo+refugio+8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV8ptrnN23v158QV4326c6dfgEwKZtq3WXHuqb2Kscmwkv4d6ykuVwPZtRc1_L69sullSbIl_V2PflPQ1dwF0etgfsqqK_F4Xnaf8jZ0pJzK-nOj5Nmu29OtSYp2P8_gBpoo2AzFbxRYc/s400/El+%C3%BAltimo+refugio+8.jpg" width="281" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
A Raoul Walsh se debe la creación
de dos de los personajes más memorables del cine de gangsters: el Cody Jarrett
de <i>Al rojo vivo</i> y el Roy Earle de <i>El último refugio</i> (<i>High Sierra</i>, 1941). Mucho más humano y cercano que Jarrett, el Roy
Earle interpretado por un perfecto Humphrey Bogart es un antihéroe abocado al
mundo del crimen por culpa de la Gran Depresión, una víctima de su época que,
al igual que los protagonistas de <i>Retorno
al pasado</i> y <i>La jungla de asfalto</i>,
solo desea escapar de las grandes urbes para encontrar la paz en la naturaleza.
En una muestra de su experimentación con los géneros cinematográficos, Walsh
recuperaría el argumento de <i>El último
refugio</i> llevándolo a los terrenos del western en la apreciable <i>Juntos hasta la muerte </i>(<i>Colorado territory</i>, 1949).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>10. Laura</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Otto Preminger</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiH5IpAMgF5Umakup_pdtYlAgU_2PXzoY6ETdzq2ZzBxLmmK1XL13S5Idrpfsfhyphenhyphen1l_usc6inuepjd7mdQ7iwhIK79XIyVOBXVPyhOUE2wSeoeLTq8Vmd_N3x3jzrL3_X2l9zEASgOskw/s1600/Laura+15.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiH5IpAMgF5Umakup_pdtYlAgU_2PXzoY6ETdzq2ZzBxLmmK1XL13S5Idrpfsfhyphenhyphen1l_usc6inuepjd7mdQ7iwhIK79XIyVOBXVPyhOUE2wSeoeLTq8Vmd_N3x3jzrL3_X2l9zEASgOskw/s400/Laura+15.jpg" width="301" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
"<i>Jamás olvidaré el fin de semana en el que murió Laura</i>", dice
la primera línea del guión de la misteriosa película de Otto Preminger. Tal vez
sea por la deslumbrante belleza de Gene Tierney o por la elegante puesta en
escena del director de <i>Cara de ángel</i>
(<i>Angel face</i>, 1952), pero el caso es
que pocas películas resultan tan fascinantes como <i>Laura</i> (<i>id</i>, 1944). Quizá
su atmósfera ensoñadora tan solo pueda ser comparada con la de <i>La mujer del cuadro</i>, hasta el punto de que
Preminger consigue que nos preguntemos si estamos contemplando la resolución de
un caso de asesinato o si todo consiste en la fantasía onírica del detective
encarnado por Dana Andrews.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>11. El sueño eterno</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Howard Hawks</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ1AUGPdIhqx8dDOhAr6VmSh0uNyJydbXdFPPutpyNksLHdye2IKHv726w8VWCLDfg_PBlMV-hzmezZrBySOUQgsoVRrY11B4pBeX2fVUZQ7BW8o5eSQRmoQ_povtEnP6HheMy3cVlYnI/s1600/El+sue%C3%B1o+eterno+22.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ1AUGPdIhqx8dDOhAr6VmSh0uNyJydbXdFPPutpyNksLHdye2IKHv726w8VWCLDfg_PBlMV-hzmezZrBySOUQgsoVRrY11B4pBeX2fVUZQ7BW8o5eSQRmoQ_povtEnP6HheMy3cVlYnI/s400/El+sue%C3%B1o+eterno+22.jpg" width="266" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Humphrey Bogart se consolidó como
uno de los grandes iconos del género al interpretar a los dos detectives
privados más influyentes de la novela negra: Sam Spade en <i>El halcón maltés</i> (<i>The maltese
falcon</i>, John Huston, 1941) y Philip Marlowe en <i>El sueño eterno</i> (<i>The big
sleep</i>, Howard Hawks, 1946). Sin negar el interés de la película de Huston,
personalmente prefiero la de Hawks. El propio director reconocía no estar del
todo seguro de comprender todos los entresijos de la trama de <i>El sueño eterno</i>, pero poco importa: como
siempre sucede en las mejores películas del responsable de <i>Sólo los ángeles tienen alas</i> (<i>Only
angels have wings</i>, 1939), lo verdaderamente importante no es la historia
que se narra, sino la brillante descripción de los personajes y de las
relaciones que surgen entre ellos. <i>El
sueño eterno</i> no es una excepción: pocas cosas pueden resultar más
apasionantes que contemplar la fascinante química de la pareja formada por Humphrey
Bogart y Lauren Bacall en la mejor de sus reuniones cinematográficas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>12. Sed de mal</b> </div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
de Orson Welles</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXc600jXaJZUhFXa1dy-ZcFkoYi_Ds8qLZc3WDLkaOfeVN6T6OmTFedFdom-qsvCTWhuxThosBqpcMhB-9Vf6XDSE6JpKrdyiDOBziz-cNKaI30-a-BM-_L9OL4FNfbcu0X8CI2FsFElA/s1600/Sed+de+mal+12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXc600jXaJZUhFXa1dy-ZcFkoYi_Ds8qLZc3WDLkaOfeVN6T6OmTFedFdom-qsvCTWhuxThosBqpcMhB-9Vf6XDSE6JpKrdyiDOBziz-cNKaI30-a-BM-_L9OL4FNfbcu0X8CI2FsFElA/s400/Sed+de+mal+12.jpg" width="255" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para muchos la última obra
maestra del cine negro, <i>Sed de mal</i> (<i>Touch of evil</i>, 1958) es también la mejor
aportación de Orson Welles al género, muy por encima de las ya de por sí
apreciables <i>El extraño </i>(<i>The stranger</i>, 1946) y <i>La dama de Shanghai</i> (<i>The lady from Shanghai</i>, 1947). <i>Sed de mal</i> es probablemente el <i>film noir</i> más barroco y enfermizo de
cuantos existen, un verdadero <i>tour de force</i>
que se inicia con un prodigioso plano secuencia de más de tres minutos de
duración y que concluye con una no menos virtuosa escena de suspense
desarrollada en la frontera entre Estados Unidos y México. Pero más allá de los
malabarismos cinematográficos de su autor, <i>Sed
de mal</i> permanece como una de las más interesantes aproximaciones fílmicas a
la temática de la corrupción policial, representada por el genial personaje del
capitán Quinlan al que da vida el propio Welles.</div>
<br />Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-79439315089896015042013-03-03T17:57:00.001+01:002013-03-03T17:57:12.904+01:00Las mejores películas de 2012<br />
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrvCA-WOVPYy1CJy6T39FZTp_9GmHJ5mlwyp44ejMfxZ0QdWPNIYwSn7CpoUwwXmvtDgmVDVzpH8NmNJDnFfE7_0lig7wdLgUz3bmua8V9j8WDnn5t_xI1heENwHoKHTxMFmIVAwzG7OY/s1600/La+invenci%C3%B3n+de+Hugo+33.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="451" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrvCA-WOVPYy1CJy6T39FZTp_9GmHJ5mlwyp44ejMfxZ0QdWPNIYwSn7CpoUwwXmvtDgmVDVzpH8NmNJDnFfE7_0lig7wdLgUz3bmua8V9j8WDnn5t_xI1heENwHoKHTxMFmIVAwzG7OY/s640/La+invenci%C3%B3n+de+Hugo+33.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Como ya es tradición en este
blog, ofrezco a continuación una selección de mis películas favoritas de la pasada
temporada. Como siempre me centraré en el cine estrenado en España a lo largo
del año anterior, en lo que no es más que una excusa tan buena como cualquier
otra para recomendar diez apreciables películas. <o:p></o:p></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>1. La invención de Hugo</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de Martin Scorsese</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyUyvlxpCxRtA1YV-VwjiAaE_IaNj3HSuqSv6yVAuD0PEE6xzaWZPqYOAtwBwpYQF1_pEU-LcARx8tzhN4aWpbtxgjysOUlV0mdHS3rIeYYJtoQb4ZAkHqap6ucodrqN0Z_22s3kHB_W4/s1600/La+invenci%C3%B3n+de+Hugo+9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyUyvlxpCxRtA1YV-VwjiAaE_IaNj3HSuqSv6yVAuD0PEE6xzaWZPqYOAtwBwpYQF1_pEU-LcARx8tzhN4aWpbtxgjysOUlV0mdHS3rIeYYJtoQb4ZAkHqap6ucodrqN0Z_22s3kHB_W4/s640/La+invenci%C3%B3n+de+Hugo+9.jpg" width="460" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Cuando parecía que ya lo
sabíamos todo sobre Martin Scorsese, va el maestro y nos sorprende con <i>La
invención de Hugo </i>(<i>Hugo</i>, 2011), sin lugar a dudas una de sus mejores
películas. Espectacular, emocionante y divertida, <i>La invención de Hugo</i>
es una fiesta para los sentidos y una extraordinaria celebración del cine como
la mayor fábrica de sueños jamás creada. Algunos fragmentos de la película,
concretamente los dedicados a la juventud del cineasta Georges Méliès al que
encarna un memorable Ben Kingsley, deberían ser proyectados en los centros de
enseñanza para explicar los orígenes del séptimo arte.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>2. Skyfall</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de Sam Mendes<o:p></o:p></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvp1EdZR0wP_i581Pv6yq9GVEivj_objgxUFAIM71wDRDO5FngwjwUydREz8p5Rs9OXZ6s8t7xq1Q9atyVxG6dxz9eYlZiA84Izfrmei622Vp053AiIjmlWytYdSLLTDdGU2SREGVxogE/s1600/Skyfall+100.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvp1EdZR0wP_i581Pv6yq9GVEivj_objgxUFAIM71wDRDO5FngwjwUydREz8p5Rs9OXZ6s8t7xq1Q9atyVxG6dxz9eYlZiA84Izfrmei622Vp053AiIjmlWytYdSLLTDdGU2SREGVxogE/s640/Skyfall+100.jpg" width="411" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
El agente 007 ha celebrado su
quincuagésimo cumpleaños de la mejor forma posible, estrenando una de sus
<a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/10/las-mejores-peliculas-de-james-bond.html">mejores películas</a> y demostrando que se encuentra en uno de los mejores momentos
de su ya larga existencia. Brillantemente realizada por Sam Mendes y bellamente
fotografiada por Roger Deakins, <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/11/el-pasado-de-james-bond-skyfall.html"><i>Skyfall</i> (<i>id</i>, 2012)</a> reivindica los
rasgos más puros del incomparable estilo de James Bond. Y todo ello sin
descuidar en ningún momento el espectáculo, dejando para el recuerdo un villano
tan memorable como el interpretado por Javier Bardem y una media hora final que
todo fan de 007 aplaudirá a rabiar.<o:p></o:p></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b><span lang="FR">3. En la casa</span></b><span lang="FR"> </span></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span lang="FR">de François Ozon<o:p></o:p></span></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span lang="FR"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0jIaplcaJFZDMzbjTw7lX8YkT1S2tVnU_BTHbyco16ehWDjeALCF_KBc1g_ZzWXXn7GnUUGNoGLmBK08hnMnN__axC9sXiXHmhrwFA5_9S3wRiPj-w20QyQoWAIvNlvRNKugYx7MwDxk/s1600/En+la+casa+23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0jIaplcaJFZDMzbjTw7lX8YkT1S2tVnU_BTHbyco16ehWDjeALCF_KBc1g_ZzWXXn7GnUUGNoGLmBK08hnMnN__axC9sXiXHmhrwFA5_9S3wRiPj-w20QyQoWAIvNlvRNKugYx7MwDxk/s640/En+la+casa+23.jpg" width="476" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
El poder de la narración, el
proceso creativo de la escritura literaria, la débil línea que separa la
ficción de la realidad, la complejidad de las relaciones entre alumno y
profesor, la disección de la familia de clase media... <i>En la casa</i> (<i>Dans
la maison</i>, 2012) reflexiona sobre temas tan interesantes como estos alcanzando
la brillantez gracias a una atenta dirección de François Ozon, a un espléndido
guión basado en la obra teatral de Juan Mayorga y a un sensacional grupo de
actores, entre los que sobresale un sensacional Fabrice Luchini como el
profesor Germain. El plano final de la película es uno de los mejores que el
cine nos ha regalado en mucho tiempo.<o:p></o:p></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>4. The deep blue sea</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de
Terence Davies</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJf-nC-AYD4FEDgKRPEHsnkaEy_F8pSfov-Ga33HZPn3gijVFmONR6wCCZ_G-J-GfMWxRYL9U4z5JctXjsWMb83aSrPpcknz5oeNK-tYBAJuSwmbdNILtW-1AqhMkcTxLn7MXnrZPI0mo/s1600/The+deep+blue+sea+7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJf-nC-AYD4FEDgKRPEHsnkaEy_F8pSfov-Ga33HZPn3gijVFmONR6wCCZ_G-J-GfMWxRYL9U4z5JctXjsWMb83aSrPpcknz5oeNK-tYBAJuSwmbdNILtW-1AqhMkcTxLn7MXnrZPI0mo/s640/The+deep+blue+sea+7.jpg" width="432" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Narrada con mano maestra por
Terence Davies, <i>The deep blue sea</i> (<i>id</i>, 2011) es una película
situada a medio camino entre el cine clásico y el contemporáneo. Por un lado la
elegancia de su puesta en escena y su desgarradora historia de amor recuerdan a
clásicos de David Lean como <i>Breve encuentro </i>(<i>Brief encounter</i>,
1945) o <i>Amigos apasionados</i> (<i>The passionate friends</i>, 1949); por el
otro, la ordenación cronológica del relato y la descripción que Davies ofrece sobre
la deprimida sociedad británica de posguerra transmiten una mirada de una gran
modernidad. La extraordinaria interpretación de Rachel Weisz contribuye a
engrandecer una película ya de por sí notable.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>5. La vida de Pi</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de Ang
Lee</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAhbtb9egqNvOREsOeLZFGg7Ex_7kDPuxmtFziy8MScWJz79AzPAHHC8DtRgm44d4czGFVZCTNvXQWik-DC9-CWu-VF-V15l8uL7FmrnGp40iT4x8skWgvOX63TCHyxuDLKTMJq9vU6DY/s1600/La+vida+de+Pi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAhbtb9egqNvOREsOeLZFGg7Ex_7kDPuxmtFziy8MScWJz79AzPAHHC8DtRgm44d4czGFVZCTNvXQWik-DC9-CWu-VF-V15l8uL7FmrnGp40iT4x8skWgvOX63TCHyxuDLKTMJq9vU6DY/s640/La+vida+de+Pi.jpg" width="432" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Con <i>La vida de Pi </i>(<i>Life
of Pi</i>, 2012) el cineasta Ang Lee ha realizado una de las mejores películas
de aventuras de las últimas décadas, desplegando una apabullante puesta en
escena con la complicidad del gran director de fotografía Claudio Miranda. Pero
gracias a su brillante vuelca de tuerca final, <i>La vida de Pi</i> se
convierte además en una espléndida reflexión sobre cómo la evocación de los
recuerdos puede embellecerlos hasta llegar a deformarlos, en una emotiva
reivindicación del arte de contar historias cuanto más fantasiosas mejor.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>6. Moonrise kingdom</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de
Wes Anderson</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAXESIBl3ugQXo2qO4s09-MwJChSplnwA5-bSQrm66FV_hfVuAipcsi5nIDTDIfUhP_G0CENpfCjvChRwm-mtOdRnXCVEafNVJ-3jrxh9O4bZcG2G8EAp8yRcpidn-2s2je7jHP24F1IA/s1600/Moonrise+Kingdom+6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAXESIBl3ugQXo2qO4s09-MwJChSplnwA5-bSQrm66FV_hfVuAipcsi5nIDTDIfUhP_G0CENpfCjvChRwm-mtOdRnXCVEafNVJ-3jrxh9O4bZcG2G8EAp8yRcpidn-2s2je7jHP24F1IA/s640/Moonrise+Kingdom+6.jpg" width="448" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Wes Anderson filma sus películas
con la misma ilusión con la que un niño prueba sus juguetes nuevos. En <i>Moonrise
kingdom </i>(<i>id</i>, 2012) el director de esa indescriptible joya titulada <i>Life
aquatic</i> (<i>The life aquatic with Steve Zissou</i>, 2004) realiza un
nostálgico retrato del primer amor y de los últimos episodios de la infancia,
haciendo gala de su personal gusto estético y de su preferencia por unos
personajes repletos de peculiaridades. A destacar la riqueza de su banda
sonora, en la que una evocadora canción de François Hardy y varias piezas sinfónicas
de Benjamin Britten se combinan a la perfección con la estupenda partitura
original de Alexandre Desplat.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>7. Millennium: Los hombres
que no amaban a las mujeres</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de David Fincher</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6y-8_00r_3N2RehJrMNp_ZsCKH4bVAKO2EmWGmhjDjhqk_9Q-Nyp8PFF1HxZJt3TmntJRZaWn25xGr70rnof5dFHUH1DHlP-uT5wv25OMb7nuTDVsCgKfWjHBzryz7KANqYxw9qO8aT0/s1600/Millennium+13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6y-8_00r_3N2RehJrMNp_ZsCKH4bVAKO2EmWGmhjDjhqk_9Q-Nyp8PFF1HxZJt3TmntJRZaWn25xGr70rnof5dFHUH1DHlP-uT5wv25OMb7nuTDVsCgKfWjHBzryz7KANqYxw9qO8aT0/s640/Millennium+13.jpg" width="448" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Con esta película David Fincher
regresa al thriller de asesinos en serie, género que domina a la perfección tal
y como demuestran obras tan memorables como <i>Seven </i>(<i>id</i>, 1995) o<i>
Zodiac</i> (<i>id</i>, 2007). Dotada de un fascinante look visual, <i>Millennium:
Los hombres que no amaban a las mujeres </i>(<i>The girl with the dragon tattoo</i>,
2011) demuestra que lo que en manos de un realizador mediocre no habría pasado
de ser una película del montón, en manos de un maestro como Fincher se
convierte en un brillante ejercicio de estilo. Mención especial para Daniel
Craig y Rooney Mara, ambos excelentes a la hora de encarnar a unos personajes
muy diferentes entre sí pero unidos por su desamparo.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>8. Argo</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de Ben Affleck</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSx6JnSPSkoLT5IpzfM3BOhuy0ahDQDZsZz7RNVrLoy56lfGGV0IOVLVIayQlSpFf75PVL65oYfaPxNXA9xy4LDIkPZf-4TLnBLjtHgfy5iaIypdrROEV9KX9qDtcwx2PiPZDC8UCFxbI/s1600/Argo+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSx6JnSPSkoLT5IpzfM3BOhuy0ahDQDZsZz7RNVrLoy56lfGGV0IOVLVIayQlSpFf75PVL65oYfaPxNXA9xy4LDIkPZf-4TLnBLjtHgfy5iaIypdrROEV9KX9qDtcwx2PiPZDC8UCFxbI/s640/Argo+2.jpg" width="432" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
En <i>Argo</i> (<i>id</i>, 2012)
Ben Affleck nos traslada a la crisis de los rehenes de Irán recuperando el tono
del mejor thriller político de los años 70 y realizando una irónica y divertida
muestra de cine dentro del cine. La solidez del resultado confirma el buen
sabor de boca dejado por <i>Adiós pequeña, adiós </i>(<i>Gone baby gone</i>, 2007)
y <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2010/11/la-confirmacion-de-ben-affleck-como.html"><i>The town. Ciudad de ladrones</i> (<i>The town</i>, 2010)</a>, los dos
anteriores largometrajes de Affleck, quien en esta ocasión nos regala una media
hora final cargada de emoción y suspense.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>9. Prometheus</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de Ridley
Scott</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYIzISgobvWkrnO8MJz_Gth2j9nWotUSD6HLQOrJI-1uz9pmBOHqajZVa-KcET-qdJjgmwSCWTE5PBdqfiHcM1A34iwsZdyyCRI2abBxTiaP_YWPZYFr18fQWXob3mL4R-lm816mgf7Wc/s1600/Prometheus+Imax.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYIzISgobvWkrnO8MJz_Gth2j9nWotUSD6HLQOrJI-1uz9pmBOHqajZVa-KcET-qdJjgmwSCWTE5PBdqfiHcM1A34iwsZdyyCRI2abBxTiaP_YWPZYFr18fQWXob3mL4R-lm816mgf7Wc/s640/Prometheus+Imax.jpg" width="440" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Con todos sus defectos e
imperfecciones, <i>Prometheus</i> (<i>id</i>, 2012) demuestra que no existe
mejor género para Ridley Scott que el de la ciencia ficción. Uno de los grandes
aciertos de <i>Prometheus</i> es que no solo funciona como un brillante
complemente de la mítica <i>Alien</i> (<i>id</i>, 1979), sino que, sobre todo a
través del androide magistralmente interpretado por Michael Fassbender, traza
nexos en común con la no menos célebre <i>Blade Runner</i> (<i>id</i>, 1982),
dotando de gran cohesión a toda la obra fílmica de Scott enmarcada dentro del
cine futurista. Una película que probablemente mejorará con el paso de los
años.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<b>10. El caballero oscuro: La
leyenda renace</b> </div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
de Christopher Nolan</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSuofNBI_tKmVcJQGjcq1nTEz46EtvsAD88Y7zWVIwpDR6IIT4xM1OkxKHXr0u7YArPPOobf2_Y_CFItpArc1DvPizn_zchB3X4JBKeINnN0lfnng7YnUaeKTGHaAwphW1vcqcmLfMLSo/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSuofNBI_tKmVcJQGjcq1nTEz46EtvsAD88Y7zWVIwpDR6IIT4xM1OkxKHXr0u7YArPPOobf2_Y_CFItpArc1DvPizn_zchB3X4JBKeINnN0lfnng7YnUaeKTGHaAwphW1vcqcmLfMLSo/s640/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+9.jpg" width="425" /></a></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
Con <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/08/el-senor-de-la-noche-segun-christopher.html"><i>El caballero oscuro: La leyenda renace</i> (<i>The dark knight rises</i>, 2012)</a> Christopher
Nolan pone punto final a su visión sobre el hombre murciélago, una trilogía
convertida ya en un referente por lo que respecta a las relaciones entre el
cine y el cómic. Aunque no alcanza la excelencia del <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/07/el-senor-de-la-noche-segun-christopher_20.html">segundo capítulo</a> de la
serie, <i>El caballero oscuro: La leyenda renace</i><b> </b>se erige como una
conclusión atractiva y coherente que, entre otras cosas, nos regala una de las
mejores secuencias del año: el brutal enfrentamiento entre Batman (Christian
Bale) y Bane (Tom Hardy) en el subsuelo de la ciudad de Gotham.</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-74684613592124963482012-11-29T12:01:00.000+01:002012-11-29T12:01:42.617+01:00El pasado de James Bond: SKYFALL<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGqnvuH8IL5ObL9zjvx0jGdOMZHLQ9rLcpimS9NpHiv8PylY-9A1dmWVtrUrCvv3eW1GlELKfhW_DCe4OZwCUr8qvD4A50oRcP3p55HyWNp86irHljs7N16VVtXU5IHf0ogrWmatoajhs/s1600/Skyfall+65.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="481" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGqnvuH8IL5ObL9zjvx0jGdOMZHLQ9rLcpimS9NpHiv8PylY-9A1dmWVtrUrCvv3eW1GlELKfhW_DCe4OZwCUr8qvD4A50oRcP3p55HyWNp86irHljs7N16VVtXU5IHf0ogrWmatoajhs/s640/Skyfall+65.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En una secuencia de <i>American Beauty </i>(<i>id</i>, 1999), el formidable debut en la realización de Sam Mendes,
Lester Burnham (Kevin Spacey) acude a regañadientes a una cena de negocios de
su esposa Carolyn (Annette Bening) comentando que preferiría haberse quedado en
casa disfrutando de un maratón televisivo de películas de James Bond.
Probablemente el propio Mendes no podía ni imaginar por aquel entonces que
acabaría dirigiendo <i>Skyfall</i> (<i>id</i>, 2012), la tercera película de 007
protagonizada por Daniel Craig, actor a quien ya dirigió en la estupenda <i>Camino a la perdición</i> (<i>Road to Perdition</i>, 2002). Pero más allá
de la situación de embarcarse en una franquicia cinematográfica con cincuenta
años de antigüedad firmemente controlada por los productores Michael G. Wilson
y Barbara Broccoli, lo cierto es que la labor de Mendes no ha podido resultar
más brillante. Haciendo gala de una gran honestidad profesional, el cineasta
británico ha logrado imprimir su talento visual a la película sin permitir que
su estilo personal se imponga al patrón narrativo de la serie Bond, lo que por
otro lado no impide que <i>Skyfall</i>
muestre una gran personalidad dentro de la saga ni que guarde ciertos elementos
en común con el resto de la filmografía de Mendes.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgus8_xQz2ob3PToluWoiu11R9zc6Dh8c1TT98knS5lQG7L0_CsgtWpWk9fBR7cey7dO_oLlLzcaUyXPQkB1h8NOhXg5KGkMxqcrlE7SD6VsGIm7vtghYJRH_8EMhJm2pWDNnlbkr8o9uk/s1600/Skyfall+31.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgus8_xQz2ob3PToluWoiu11R9zc6Dh8c1TT98knS5lQG7L0_CsgtWpWk9fBR7cey7dO_oLlLzcaUyXPQkB1h8NOhXg5KGkMxqcrlE7SD6VsGIm7vtghYJRH_8EMhJm2pWDNnlbkr8o9uk/s400/Skyfall+31.jpg" width="400" /></a></div>
Siguiendo el camino abierto por
la magnífica <i>Casino Royale</i> (<i>id</i>, Martin Campbell, 2006), <i>Skyfall</i> bucea en la personalidad de
James Bond sacando a la luz sus puntos débiles e indagando en los oscuros
hechos de su pasado que le llevaron a convertirse en el mejor de los agentes
secretos. El comienzo de la película ya deja bien claro el propósito de mostrar
la faceta más humana de su protagonista: durante una peligrosa operación en
Estambul, 007 recibe la desagradable orden de desatender a un compañero
moribundo para perseguir al intruso que ha puesto en peligro la seguridad del
MI6; minutos después, la superintendente M (una excelente Judi Dench) desconfía
de que Bond pueda cumplir con éxito su misión y ordena un disparo que por error
acaba hiriendo al agente británico. En una situación completamente inédita en
la serie, un James Bond herido y humillado a consecuencia de la falta de
confianza demostrada por su mentora decidirá hacerse pasar por muerto y vivir
momentáneamente apartado de ese mundo de espías que le ha llevado a las puertas
de la muerte. A pesar de todo 007 no tardará en reincorporarse al servicio
secreto británico, pues en el fondo sabe que su trabajo como espía es lo único
que da sentido a su vida. No obstante cuando lo haga las cosas en el MI6 serán
muy distintas a como eran antes, pues no solo su relación con M se habrá
enfriado sino que la existencia de los agentes con licencia para matar empezará
a ser considerada como prescindible.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgCDNvnHfsIACT1YvhgqEV06r325qbq2A7d-9hhO1G2_q2ZZEt1HE5P_oLvGgVpA6sIakYbAvgwHUwbQUk_Rbv0WT6Ic0O1wvoDazq4W3SzB0iEAbxDHH1Ya5LVMeb7-M9UkAMzqSkWS0/s1600/Skyfall+46.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgCDNvnHfsIACT1YvhgqEV06r325qbq2A7d-9hhO1G2_q2ZZEt1HE5P_oLvGgVpA6sIakYbAvgwHUwbQUk_Rbv0WT6Ic0O1wvoDazq4W3SzB0iEAbxDHH1Ya5LVMeb7-M9UkAMzqSkWS0/s400/Skyfall+46.jpg" width="400" /></a> Este punto de la trama sirve a
los responsables de la película para reflexionar sobre la valía que en el cine
contemporáneo puede tener un personaje tan aparentemente anclado en la década
de los 60 como Bond. En ese sentido resulta enormemente significativa la
sucesión de pruebas físicas y psicológicas que Bond debe superar antes de
reincorporarse al servicio activo y en las que el agente da muestras de un notable
desgaste: su puntería ya no es la que era, los ejercicios físicos le producen
una gran fatiga y sus análisis sanguíneos muestran una preocupante adicción al
alcohol y a los medicamentos. Este deterioro le producirá a 007 más de un
problema a la hora de completar su misión: sin ir más lejos, un error de
puntería cometido durante un sádico juego con el villano Silva (un brillante
Javier Bardem) provocará indirectamente la muerte de la hermosa Sévérine
(Bérénice Marlohe). No obstante este cuestionamiento de Bond como héroe,
paralelo al descrédito que se gana M ante una comisión de investigación que
cuestiona su labor al frente del MI6, será zanjado por el protagonista con una
reivindicación de sí mismo como un representante de lo clásico y lo
tradicional. “<i>Para ciertas cosas estoy
chapado a la antigua</i>”, le comenta Bond a la agente Eve (Naomie Harris)
mientras se afeita con navaja, a lo que la mujer responde “<i>a veces lo antiguo es lo mejor</i>”. Significativamente durante la
batalla final, más propia de un western que de una cinta de acción, el agente
británico renunciará a usar sus habituales artilugios modernos para enfrentarse
a sus enemigos con armas de fuego o, en última instancia, con un simple
cuchillo. La última secuencia de la película, con 007 recibiendo una misión en
el nuevo despacho de M, idéntico al que aparecía en las primeras películas de
la serie protagonizadas por Sean Connery, muestra a un héroe recompuesto tras
un necesario retorno a los orígenes, en una evidente metáfora sobre el rumbo
que ha tomado la saga desde la llegada del gran Daniel Craig.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-4X0rc-sBBCqBTyKnAXZmJF7F7CBdv0C3QySWlxKfp42iLLNM6zBxkL4Rsg4HXY0ogwZd5pUZHmdKd0c-Wk2l-jiYwQsGtuD6NNQpamTxM6V2lJQqNmK6QVkDDr3mL-bGDsE-x9q2u7Y/s1600/Skyfall+34.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-4X0rc-sBBCqBTyKnAXZmJF7F7CBdv0C3QySWlxKfp42iLLNM6zBxkL4Rsg4HXY0ogwZd5pUZHmdKd0c-Wk2l-jiYwQsGtuD6NNQpamTxM6V2lJQqNmK6QVkDDr3mL-bGDsE-x9q2u7Y/s400/Skyfall+34.jpg" width="400" /></a></div>
No resulta de extrañar que, en
una aventura que cuestiona la existencia del propio Bond en el siglo XXI, su
principal enemigo tenga tanto que ver con él, hasta el punto de mostrarse como
su reflejo inverso. Y es que Silva, tan inquietante y excesivo como los mejores
villanos de la saga, guarda numerosas similitudes con 007, pues no solo trabajó
en el servicio secreto británico sino que también estuvo a punto de morir por
culpa de M, quien delató a su agente por considerar que sus discutibles métodos
ponían en peligro la devolución de Hong Kong a China. Sam Mendes recalca las
personalidades contrapuestas pero complementarias de Bond y Silva durante la
primera aparición del villano, con un largo plano general en el que Silva se
acerca lentamente a la cámara mientras recita un monólogo revelador acerca del
carácter anacrónico de ambos oponentes. Curiosamente la relación casi
materno-filial que tanto Bond como Silva mantienen con M (a quien el villano se
refiere como “<i>madre</i>”) recuerda en
muchos sentidos a los vínculos que unían a Michael Sullivan (Tom Hanks) y a
Connor Rooney (Daniel Craig) con el mafioso John Rooney (Paul Newman), superior
del primero y padre del segundo, en <i>Camino
a la Perdición</i>; de hecho las conclusiones de ambas películas son hasta
cierto punto comparables, pues el viaje de Bond a Skyfall trae a la memoria el
regreso de Michael a Perdición, una localidad costera en la que había residido
en el pasado y donde se producía su enfrentamiento final con el asesino Maguire
(Jude Law).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpRHsbpq3o2ffRBTRm1Sv5QInZAqzK-WIQrCl-t8d2SbW3lA-oSXOUD8u-1xN8U2u0bujHso3tH4nta7R3lTQLHnzCuRwY9Hf_awpGGBowRZBFuPJrWg8tZVlByEsEqAjyH_Hwo6757h8/s1600/Skyfall+80.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpRHsbpq3o2ffRBTRm1Sv5QInZAqzK-WIQrCl-t8d2SbW3lA-oSXOUD8u-1xN8U2u0bujHso3tH4nta7R3lTQLHnzCuRwY9Hf_awpGGBowRZBFuPJrWg8tZVlByEsEqAjyH_Hwo6757h8/s400/Skyfall+80.png" width="400" /></a></div>
Es precisamente durante el
desenlace de la trama cuando finalmente cobra sentido el título de la película.
Palabra mencionada durante la primera parte del largometraje pero cuyo
auténtico significado no se desvela hasta mucho más tarde, “Skyfall” representa
para Bond lo mismo que “Rosebud” representaba para el protagonista de <i>Ciudadano Kane</i> (<i>Citizen Kane</i>, Orson Welles, 1941): una palabra mágica que retrotrae
a la infancia, a la inocencia, al origen de todas las cosas. Skyfall es nada
menos que la mansión escocesa en la que Bond se crió en compañía de sus padres
hasta que éstos fallecieron en un accidente de alpinismo; un pasado, en
definitiva, que el protagonista siempre se ha encargado de guardar en secreto,
al igual que esa fabulosa casa custodiada por el anciano Kincade (un espléndido
Albert Finney). Es a ese pasado al que Bond deberá regresar cuando compruebe
que solo puede derrotar a Silva llevando la batalla a su propio terreno y
asumiendo para siempre las heridas de su infancia. De este modo no podría
existir mejor escenario para la lucha final entre 007 y Silva que la capilla
situada junto a la tumba de los padres de Bond, mientras que la reducción de
Skyfall a cenizas supone la representación simbólica de ese pasado que por fin
ha sido superado por el protagonista.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwfnKvSy_XZujmQ5X49GW-aA5iNtx6QLqdGRer9uJWjiaoREPnEiR0SOjARehz6oLHXcsITsP24pfJOvSiru4NIpM1rbMzY4V3BCwBewjJ7oN7BY3khAu7GGzQ4pbWPueDHltKFnB3TSg/s1600/Skyfall+30.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="186" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwfnKvSy_XZujmQ5X49GW-aA5iNtx6QLqdGRer9uJWjiaoREPnEiR0SOjARehz6oLHXcsITsP24pfJOvSiru4NIpM1rbMzY4V3BCwBewjJ7oN7BY3khAu7GGzQ4pbWPueDHltKFnB3TSg/s400/Skyfall+30.jpg" width="400" /></a> Si el personaje creado por Ian
Fleming ha sabido renovarse volviendo la vista a su propia tradición literaria
y cinematográfica sin renunciar por ello a ciertos apuntes contemporáneos, la
puesta en escena de Mendes, de una belleza y una elegancia sin precedentes
dentro de la saga Bond, también apuesta por una acertada combinación de
clasicismo y modernidad. De este modo el director de <i>Revolutionary road</i> (<i>id</i>,
2008) ubica a su protagonista en un mundo cosmopolita en el que tienen cabida
lujosos rascacielos y suntuosas instalaciones flotantes, pero también túneles
subterráneos, ciudades abandonadas y viejas residencias situadas en inhóspitos
parajes. Lo mismo puede decirse de los momentos de acción, que sin renunciar a
la espectacularidad apuestan por la tradición y el buen gusto: véase la escena
en la que Bond sigue a uno de los hombres de Silva hasta un vanguardista
edificio de Shanghái, en la que el juego de luces, sombras y reflejos dota de
personalidad a una secuencia que puede ser vista como una reelaboración del
famoso tiroteo en la sala de espejos de <i>La
dama de Shanghái</i> (<i>The lady from
Shanghai</i>, Orson Welles, 1947). No menos brillante resulta la aportación de los
colaboradores habituales de Mendes, entre ellos el gran compositor Thomas
Newman, quien conjuga con maestría su propio estilo con el universo musical de
007, y el prestigioso operador Roger Deakins, responsable de la que en mi
opinión ya puede ser considerada como la mejor fotografía de toda la saga, tal
y como atestiguan imágenes tan fascinantes como la llegada en barca al casino
de Macao o la visita de Bond al paisaje escocés en el que creció.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmN_g5Ytg1NXgH83o0_8ApMJk6W2ESV9E_k5T3WsiojoTzlbg3POIAALU5oL8w3D5YZa-Owk9TrHAWDE42B7iRLqH9BaGXtI4h5ChuD0cw5Cqj4SYZEMaYsfXVw-tMDjpkimjne9zpytM/s1600/Skyfall+33.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmN_g5Ytg1NXgH83o0_8ApMJk6W2ESV9E_k5T3WsiojoTzlbg3POIAALU5oL8w3D5YZa-Owk9TrHAWDE42B7iRLqH9BaGXtI4h5ChuD0cw5Cqj4SYZEMaYsfXVw-tMDjpkimjne9zpytM/s400/Skyfall+33.jpg" width="400" /></a></div>
Como no podía ser de otro modo tratándose
de un título que reivindica la tradición fílmica de 007, <i>Skyfall</i> homenajea a las anteriores entregas de la saga con multitud
de guiños y referencias, algunas bastante significativas. Así, la idea de que
Bond sea dado por muerto al principio de la película está retomada de <i>Sólo se vive dos veces</i> (<i>You only live twice</i>, Lewis Gilbert,
1967); el nuevo Q (Ben Whishaw) le entrega a 007 una pistola con sistema de reconocimiento
táctil, similar al fusil que aparecía en <i>Licencia
para matar</i> (<i>Licence to kill</i>, John
Glen, 1989), y un dispositivo con señal de socorro, como la cápsula usada para
similares fines en <i>Operación Trueno</i> (<i>Thunderball</i>, Terence Young, 1965); la enfermiza
relación que Sévérine mantiene con Silva recuerda a la que mantenían Andrea
(Maud Adams) y Scaramanga (Christopher Lee) en <i>El hombre de la pistola de oro</i> (<i>The
man with the golden gun</i>, Guy Hamilton, 1974); el relato de las torturas que
sufrió Silva tras ser traicionado por M trae a la memoria el calvario que el
propio Bond pasaba en las primeras secuencias de <i>Muere otro día </i>(<i>Die another
day</i>, Lee Tamahori, 2002); la imagen del protagonista con una mujer muerta
en sus brazos rinde tributo al famoso final de <i>Al servicio secreto de Su Majestad</i> (<i>On her majesty’s secret service</i>, Peter Hunt, 1969)… Incluso el
estrafalario aspecto físico de Silva no deja de recordar a otros grandes
villanos de la saga: el tinte rubio de su cabello coincide con el de Max Zorin
(Christopher Walken) en <i>Panorama para
matar</i> (<i>A view to a kill</i>, John
Glen, 1985), mientras que los escalofriantes estragos que el cianuro ha
provocado en su rostro retrotraen a peculiaridades físicas tan llamativas como
la cicatriz que cruza la cara de Blofeld (Donald Pleasence) en <i>Sólo se vive dos veces</i>, la dentadura
metálica de Tiburón (Richard Kiel) en <i>La
espía que me amó</i> (<i>The spy who loved
me</i>, Lewis Gilbert, 1977), la bala alojada en el cráneo de Renard (Robert
Carlyle) en <i>El mundo nunca es suficiente </i>(<i>The world is not enough</i>, Michael Apted,
1999) o la disfunción en el conducto lagrimal que provoca que Le Chiffre (Mads
Mikkelsen) llore sangre en <i>Casino Royale</i>,
por citar tan solo unos pocos ejemplos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKtMiXSyGFSQE6w25iXc8RTL4btZmiN2q8J_Rz7KdE26ZctZxnmAYxgDJlRH4W642pYkH-4_9M7bMrPE-6ffKOcmSZuKKF470hCEvTpAKEmnENBLiPL5LzRKdOEkJZfC7T6VEnjVTRz28/s1600/Skyfall+24.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKtMiXSyGFSQE6w25iXc8RTL4btZmiN2q8J_Rz7KdE26ZctZxnmAYxgDJlRH4W642pYkH-4_9M7bMrPE-6ffKOcmSZuKKF470hCEvTpAKEmnENBLiPL5LzRKdOEkJZfC7T6VEnjVTRz28/s400/Skyfall+24.jpg" width="400" /></a></div>
Más allá del puro homenaje, otras
referencias cinéfilas son utilizadas para definir hasta qué punto el Bond de
Daniel Craig se acerca o se aleja del de los anteriores actores que dieron vida
al personaje. Sin ir más lejos, 007 se sorprende ante la escasa sofisticación
de los artilugios proporcionados por Q, a lo que éste responde “<i>¿Qué esperabas, bolígrafos que explotan?”, </i>en
una clara referencia a <i>Goldeneye</i> (<i>id</i>, Martin Campbell, 1995), el primer
Bond interpretado por Pierce Brosnan. Más adelante, cuando el protagonista
decide viajar “<i>al pasado</i>”, se pone al
volante de su icónico Aston Martin DB5, armado además con los mismos <i>gadgets</i> que estrenaba Sean Connery en <i>James Bond contra Goldfinger</i> (<i>Goldfinger</i>, Guy Hamilton, 1964). En
cierto modo la destrucción de ese mismo coche hacia el final de la película
sugiere que cuando James Bond vuelve la vista atrás no lo hace para recrearse
en su pasado, sino para reunir fuerzas para encarar el futuro.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Quizá dentro de unos años seremos
los propios espectadores los que echaremos la vista atrás y nos referiremos a <i>Skyfall</i> como a una de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/10/las-mejores-peliculas-de-james-bond.html">las mejores películas de James Bond</a>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg65UL3AfomsWvdAldI_cXXLTyfrA7KzfrrV4QGtAFX9MskhsbLpU5JIkXzI6kUYN6LwD8E6hxTeChjYV3Iiif-RAal9ofbGqIAe1W__6S87GRY5sAXxti01-frvR0CewweOOIN-OUgp0Y/s1600/Skyfall+84.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg65UL3AfomsWvdAldI_cXXLTyfrA7KzfrrV4QGtAFX9MskhsbLpU5JIkXzI6kUYN6LwD8E6hxTeChjYV3Iiif-RAal9ofbGqIAe1W__6S87GRY5sAXxti01-frvR0CewweOOIN-OUgp0Y/s640/Skyfall+84.jpg" width="640" /></a></div>
<br /></div>
Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-10173323506305194852012-10-27T18:32:00.000+02:002012-11-29T12:13:33.256+01:00Las mejores películas de James Bond<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikutVtqTndFYBUtKTqeed0EvQ-tryx_5GYz0tuMgBEGCXHPjaV5792YWl2EOJSsonoZ18pZuJlzBzz1v9FbjnHkC8CkaBkNKnp9vHUvw_DOiPwLChG6R1eUgTCUuABMxtKhx1-us0J8Fk/s1600/50+aniversario.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikutVtqTndFYBUtKTqeed0EvQ-tryx_5GYz0tuMgBEGCXHPjaV5792YWl2EOJSsonoZ18pZuJlzBzz1v9FbjnHkC8CkaBkNKnp9vHUvw_DOiPwLChG6R1eUgTCUuABMxtKhx1-us0J8Fk/s640/50+aniversario.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hasta donde llega mi memoria
siempre he sido un admirador de la saga cinematográfica de James Bond, un ciclo
de más de veinte películas por las que siento un cariño muy especial. Cincuenta
años han pasado desde el debut de Sean Connery como en el mítico agente 007
creado originalmente por el escritor Ian Fleming. Durante estas cinco décadas,
Bond ha logrado sobrevivir al fin de la Guerra Fría y al abandono de la
franquicia por parte de Connery, quien posteriormente iría siendo reemplazado por
otros intérpretes que, cada uno a su modo, aportarían su propia
reinterpretación del personaje: George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton,
Pierce Brosnan y Daniel Craig. El quincuagésimo aniversario de la serie Bond y
el inminente estreno de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/11/el-pasado-de-james-bond-skyfall.html"><i>Skyfall</i> (<i>id</i>, Sam Mendes, 2012)</a>, la prometedora
tercera entrega protagonizada por Daniel Craig, hacen de este un momento
perfecto para recordar las más brillantes aproximaciones a uno de los grandes
iconos de la cultura de masas. Lo que sigue es una selección personal de las diez
mejores películas protagonizadas por el más famoso de los agentes secretos
durante su primer medio siglo de vida:</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>1. <u>James Bond contra Goldfinger</u></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5q9yz2iBr2LnligjaIlI5XdM8h0dAnW9BwZ9vpjTBMFoaS0FMIGgHY5vgd2EU0eRyBm_B56CGCJubnrPZroLnRW7wDtQUYgV2d6W9kmMQTwI28CidOybKIcoIr9-X6kfOzcuA4pUuZjE/s1600/Goldfinger-+poster+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5q9yz2iBr2LnligjaIlI5XdM8h0dAnW9BwZ9vpjTBMFoaS0FMIGgHY5vgd2EU0eRyBm_B56CGCJubnrPZroLnRW7wDtQUYgV2d6W9kmMQTwI28CidOybKIcoIr9-X6kfOzcuA4pUuZjE/s640/Goldfinger-+poster+2.jpg" width="459" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
A pesar de la brillantez de los
dos primeros títulos protagonizados por el agente 007, <i>James Bond contra Goldfinger</i> (<i>Goldfinger</i>,
Guy Hamilton, 1964) fue la película que marcó definitivamente las
características fundamentales de la saga, desatando además el fenómeno de la bondmania
en la década de los 60. Y es que todo funciona a la perfección en esta
trepidante película: desde la suprema interpretación de Sean Connery, el mejor
Bond de la historia, hasta la formidable encarnación de Gert Fröbe como el
malvado Goldfinger, pasando por la famosa canción de los títulos de crédito
interpretada por Shirley Bassey o la excelente banda sonora de John Barry, el
compositor que definió para siempre el estilo musical del personaje. Dos
escenas para el recuerdo: el descubrimiento de una chica Bond (Shirley Eaton)
cubierta de pintura de oro y la secuencia en la que un indefenso y maniatado
007 trata de convencer a Goldfinger para que le libere mientras un rayo láser
avanza lentamente hacia su entrepierna…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>2. <u>Casino Royale</u></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA5aiQAYFLmK_PKeVX8ykndgDQPgMJlTNDXJxAm8bedHj_AMwuS-EoIUMbnJpcXZtg_8h22gpwKnDUXKHOFB-gGpz_0-EK7v0_rmetF9clj9rbUTyfdaVI7k1AcL-ZhqWQgetQbV7qnq8/s1600/Casino+Royale+55.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA5aiQAYFLmK_PKeVX8ykndgDQPgMJlTNDXJxAm8bedHj_AMwuS-EoIUMbnJpcXZtg_8h22gpwKnDUXKHOFB-gGpz_0-EK7v0_rmetF9clj9rbUTyfdaVI7k1AcL-ZhqWQgetQbV7qnq8/s640/Casino+Royale+55.jpg" width="427" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Con <i>Casino Royale</i> (<i>id</i>, Martin
Campbell, 2006) la saga Bond tomó un drástico cambio de rumbo, eliminando la
continuidad con las anteriores aventuras cinematográficas de 007 para narrar
sus inicios en el mundo del espionaje. Pero lo realmente sorprendente de esta
película es cómo consigue adaptar la primera novela de Ian Fleming mejorándola
en muchos aspectos y tomándola como pretexto para trasladar la esencia de Bond
al siglo XXI. Daniel Craig no podría haber empezado con mejor pie su andadura
en la saga, interpretando a un Bond más frío, duro e implacable que nunca pero
con una serie de defectos que le humanizan. A destacar el resto del memorable
reparto, con una fascinante Eva Green, un inquietante Mads Mikkelsen, un
entrañable Giancarlo Giannini y una Judi Dench mejor aprovechada que en sus
anteriores apariciones en la serie.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>3. <u>Desde Rusia con amor</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbajXmSDeUZnERSZQUdhrMBmUyZqRIBJOqO4HOC8TpkFSkrlzSV76BXXL_gMOKoRRf6i5fbI0WQUjEJdo9i8TC7RGP00KUGu0EXElImpv_OO8yl6odGl4MZmnJZ9YJ0c0FMM29x4aVsSM/s1600/Desde+Rusia+con+amor+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbajXmSDeUZnERSZQUdhrMBmUyZqRIBJOqO4HOC8TpkFSkrlzSV76BXXL_gMOKoRRf6i5fbI0WQUjEJdo9i8TC7RGP00KUGu0EXElImpv_OO8yl6odGl4MZmnJZ9YJ0c0FMM29x4aVsSM/s640/Desde+Rusia+con+amor+5.jpg" width="475" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Basada en la que para muchos es
la mejor novela de Fleming, <i>Desde Rusia
con amor</i> (<i>From Russia with love</i>,
Terence Young, 1963) es la entrega en la que toma protagonismo SPECTRA, la
misteriosa organización criminal capitaneada por Ernst Stavro Blofeld, un villano
de esquiva presencia que recuerda poderosamente al doctor Mabuse de Fritz Lang.
Las referencias no acaban ahí, pues <i>Desde
Rusia con amor</i> es también la película más hitchcockiana de la serie, en la
que no faltan ni el <i>macguffin</i> (la Lektor,
una máquina decodificadora codiciada por Bond, por los soviéticos y por
SPECTRA) ni un largo fragmento situado en un tren plagado de espías: el cara a
cara que se produce entre Bond y el despiadado asesino Red Grant (un excelente
Robert Shaw) en un pequeño compartimento del Orient Express está cargado de
emoción y suspense.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>4. <u>Licencia para matar</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikFUEKDAPwGK3wPrOoTb6VKqEtlvTXq4hjc5EIiSwdhS9btL09qYV0c2s2PxwHJIKIc_18o4eN7OQB-3ISSGJB6SEv6EyWqlZqw-NUiEzMqJSuclpxZ0b3YYsooScdyQZzB6-A_u_tYR0/s1600/Licencia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikFUEKDAPwGK3wPrOoTb6VKqEtlvTXq4hjc5EIiSwdhS9btL09qYV0c2s2PxwHJIKIc_18o4eN7OQB-3ISSGJB6SEv6EyWqlZqw-NUiEzMqJSuclpxZ0b3YYsooScdyQZzB6-A_u_tYR0/s640/Licencia.jpg" width="432" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
De todos los intérpretes que han
dado vida a Bond, Timothy Dalton es sin duda el más infravalorado. Con tan solo
dos películas Dalton consiguió humanizar al espía creado por Ian Fleming
poniendo el acento en los claroscuros de su personalidad y mostrándolo como un
asesino cansado de su trabajo. <i>Licencia
para matar</i> (<i>Licence to kill</i>, John
Glen, 1989) no solo supone la mejor aproximación de Dalton al personaje, sino
también el episodio más violento y visceral de la filmografía bondiana, con 007
abandonando momentáneamente sus obligaciones en el servicio secreto británico
para llevar a cabo una venganza personal contra el barón de la droga Frank Sanchez
(Robert Davi). Un título a reivindicar de una vez por todas como una de las
mejores películas de acción de los años 80.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>5. <u>Al servicio secreto de Su Majestad</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_04ZDuU3XDiBlo44Yhafg435qsFmIgkYPSy7tbp-gwHrFKp-qobvI780UH6qOOapVqeKqn_CHvTPAgsb2Ilplg7eEC-t-B3_qq2NaX8dAHb_6mU9IwxXfaoUXKPN8RJMFA_760ebkjWY/s1600/Al+servicio+secreto+de+su+majestad+-+23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_04ZDuU3XDiBlo44Yhafg435qsFmIgkYPSy7tbp-gwHrFKp-qobvI780UH6qOOapVqeKqn_CHvTPAgsb2Ilplg7eEC-t-B3_qq2NaX8dAHb_6mU9IwxXfaoUXKPN8RJMFA_760ebkjWY/s640/Al+servicio+secreto+de+su+majestad+-+23.jpg" width="432" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Considerada durante años como un
fracaso por ser la única película de la serie protagonizada por George Lazenby,
<i>Al servicio secreto de Su Majestad</i> (<i>On her majesty’s secret service</i>, Peter
Hunt, 1969) ha visto cómo su prestigio aumentaba con el paso de los años. Y no
es para menos, pues estamos ante la aventura más romántica de Bond que sigue
sorprendiendo por su arriesgado desenlace. Las persecuciones en la nieve se
encuentran entre lo más espectacular de la saga y el escaso carisma de Lazenby
(quien en cambio aportó una notable vulnerabilidad al personaje que se echa en
falta en otros títulos) está compensado por las brillantes actuaciones de Diana
Rigg y Telly Savalas, este último el mejor Blofeld que ha dado el cine. La
película se ve beneficiada además por la mejor banda sonora de la serie, en la
que la magistral partitura de John Barry está complementada por la espléndida
canción “<i>We have all the time in the
world</i>” interpretada por Louis Armstrong.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>6. <u>La espía que me amó</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQYbvDTVgttZW6099m4odb6b1CbF6Ce9YHi1yAgz65a-s1nhCtCX5yE3hiWfzkaqiK8wVX5nC1bZ9tsDHvO1eQa9lhUveT8lxZflk1mIV36zoScuWZzeANozVQNV80cDSgTQ_W3GNsLEY/s1600/La+espia+-+28.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQYbvDTVgttZW6099m4odb6b1CbF6Ce9YHi1yAgz65a-s1nhCtCX5yE3hiWfzkaqiK8wVX5nC1bZ9tsDHvO1eQa9lhUveT8lxZflk1mIV36zoScuWZzeANozVQNV80cDSgTQ_W3GNsLEY/s640/La+espia+-+28.jpg" width="428" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
A pesar de ser ya la tercera
película con Roger Moore en el papel de James Bond, <i>La espía que me amó</i> (<i>The spy
who loved me</i>, Lewis Gilbert, 1977) es la entrega que contiene las
principales características que definirán la etapa protagonizada por este actor
inglés: espectacularidad por todos los lados, decorados imaginativos y llenos
de fantasía, un sentido del humor que recorre toda la trama y un villano
dispuesto a destruir el mundo, en este caso Stromberg (Curd Jürgens), un
misántropo amante del mar con más de un punto en común con el Capitán Nemo
creado por Julio Verne. Pero si por algo destaca esta película es por contener
una de las historias de amor más interesantes de toda la saga, la que
protagonizan el agente 007 y la espía soviética Triple X a la que da vida una irresistible
Barbara Bach. La canción “<i>Nobody does it
better</i>”, interpretada por Carly Simon, es uno de los grandes clásicos
musicales de la serie.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>7. <u>Sólo para sus ojos</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhATbtOF1mKLRPsoPcOsYOs0I9aQcqfagbOYl9qvVrDWHlc8nNZZwOV3b0dMUaOP1JayY6OzTgnTVVvNUky77ZCDkZ0wrvqCkJ5xWuGhtuH6ZHKEhaS3GhzEo7PM4O7pAAlQpLYaVrR9xM/s1600/S%C3%B3lo+para+sus+ojos+19.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhATbtOF1mKLRPsoPcOsYOs0I9aQcqfagbOYl9qvVrDWHlc8nNZZwOV3b0dMUaOP1JayY6OzTgnTVVvNUky77ZCDkZ0wrvqCkJ5xWuGhtuH6ZHKEhaS3GhzEo7PM4O7pAAlQpLYaVrR9xM/s640/S%C3%B3lo+para+sus+ojos+19.jpg" width="472" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Tras algunos excesos en entregas
anteriores, que habían situado al espía británico al borde de la autoparodia,
Roger Moore regresó a un tratamiento más serio y verosímil con <i>Sólo para sus ojos </i>(<i>For your eyes only</i>, John Glen, 1981). Este cambio de rumbo fue muy
apreciable gracias a un interesante guión que, más allá de sus puntos de
contacto con <i>Desde Rusia con amor</i>, se
caracteriza por narrar la historia de varias venganzas entrecruzadas: la de
Bond contra el asesino de uno de sus aliados, la de Melina (Carole Bouquet)
contra el responsable de la muerte de sus padres y la del contrabandista
Columbo (Topol) contra el traidor que trata de inculparle varios crímenes. A
reseñar secuencias de acción tan logradas como aquella en la que Bond y Melina son
arrastrados por unas aguas repletas de tiburones, así como la carismática
presencia de Topol en el papel de ese simpático Columbo situado a ambos lados
de la ley.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>8. <u>Agente 007 contra el doctor No</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaMYaCVRKw_qatD5pvk8NKhh8CihpjY1w5Gae8J6olfvozbYgnpn-a73WS_wy-CQr3ZFpCqwHrR57m1Kj7ks_vFLhysdn6_IpEglAiiSZ6ea0H-ELvisfjqnXM-VS1e_kpRXbTbWrocEU/s1600/Dr+No-+poster+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaMYaCVRKw_qatD5pvk8NKhh8CihpjY1w5Gae8J6olfvozbYgnpn-a73WS_wy-CQr3ZFpCqwHrR57m1Kj7ks_vFLhysdn6_IpEglAiiSZ6ea0H-ELvisfjqnXM-VS1e_kpRXbTbWrocEU/s640/Dr+No-+poster+3.jpg" width="473" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El primer largometraje
protagonizado por James Bond posee un encanto al que no resulta fácil
resistirse. Con una primera parte centrada en una investigación casi policial y
una segunda de aventuras exóticas al estilo de <i>El malvado Zaroff</i> (<i>The most
dangerous game</i>, Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack, 1932), <i>Agente 007 contra el doctor No</i> (<i>Dr. No</i>, Terence Young, 1962) exhibe
clasicismo por los cuatro costados y funciona magníficamente como carta de
presentación del más famoso espía con licencia para matar. El doctor No (Joseph
Wiseman), ese malvado científico oculto en una isla maldita sobre la que nadie
se atreve a poner el pie, se erige como el primer gran villano de la serie,
mientras que Honey Rider (Ursula Andress) es la primera gran chica Bond y una
de las más inolvidables. La imagen de Honey surgiendo del agua con su mítico
bikini blanco es uno de los grandes iconos del cine de los 60, pero la escena
de presentación de Bond durante una partida de cartas también vale su peso en
oro.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>9. <u>Nunca digas nunca jamás</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQn30A99SqLNtKJa2f8S20DcpWaAjatIFuQ4WIGdvfMquJEKeQ_QeIzrfMc0GniNi6o_wmDqJ9GOgojhltlsc8BUBLWrUYgL9ZQHxRfa_rz09zzazopEnSfc05dQynQPgu9Xpf1l9Hfi0/s1600/Nunca+digas+nunca+jam%C3%A1s+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQn30A99SqLNtKJa2f8S20DcpWaAjatIFuQ4WIGdvfMquJEKeQ_QeIzrfMc0GniNi6o_wmDqJ9GOgojhltlsc8BUBLWrUYgL9ZQHxRfa_rz09zzazopEnSfc05dQynQPgu9Xpf1l9Hfi0/s640/Nunca+digas+nunca+jam%C3%A1s+5.jpg" width="449" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i> Nunca digas nunca jamás</i> (<i>Never
say never again</i>, Irvin Kershner, 1983) es un título muy especial por varios
motivos: por su carácter apócrifo al ser la única película de 007 realizada al
margen de la franquicia creada por Albert R. Broccoli y Harry Saltzman; por tratarse
de un <i>remake</i> al tomar como base el
mismo argumento en el que ya se había inspirado <i>Operación Trueno</i> (<i>Thunderball</i>,
Terence Young, 1965); y por suponer la última aparición de Bond bajo los rasgos
de Sean Connery, quien tras varios años alejado de la saga regresó al personaje
con el que saltó a la fama. Y ese es precisamente el mayor atractivo de <i>Nunca digas nunca jamás</i>: la divertida e
irónica interpretación de Connery, quien consciente de su edad y de su madurez
como intérprete encarna a un Bond en decadencia y a un paso del retiro pero
que, reacio a dejarse vencer por el paso de los años, vive sus aventuras con la
misma actitud irreverente que exhibía cuando ingresó en el servicio secreto
británico. Mención especial para Fatima Blush, una perversa e insaciable
asesina a la que da vida una explosiva Barbara Carrera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>10. <u>El mundo nunca es suficiente</u></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpnNHRfO_RJHzfLuSkH9r4-SYiGKKWWt7j2BQrsg8G0qI-Ur_lLAkqG1kbBBB3Weh0m3A51jWKoHgNRWelMwaJ3MTXItDDwG9IdYOSYCsNQHQn4B-cAt58u7pC2O3VAIOucFhlY32LCew/s1600/El+mundo+nunca+es+suficiente+22.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpnNHRfO_RJHzfLuSkH9r4-SYiGKKWWt7j2BQrsg8G0qI-Ur_lLAkqG1kbBBB3Weh0m3A51jWKoHgNRWelMwaJ3MTXItDDwG9IdYOSYCsNQHQn4B-cAt58u7pC2O3VAIOucFhlY32LCew/s640/El+mundo+nunca+es+suficiente+22.jpg" width="432" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En mi opinión el mejor Bond
interpretado por Pierce Brosnan, <i>El mundo
nunca es suficiente</i> (<i>The world is not
enough</i>, Michael Apted, 1999) aporta numerosos elementos de gran interés,
entre ellos una mayor implicación emocional de Bond en su misión que viene
sugerida por el propio título de la película, una referencia a <i>Al servicio secreto de Su Majestad</i>. Pero
a diferencia del título protagonizado por Lazenby, en esta ocasión el gran
enemigo de 007 no será un hombre sino una mujer: si en un primer momento el
villano de la película parece ser Renard (Robert Carlyle), un terrorista con
una bala alojada en su cerebro que le hace insensible al dolor físico, al final
será la atractiva Elektra King (una estupenda Sophie Marceau) la que acabará
demostrando su capacidad para manipular a todo hombre que caiga en sus brazos. La
espectacularidad es otro de los puntos fuertes de esta entrega: la persecución en
lancha por el río Támesis es una de las mejores secuencias de acción de toda la
saga.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com15tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-15967741464757545342012-10-05T19:36:00.000+02:002012-10-05T19:36:28.463+02:00Michael Giacchino y los mejores temas musicales de PERDIDOS<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXSOZo2jNULgM_rQG2GrSyBfqJ6_2hl59daohJuzwW7JkJ6hQrTEo3V9YIL6eDUHZx3Cp1VIJHXaBnRk5N3feIdn_GMw2XOEWAyFwjoEGD6PSxsnX_WvEn1wvpMZlYQTp7z_nIw8FDqc8/s1600/Perdidos+poster.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXSOZo2jNULgM_rQG2GrSyBfqJ6_2hl59daohJuzwW7JkJ6hQrTEo3V9YIL6eDUHZx3Cp1VIJHXaBnRk5N3feIdn_GMw2XOEWAyFwjoEGD6PSxsnX_WvEn1wvpMZlYQTp7z_nIw8FDqc8/s640/Perdidos+poster.bmp" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b> Advertencia</b>: Recomiendo a todo aquel que desconozca la serie de
televisión <i>Perdidos</i> que no lea el
siguiente artículo a menos que no le importe conocer algunas características
fundamentales de la trama y de sus personajes. Aunque los aspectos de la serie
a los que me referiré representan una ínfima parte de los cientos de sorpresas
que depara<i> Perdidos</i>, una serie como esta
merece ser disfrutada con la menor cantidad de información previa que sea
posible.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Creada por J.J. Abrams, Damon
Lindelof y Jeffrey Lieber, <i>Perdidos</i> (<i>Lost</i>) empezó a ser emitida en noviembre
de 2004, finalizando en mayo de 2010 tras seis temporadas que la convirtieron
en una de las series de televisión más populares de las últimas décadas. Estos
seis años también fueron fundamentales para la trayectoria profesional del
compositor de su banda sonora, Michael Giacchino: si poco después del inicio de
la serie el músico lograba su primer gran éxito en el mundo del cine con <i>Los
increíbles</i> (<i>The incredibles</i>, Brad Bird, 2004), en el momento de la
emisión del último capítulo de <i>Perdidos</i>
Giacchino acababa de obtener un Oscar por la partitura de <i>Up</i> (<i>id</i>,
Pete Docter y Bob Peterson, 2009) y ya era unánimemente reconocido como uno de
los mejores compositores de bandas sonoras en activo. La partitura de <i>Perdidos</i> se encuentra de este modo en
una etapa crucial de la obra de este compositor, siendo además uno de sus
trabajos más admirados. Y es que la extraordinaria música de Giacchino acabó
convirtiéndose en una de las principales señas de identidad de esta serie
protagonizada por los supervivientes del vuelo 815 de la compañía aérea Oceanic
que, en el transcurso de un viaje de Sídney a Los Ángeles, se estrella en una
isla en la que todo es posible.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTexSnFNYJEmtYTx6d-qQKfpW-RHxVpa_pNYm251kEnCjdpc5AZJb0RRo4cuvwqrxToaW-UwBCqb-7iJKH7QTc8l5rDCGj2fPTFis_9g4ew5lybrRy4KPQN3YKiYeY7SovUYEL-_nL-nE/s1600/Perdidos+-+reparto+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTexSnFNYJEmtYTx6d-qQKfpW-RHxVpa_pNYm251kEnCjdpc5AZJb0RRo4cuvwqrxToaW-UwBCqb-7iJKH7QTc8l5rDCGj2fPTFis_9g4ew5lybrRy4KPQN3YKiYeY7SovUYEL-_nL-nE/s400/Perdidos+-+reparto+4.jpg" width="400" /></a></div>
A lo largo de las seis temporadas
de <i>Perdidos</i>, el compositor de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/04/las-mejores-bandas-sonoras-de-2011.html"><i>Super 8</i> (<i>id</i>, J.J. Abrams, 2011)</a> construyó un apasionante e
inconfundible universo musical compuesto por decenas de leitmotivs dedicados a
todos los personajes importantes de la trama, así como por magníficos temas de
amor, acción y misterio que ayudaron a engrandecer una serie en mi opinión
fascinante a pesar sus (pequeñas) imperfecciones. El resultado no solo es la
obra más completa y memorable de su compositor, sino probablemente una de las
bandas sonoras más impresionantes jamás compuestas para una serie televisiva.
Es tal la riqueza de esta espléndida partitura que casi cualquier análisis que
se le dedique tiene que resultar forzosamente superficial o incompleto; al
respecto recomiendo la lectura del exhaustivo y excepcional <a href="http://nueva.bsospirit.com/index.php/secciones/especiales/133-especial-lost">estudio</a>
llevado a cabo por Óscar Giménez en la imprescindible web <a href="http://nueva.bsospirit.com/">BsoSpirit</a>. Mi
pequeña aproximación a la banda sonora de <i>Perdidos</i>
consistirá en cambio en una selección puramente subjetiva de sus diez mejores
temas, secuenciados aproximadamente según el orden cronológico con el que
aparecen en la serie o adquieren un papel relevante en la partitura.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de la vida y la muerte<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg54OP3YS71CFz5H2rhJKL1-QtNRaBFUyiQZ3iw9NWTN551Ko3uWrH5GYjsuv5s8EDxAWdUVzNiHwpbpnsV09muxu2pBiiHkc8Dorzq_o8_S3rGO5jMGlICS7TphM_jMdNFD7Sx8xGcq6o/s1600/Perdidos+16.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="228" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg54OP3YS71CFz5H2rhJKL1-QtNRaBFUyiQZ3iw9NWTN551Ko3uWrH5GYjsuv5s8EDxAWdUVzNiHwpbpnsV09muxu2pBiiHkc8Dorzq_o8_S3rGO5jMGlICS7TphM_jMdNFD7Sx8xGcq6o/s400/Perdidos+16.jpg" width="400" /></a> De entre la multitud de temas
compuestos por Giacchino para <i>Perdidos</i>,
probablemente el más famoso de todos sea el tema de la vida y la muerte, una
hermosa melodía de piano que aparece en algunos de los momentos más importantes
de la historia. Su primera gran aparición se produce en la primera temporada,
cuando uno de los personajes principales fallece al mismo tiempo que Claire (Emilie
de Ravin) da a luz a su hijo Aaron. A partir de este momento el tema de la vida
y la muerte suele aparecer con diferentes variaciones casi siempre que uno de
los pasajeros del vuelo 815 muere, aunque la mejor versión de dicho tema
aparece durante la extraordinaria secuencia que pone fin a la primera
temporada. Si hasta ese momento de la serie hemos ido conociendo el pasado de sus
protagonistas y los motivos que les llevaron a emprender el viaje de Sídney a
Los Ángeles, en un último flashback por fin les vemos subir a bordo del avión
que cambiará sus vidas para siempre. El excepcional talento de Giacchino para
pasar de la emotividad al suspense en un abrir y cerrar de ojos queda reflejado
hacia el final de la secuencia, cuando la acción regresa al presente y Jack (Matthew
Fox) y Locke (un antológico Terry O’Quinn) asoman la mirada por una extraña
escotilla que no desvelará sus misterios hasta la segunda temporada.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="279" mozallowfullscreen="mozallowfullscreen" src="http://player.vimeo.com/video/42967520" webkitallowfullscreen="webkitallowfullscreen" width="500"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>Los temas de Locke<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy304g_KNHBWF35s_byNQ30YoU0AmfgS8DWFXRrg4pZFsPIfUDoFpZqQFDEqlssB1ndsY2ThFqHJyNXmKe8Slm_72oL772MIkNtld7O7QoXqKbTc00X0KvWnwuSLDYOIpo9rJr6xI_nlE/s1600/Perdidos+4+-+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy304g_KNHBWF35s_byNQ30YoU0AmfgS8DWFXRrg4pZFsPIfUDoFpZqQFDEqlssB1ndsY2ThFqHJyNXmKe8Slm_72oL772MIkNtld7O7QoXqKbTc00X0KvWnwuSLDYOIpo9rJr6xI_nlE/s400/Perdidos+4+-+4.jpg" width="400" /></a></div>
En mi opinión el mayor atractivo
de <i>Perdidos</i> no reside en sus
constantes giros argumentales ni en su interminable sucesión de misterios, sino
en su extensa y fascinante galería de personajes. En este sentido resultan
fundamentales los innumerables flashbacks que, sobre todo durante las tres
primeras temporadas de la serie, muestran cómo eran las extrañas vidas de los
protagonistas antes de que el destino les uniera en la enigmática isla. Estos
constantes saltos temporales no solo consiguen dotar de gran misterio a los
personajes, sino que además les confiere infinidad de matices humanos, logrando
que todos ellos sean difíciles de olvidar para el espectador. Uno de los personajes
más memorables es sin duda John Locke, quien a diferencia de los demás supervivientes
no ve su reclusión en la isla como una maldición sino como una segunda
oportunidad. Y es que la vida de Locke adquiere un sentido en la isla que nunca
tuvo fuera de ella, tal y como se encargan de demostrar sus dolorosos
recuerdos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Coherentemente con la idea de que
la vida de Locke a partir de su llegada a la isla no tiene nada que ver con la
de antes, Michael Giacchino le dedica no uno sino varios temas propios. El
primero de ellos está relacionado con sus peligrosas aventuras en la isla,
remarcando gracias a una poderosa percusión el valor y la valentía que
convertirán a este personaje en una figura esencial para la supervivencia del
grupo. La primera aparición de este tema se produce cuando Locke se da a
conocer al resto de supervivientes demostrando un insospechado conocimiento del
mundo de la caza y una inesperada habilidad con los cuchillos.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="275" mozallowfullscreen="mozallowfullscreen" src="http://player.vimeo.com/video/43031120" webkitallowfullscreen="webkitallowfullscreen" width="500"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Otro gran tema musical dedicado a
Locke está en cambio relacionado con su pasado, acompañando los momentos más
trágicos de su tortuosa existencia. La primera aparición de este leitmotiv se
produce durante el famoso flashback que revela que antes de sufrir el accidente
aéreo Locke sufría una parálisis que le impedía caminar… y que
inexplicablemente recobró la sensibilidad de sus piernas en cuanto llegó a la
isla.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/QiISS93WP6I" width="560"></iframe>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de Hugo<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPj8LSUqOge6cLdod2sVSdWZwKVPP4bL3DjHdEtwCoajV0fMpOI23eotf5Iz-Zg6mc3ZdkkCoBkURiwt2axN_Z5fOEDIW772jyly9pOGrq3_hrqrlSnoPSewY0nTsQN8oM9fFj1iyAKsA/s1600/Hugo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPj8LSUqOge6cLdod2sVSdWZwKVPP4bL3DjHdEtwCoajV0fMpOI23eotf5Iz-Zg6mc3ZdkkCoBkURiwt2axN_Z5fOEDIW772jyly9pOGrq3_hrqrlSnoPSewY0nTsQN8oM9fFj1iyAKsA/s400/Hugo.jpg" width="400" /></a> Otro memorable personaje de <i>Perdidos</i> es Hugo Reyes, Hurley para los
amigos, encarnado con gran simpatía por Jorge Garcia. Al igual que el resto de
protagonistas, el entrañable Hugo demostrará esconder más de un secreto acerca
de su pasado, especialmente en lo referente a una insólita maldición que parece
perseguirle desde que usó ciertos números para ganar un importante premio de
lotería. El principal tema musical asociado a Hugo es bastante sencillo pero
tremendamente efectivo, y consiste básicamente en la repetición de unas pocas
notas que, según la situación en la que aparecen, adquieren un tono distendido
o por el contrario inquietante. Un buen ejemplo aparece durante el brillante
flashback en el que Hugo visita a una mujer que le proporciona sorprendentes
datos acerca de los intrigantes números, momento en el que la música adquiere
un carácter misterioso y enfermizo. <br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="279" mozallowfullscreen="mozallowfullscreen" src="http://player.vimeo.com/video/42967438" webkitallowfullscreen="webkitallowfullscreen" width="500"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de la partida<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvwujK9DSifb7iOwB6v0OO0gE9BD4vp-jYH6IIF-Be07iX-4c-LAQuDGjzzteY_ccMUl5LXttrx0-3n_y55RDeOrF6aqAfd3SQvv8RUiRDU7WMcGp8ZZgXOJLT-GmE_4mh_ulvQMSMPOA/s1600/Perdidos+12.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="228" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvwujK9DSifb7iOwB6v0OO0gE9BD4vp-jYH6IIF-Be07iX-4c-LAQuDGjzzteY_ccMUl5LXttrx0-3n_y55RDeOrF6aqAfd3SQvv8RUiRDU7WMcGp8ZZgXOJLT-GmE_4mh_ulvQMSMPOA/s400/Perdidos+12.jpg" width="400" /></a> Otro de los grandes méritos de <i>Perdidos</i> es su talento para construir
varias tramas paralelas que siempre acaban hallando su momento de máxima intensidad
en los capítulos finales de cada temporada. Un gran ejemplo se encuentra hacia
el final de la primera en uno de los momentos más recordados de la serie y de la
obra de Giacchino: la partida de una expedición compuesta por Sawyer (Josh
Holloway), Jin (Daniel Dae Kim), Michael (Harold Perrineau) y su hijo Walt (Malcolm
David Kelley) en una balsa que ellos mismos han construido y con la que
pretenden adentrarse en el mar en busca de ayuda. La belleza de la secuencia,
con una primera parte en la que los cuatro personajes se despiden de sus amigos
y una segunda en la que la nave inicia su viaje, está sublimada por la
excepcional banda sonora, cuya fuerza crece gradualmente a medida que se acerca
el momento de la partida. Se trata con toda probabilidad de uno de los mejores
temas jamás compuestos por Michael Giacchino.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="264" mozallowfullscreen="mozallowfullscreen" src="http://player.vimeo.com/video/43026862" webkitallowfullscreen="webkitallowfullscreen" width="500"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de Juliet<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDX737xTbOw9EbcxlJJ5_nkHgIilXb_TcWDojia-WlhjQVoLelGZ4PdJr38oMu_FOxbWjV5O9iUo5kVVUQxqc75r12_v0xT7U2X-9LH5S4EVlXUPa6MIODRiT_08UO3eeh5otcF4GecI4/s1600/Pedidos+-+Juliet+10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="226" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDX737xTbOw9EbcxlJJ5_nkHgIilXb_TcWDojia-WlhjQVoLelGZ4PdJr38oMu_FOxbWjV5O9iUo5kVVUQxqc75r12_v0xT7U2X-9LH5S4EVlXUPa6MIODRiT_08UO3eeh5otcF4GecI4/s400/Pedidos+-+Juliet+10.jpg" width="400" /></a> Si durante las dos primeras
temporadas de la serie apenas se aporta información sobre los Otros, los
enigmáticos habitantes de la isla que residen en ella desde hace décadas y que
acosan constantemente a los protagonistas, durante la tercera temporada por fin
se develan numerosas incógnitas sobre tan misterioso grupo. Sin embargo una de
las mayores sorpresas la depara Juliet (una maravillosa Elizabeth Mitchell),
quien a pesar de formar parte de los Otros permanece en la isla en contra de su
voluntad y pronto demostrará tener tantas ganas de regresar a casa como los
supervivientes del vuelo de Oceanic. El espléndido tema de Juliet aparece por
primera vez en la secuencia en la que los Otros, con Jack como prisionero, se
trasladan en barco a la isla principal desde la cercana isla Hydra; dicha secuencia
relaciona a varias parejas de la serie, entre ellas la formada en ese momento
por Sawyer y Kate (Evangeline Lilly), con los sugerentes cruces de miradas que
intercambian Jack y Juliet, anunciando de este modo la importancia que la
atractiva mujer tendrá en la evolución del triángulo amoroso formado por esos
personajes.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/831kR5oIiGw" width="560"></iframe>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de Ben<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHOyN7gYuOY8wQmyQ00VSqeUmhOxZeuSQnvwrO3hXoRmm3gZczJppHLNutXSulODeJ9rwxgLQ31sNGt2pLXR54d0qr9d0cm2xk54pShSDvHpQwWDrOA44YWhjGyil0k6n0-WMJC8YWlHE/s1600/Ben+3+-+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHOyN7gYuOY8wQmyQ00VSqeUmhOxZeuSQnvwrO3hXoRmm3gZczJppHLNutXSulODeJ9rwxgLQ31sNGt2pLXR54d0qr9d0cm2xk54pShSDvHpQwWDrOA44YWhjGyil0k6n0-WMJC8YWlHE/s400/Ben+3+-+4.jpg" width="400" /></a> También en relación con los Otros
aparece Ben Linus (un excelente Michael Emerson), uno de los personajes más
interesantes y complejos de <i>Perdidos</i>.
Tan despiadado como sensible, tan manipulador como valiente a la hora de proteger
una isla por la que está dispuesto a darlo todo, Ben adquirirá poco a poco una
riqueza de matices que trastocará su siniestra caracterización inicial. No es
de extrañar en este sentido que la música que le dedica Giacchino refleje los
claroscuros de su personalidad, describiendo tanto lo inquietante de sus
métodos como lo nostálgico de su carácter. El tema de Ben aparece en
incontables ocasiones, pero sin duda una de las más destacadas es la que
ilustra el flashback que nos descubre la participación de este personaje en el
conflicto que enfrentó a los Otros con los miembros de la Iniciativa Dharma, la
misteriosa compañía que en el pasado realizaba extraños experimentos científicos
en la isla. El paseo de Ben por el campamento Dharma, completamente desolado
tras la muerte de todos sus habitantes, está acompañado por una hermosa y
melancólica variación de su leitmotiv, que combina el piano con la sección de
cuerda, en el que en mi opinión es uno de los mejores pasajes musicales de toda
la serie.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="279" mozallowfullscreen="mozallowfullscreen" src="http://player.vimeo.com/video/43026800" webkitallowfullscreen="webkitallowfullscreen" width="500"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de amor de Desmond y Penny<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvhDpNSI8f0-jOStYyIP4LW1PyArA1x4K75gMkaxnisd98gggheOwE0LcQMO38__HjV6dQcNvkyA2HyuA0FUdzWtPFUJ5xqHM74BzbZxGXAgBDcYMq1riQ8ZVnqxJTNOHcUrV1UHnZMew/s1600/Desmond+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvhDpNSI8f0-jOStYyIP4LW1PyArA1x4K75gMkaxnisd98gggheOwE0LcQMO38__HjV6dQcNvkyA2HyuA0FUdzWtPFUJ5xqHM74BzbZxGXAgBDcYMq1riQ8ZVnqxJTNOHcUrV1UHnZMew/s400/Desmond+5.jpg" width="400" /></a> Además del triángulo amoroso
formado por Jack, Kate y Sawyer, a lo largo de la serie se van consolidando diferentes
historias de amor como las protagonizadas por Jin y Sun (Yunjin Kim), Charlie
(Dominic Monaghan) y Claire o Sayid (Naveen Andrews) y Nadia (Andrea Gabriel).
Sin embargo ninguna de ellas resulta tan conmovedora como la que describe la
relación a distancia entre Desmond (un genial Henry Ian Cusick), un desesperado
náufrago que lleva viviendo en la isla desde mucho antes de que llegaran a ella
los supervivientes del vuelo 815, y Penny (Sonya Walger), la gran mujer de su
vida a la que no ve desde hace años pero cuyo recuerdo le ayuda a seguir con
vida. Giacchino dedica a estos dos personajes un extraordinario tema de amor
cuyo romanticismo se desata en una de las secuencias más emocionantes de la
serie, aquella en la que Desmond consigue hablar con Penny por primera vez en
mucho tiempo gracias a una corta pero intensa llamada telefónica.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/k2E5Z2PasHA" width="560"></iframe>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de los seis de Oceanic<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhELgPRfavnEJ2jeiWQJOOocuQKN4MBHgaZdLierfL922N1RhFkMt6EjhMDmKu3ZKBL5RohyphenhyphenCVVfgo1MSAX7mj5_eL5Z-N022DGkpE7f7Mr5jLIigXejfP2-ZksXvNT9E9YnnKs-dt6NnQ/s1600/Perdidos+5+-+11.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhELgPRfavnEJ2jeiWQJOOocuQKN4MBHgaZdLierfL922N1RhFkMt6EjhMDmKu3ZKBL5RohyphenhyphenCVVfgo1MSAX7mj5_eL5Z-N022DGkpE7f7Mr5jLIigXejfP2-ZksXvNT9E9YnnKs-dt6NnQ/s400/Perdidos+5+-+11.jpg" width="400" /></a> Si durante las tres primeras
temporadas de la serie las aventuras en la isla están enriquecidas por los recuerdos
de cada uno de los protagonistas que aparecen visualizados en forma de
flashbacks, en la cuarta temporada dicha pauta se rompe de manera inesperada.
En una opción narrativa tan sorprendente como arriesgada, la acción empieza a
saltar intermitentemente hacia adelante a través de numerosos flash-forwards
que nos descubren, entre otras cosas, que varios de los personajes principales conseguirán
regresar a sus hogares en un futuro próximo, si bien ello no significa que su
relación con la isla vaya a terminar. Michael Giacchino despliega durante estos
flash-forwards uno de los mejores temas de <i>Perdidos</i>,
un emocionante leitmotiv dedicado a esos seis supervivientes del vuelo 815 de
Oceanic que consiguen regresar a casa. Con una soberbia combinación de
romanticismo y tristeza, en correspondencia con el desamparo de unos personajes
que ya se sienten extraños en cualquier parte, esta melodía reaparecerá con
frecuencia en las temporadas finales de la serie funcionando no solo como acompañamiento
de esos seis personajes sino del grupo entero de supervivientes, convirtiéndose
de este modo en uno de los temas más importantes de la partitura.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/NT_TOcgCjK4" width="560"></iframe>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema de la llegada a Los Ángeles<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOOeEfZbClBsLjrOU0RuY9Sx_pd-31hjbERsI55eV81o7qhmvNnNmo4fR2R03kudLrbVXhFMjlt46ol7m8ysCB2axEoCzd0K0-hfJXFDmaG4t5rrGDBrjXqnjEGgGGOkSV6LuQFMBJEho/s1600/Perdidos+6+-+11.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOOeEfZbClBsLjrOU0RuY9Sx_pd-31hjbERsI55eV81o7qhmvNnNmo4fR2R03kudLrbVXhFMjlt46ol7m8ysCB2axEoCzd0K0-hfJXFDmaG4t5rrGDBrjXqnjEGgGGOkSV6LuQFMBJEho/s400/Perdidos+6+-+11.jpg" width="400" /></a></div>
¿Qué les habría sucedido a los
protagonistas de <i>Perdidos</i> si el vuelo
en el que viajaban no se hubiera estrellado en la isla? En cierto modo dicha
pregunta halla su respuesta en la sexta y última temporada de la serie, durante
la cual aparecen numerosas fugas narrativas en las que se especula sobre cómo
habrían podido ser las vidas de los pasajeros del vuelo de Oceanic si éste
hubiera conseguido llegar a Los Ángeles con completa normalidad. Si bien el
sentido real de estas secuencias no queda del todo claro hasta el último
episodio de <i>Perdidos</i>, lo cierto es
que tan curiosa pauta narrativa funciona como un acertado contrapunto a la
conclusión de las aventuras en la isla, aportando además secuencias de gran emoción.
Una de ellas es sin duda la del esperado aterrizaje del vuelo 815 en el Aeropuerto
Internacional de Los Ángeles, secuencia embellecida por una melancólica melodía
iniciada con el piano y a la que lentamente se le añade la sección de cuerda
hasta lograr un crescendo de notable emotividad.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="281" mozallowfullscreen="mozallowfullscreen" src="http://player.vimeo.com/video/49224084" webkitallowfullscreen="webkitallowfullscreen" width="500"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>El tema final<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFMxDfopjnNeAbPzPYJKyvwFrhbK9LmdkRo00XjL6kInGkEdcdYRsuk5pHCXmvSeRtlxWMQrW-bPS_qK0Za7P9oJmOJbdyf2PmZtuq007e2YpcMahiP65Co4qC-FUI5Dbzq2GzoUZRO-0/s1600/Perdidos+6+-+9.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFMxDfopjnNeAbPzPYJKyvwFrhbK9LmdkRo00XjL6kInGkEdcdYRsuk5pHCXmvSeRtlxWMQrW-bPS_qK0Za7P9oJmOJbdyf2PmZtuq007e2YpcMahiP65Co4qC-FUI5Dbzq2GzoUZRO-0/s400/Perdidos+6+-+9.jpg" width="400" /></a></div>
Jamás compartiré el rechazo que
un gran número de seguidores de <i>Perdidos</i>
sienten hacia la conmovedora secuencia con la que finaliza esta serie
inolvidable. La conclusión de <i>Perdidos</i>
me parece sencillamente maravillosa, y por varios motivos: primero, por finalizar
la serie con una nueva e inesperada vuelta de tuerca, obligando al espectador a
replantearse gran parte de lo visto durante los últimos capítulos; segundo, por
lograr una secuencia de gran intensidad emocional que quedará grabada en la
memoria de todo aquel que haya llegado a sentir un gran cariño hacia los
personajes de<i> </i>la serie; tercero, por
el magnífico modo con el que consigue cerrar la historia enlazando con el
inicio de la serie y, al mismo tiempo, expandiendo sus horizontes narrativos; y
cuarto, por el memorable acompañamiento musical de Michael Giacchino, quien da
lo mejor de sí mismo en el tema final de su fascinante banda sonora. Este tema,
de casi ocho minutos de duración, tiene una primera parte centrada en el
personaje de Jack, con una versión lenta e intimista de su leitmotiv, y una
segunda en la que aparecen los demás protagonistas de la serie, momento en el
que la emoción se desata con una portentosa combinación de varios temas
referidos al grupo colectivo de personajes, entre ellos el de los seis de Oceanic
y el de la vida y la muerte. Un broche de oro magistral para una monumental
partitura destinada a marcar un antes y un después en las bandas sonoras
compuestas para la televisión.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/dseB8uSyAgk" width="560"></iframe>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-84207340027373528242012-08-22T11:47:00.000+02:002012-08-22T11:47:24.566+02:00El señor de la noche según Christopher Nolan. Tercera parte: EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkwRCMvdPLrh8XVM6kI84mHMRyFPxOT7B5fWdPAe9NGIgM0kPwN1i4p5tV4pS_kaNRaYyme7AGbh76bV7UAlUPp7tBwTOEHOMNK0ggAOyjes9cFd8GFa28CkqtoqSnHBNXWwbgiSsJOnk/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+84.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkwRCMvdPLrh8XVM6kI84mHMRyFPxOT7B5fWdPAe9NGIgM0kPwN1i4p5tV4pS_kaNRaYyme7AGbh76bV7UAlUPp7tBwTOEHOMNK0ggAOyjes9cFd8GFa28CkqtoqSnHBNXWwbgiSsJOnk/s640/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+84.jpg" width="428" /></a> A la hora de afrontar la tercera y última parte de su saga dedicada al
hombre murciélago, Christopher Nolan ha asumido la difícil tarea de crear una
película que cierre los arcos argumentales abiertos en <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/06/el-senor-de-la-noche-segun-christopher.html"><i>Batman begins</i> (<i>id</i>, 2005)</a> y
<i><a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/07/el-senor-de-la-noche-segun-christopher_20.html">El caballero oscuro</a></i><a href="http://www.blogger.com/goog_1686467538"> </a><span lang="CA"><a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/07/el-senor-de-la-noche-segun-christopher_20.html">(<i>The dark knight</i>, 2008)</a> </span>sin que ello suponga eliminar la posibilidad de
que otro realizador pueda continuar con la crónica de la lucha contra el crimen
en la ciudad de Gotham. Es por ello que <i>El
caballero oscuro: La leyenda renace</i> (<i>The
dark knight rises</i>, 2012) se esfuerza por conectar su trama con la de los
dos títulos que la preceden, a fin de dotar a la trilogía de una cierta unidad
de conjunto, al tiempo que abre el camino a nuevas aventuras basadas en los personajes
creados por Bob Kane. Pero lo que finalmente acaba destacando en<i> El caballero oscuro: La leyenda renace</i>
es el modo con que pone fin al viaje vital iniciado por Bruce Wayne/Batman (un espléndido
Christian Bale) en la primera entrega de la serie.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Como ya hicieron las dos primeras entregas de la trilogía, <i>El caballero oscuro: La leyenda renace</i>
recoge numerosos elementos procedentes de algunos de los mejores cómics
protagonizados por Batman. En esta ocasión, y al igual que Frank Miller en su
mítica novela gráfica <i>El regreso del
señor de la noche </i>(1986), Christopher Nolan narra el regreso a la acción de
un maduro Batman tras numerosos años de ausencia. Es por ello que toda la parte
inicial de la película está marcada por un intenso aroma crepuscular, y no solo
porque Bruce Wayne se encuentre prematuramente envejecido y con el cuerpo deteriorado
por los efectos de su cruzada secreta contra el mal, sino por los cambios que
se han producido en Gotham desde los hechos narrados en <i>El caballero oscuro</i>. Durante todo este tiempo Wayne se ha aislado
del mundo exterior, recluyéndose en su lujosa mansión y generando rumores que
le comparan con Howard Hughes; su colaborador Alfred (Michael Caine) ha seguido
engañándole acerca de Rachel (interpretada por Katie Holmes en <i>Batman begins</i> y por <span lang="CA">Maggie Gyllenhaal en <i>El caballero
oscuro</i></span>), haciéndole creer que
ella le seguía amando en el momento de su muerte; el comisario James Gordon
(Gary Oldman) ha convertido en leyenda la figura del desaparecido fiscal Harvey
Dent (interpretado por <span lang="CA">Aaron Eckhart en <i>El caballero oscuro</i></span>), mintiendo sobre las condiciones de su muerte y
utilizando su supuesto asesinato para endurecer el sistema penal, consiguiendo
de este modo eliminar el crimen organizado de Gotham… Todo este mundo,
aparentemente apacible pero fundamentado en la mentira, estallará en pedazos
cuando el mal emerja de entre los cimientos de la ciudad.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJvLYMhjsSS0ziXLAaJF-DD-9Wkz90QPS0zt6JDCX1rWpUklu7lTxXaLUeQjff9fzevpR89z86j3CtPozyX-tKho-l7dgU_b3xMQ1t3lQcQe0gRTnSD9FvGxh5i4x69_mkSksqL-3R2SM/s1600/El+caballero+oscuro+%25E2%2580%2593+La+leyenda+renace+22.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJvLYMhjsSS0ziXLAaJF-DD-9Wkz90QPS0zt6JDCX1rWpUklu7lTxXaLUeQjff9fzevpR89z86j3CtPozyX-tKho-l7dgU_b3xMQ1t3lQcQe0gRTnSD9FvGxh5i4x69_mkSksqL-3R2SM/s400/El+caballero+oscuro+%25E2%2580%2593+La+leyenda+renace+22.jpg" width="400" /></a></div>
No es una casualidad que Bane (Tom Hardy), el peligroso malvado que obliga
a Bruce Wayne a volver a enfundarse su traje de justiciero, esté fuertemente vinculado
a su pasado. Perteneciente a La liga de las sombras, la misteriosa organización
en la que Bruce estuvo a punto de ingresar antes de convertirse en Batman, y discípulo
de Ra’s al Ghul (Liam Neeson), mentor y a la postre rival del protagonista
durante los hechos narrados en <i>Batman
begins</i>, Bane es un villano despiadado y cruel que se define a sí mismo como
“<i>el Apocalipsis de Gotham</i>” y a quien
el codicioso Dagget (Ben Mendelsohn) califica como “<i>el demonio en persona</i>”. Con la mayor parte del rostro cubierto por
una siniestra máscara que alivia su dolor crónico, Bane prepara la destrucción
de Gotham desde su sede de operaciones en las alcantarillas, decorado que no
solo permite analogías con la Batcueva de Batman sino que además subraya la
idea de un mal que durante mucho tiempo ha permanecido oculto bajo la
superficie, esperando el momento oportuno para atacar a una civilización
corrupta hasta sus raíces. Pero si algo caracteriza a Bane es su falta de
compasión: no solo es capaz de asesinar con una inquietante facilidad (en
ocasiones simplemente posando una mano sobre sus víctimas), sino que disfruta
ocasionando falsas esperanzas a los habitantes de una urbe que ya ha sido condenada.
Es por ello que no duda en ocultar sus planes terroristas bajo la engañosa
imagen de una revolución social similar a la francesa: momentos concretos de su
plan incluyen la liberación de los presos de Gotham (una posible referencia a
la toma de la Bastilla) o la celebración de juicios populares (comparables a
los celebrados en París durante la época del Terror) en los que se sentencia a
muerte a miembros de la clase alta de la ciudad, enmascarando de esta forma un
proyecto de destrucción que en realidad pretende la aniquilación de miembros de
todas las clases sociales.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</div>
<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMVitIA2z3-XGP1Un1d2EJ3ge8l3lzFtoYIfofLtObszHYSVeLKNOQuJi9I5gQzs2w6T1Uil54F7NVbt8SjRpwnDldy_ennzFQxMHoEEXZfKHAWNFT9Pkr0pPM-LDMxeZRPUW6QiQBsxo/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+66.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="337" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMVitIA2z3-XGP1Un1d2EJ3ge8l3lzFtoYIfofLtObszHYSVeLKNOQuJi9I5gQzs2w6T1Uil54F7NVbt8SjRpwnDldy_ennzFQxMHoEEXZfKHAWNFT9Pkr0pPM-LDMxeZRPUW6QiQBsxo/s400/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+66.jpg" width="400" /></a></div>
Aunque las acciones criminales de Bane suponen el catalizador que provoca
la reaparición de Batman, éste afronta inicialmente su regreso a la acción como
un proceso de autodestrucción. El doloroso recuerdo de la muerte de Rachel, que
le ha convertido en un fantasma en vida incapaz de sobreponerse a la enésima
pérdida de un ser querido, llevará a Bruce a enfundarse de nuevo el traje de
murciélago como única forma posible de purgar sus pecados. Resulta
especialmente significativa la secuencia en la que Bruce acude a un baile de
disfraces siendo él el único asistente que no lleva máscara: tal y como le
comenta irónicamente a la ladrona Selina Kyle, alias Catwoman (una excelente, y
sensual, Anne Hathaway), en realidad su disfraz es el de un multimillonario
superficial y misántropo que en el fondo oculta a un ser atormentado incapaz de
comenzar una nueva vida. Con este sentimiento de eterna frustración no es de
extrañar que las primeras incursiones nocturnas de Batman tras su época de
inactividad sean tan erráticas: su reaparición durante el curso de una
persecución policial no hará otra cosa que desviar la atención de las autoridades
permitiendo la huida de Bane, mientras que su primer enfrentamiento con el
villano se saldará con una brutal derrota y con su incapacitación temporal. Es
por ello que Alfred le revelará a su amo que, momentos antes de su muerte,
Rachel había decidido olvidarle para casarse con Harvey Dent; aunque Alfred
sabe que sacar a la luz tan dolorosa verdad supondrá un antes y un después en
su amistad con Bruce, también es consciente de que se trata del único modo
posible de parar el viaje hacia la inmolación de su mejor amigo.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6gQtqKq78gag3ZwPg_zurAngAvnzcotq4AN5G3UaiVL-PwMlokO3qZzSUReJtrHDzuXkFbSUHgI0b1YhA5aiiy1_WGhRqjnSccvfIE8VDxA7Q6oZxFI3tb6IsyqtyWSPvDty5cl5b-cw/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+70.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="283" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6gQtqKq78gag3ZwPg_zurAngAvnzcotq4AN5G3UaiVL-PwMlokO3qZzSUReJtrHDzuXkFbSUHgI0b1YhA5aiiy1_WGhRqjnSccvfIE8VDxA7Q6oZxFI3tb6IsyqtyWSPvDty5cl5b-cw/s400/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+70.jpg" width="400" /></a></div>
Lo que acaba proponiendo <i>El caballero
oscuro: La leyenda renace </i>es un descenso a los infiernos de Bruce Wayne y
su posterior resurrección tras la aceptación de sus debilidades humanas.
Confinado por Bane en una claustrofóbica prisión en algún remoto lugar de Asia,
Wayne deberá superar un duro proceso de sufrimiento y redención solo tras el
cual será capaz de regresar a su ciudad para salvarla. De hecho este proceso
supondrá para el protagonista recorrer el camino inverso al que llevó a cabo
durante los hechos narrados en <i>Batman
begins</i>: si en el pasado Wayne tuvo que aprender a afrontar sus temores para
poder convertirse en un justiciero capaz de aterrorizar a los delincuentes, en
esta ocasión solo será capaz de escapar de su confinamiento tras admitir que
tiene miedo a morir, paso ineludible para poder escalar el pozo que le
conducirá a la libertad y que solo puede superar quien tenga en alta estima su
propia existencia. No resulta casual que en el crucial momento en el que Wayne consigue
salir al exterior tras meses de enclaustramiento aparezca ante él una bandada
de murciélagos, símbolos de los miedos del protagonista que no aparecían en la
trilogía desde que éste aprendió a dejar de temerlos en <i>Batman begins</i>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLAPmzdAJPpl7Z9xVqRDuHQBOw29UhcPQL8UyqmEWMScE7Hj0YiKZDVuwTh-F2bJiw04gwT7G3JSN4T9gQaxrmdZtQ-qzrYMlx7NHK78gSQN1A8H9fa_aathvR-pKvdk7-u2_Oze_igx4/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+67.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLAPmzdAJPpl7Z9xVqRDuHQBOw29UhcPQL8UyqmEWMScE7Hj0YiKZDVuwTh-F2bJiw04gwT7G3JSN4T9gQaxrmdZtQ-qzrYMlx7NHK78gSQN1A8H9fa_aathvR-pKvdk7-u2_Oze_igx4/s400/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+67.jpg" width="400" /></a> La parte final de la película narra el regreso triunfal del hombre
murciélago a Gotham. Es en este momento cuando Wayne logra culminar su proyecto
de convertir a Batman en un símbolo capaz de despertar el coraje de los
desamparados habitantes de la ciudad. De hecho durante su ausencia el joven e
idealista policía John Blake (un sensacional Joseph Gordon-Levitt) ya ha invocado
la figura de Batman esbozando su figura con tiza en diferentes rincones de
Gotham, otorgando al héroe un carácter legendario que éste alimentará al
iluminar con fuego un gigantesco símbolo de murciélago que anuncia su regreso a
la ciudad. Significativamente la catártica lucha final de Batman contra los
hombres de Bane se producirá al amanecer, siendo esta la única ocasión en la
que se dejará ver a plena luz del día, y luchando codo a codo con unos agentes
del orden que meses antes trataban de detenerle. Sin embargo esa misma
redención final del héroe, capaz de infundir valor incluso a un policía tan
poco ejemplar como Foley (Matthew Modine), supondrá la toma de conciencia
definitiva de Blake: su gesto al lanzar su placa de policía al mar, idéntico al
de Clint Eastwood en la última secuencia de <i>Harry
el sucio </i>(<i>Dirty Harry</i>, Don
Siegel, 1971), anuncia su pérdida de fe en un sistema cuya ineficacia convierte
en necesaria la existencia de un justiciero anónimo como Batman.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTU3ZQiuNLwxX4bsRG9wl7MINiZATUmgmTbM_4_qX1uIzza7HUPGjlJBwBHfVIoYagem5nggujJtQnT9zN_nza416BeDQ8L5zhOSSj8CGcyrrXPnHJ8iu0pqn8qr6Fgq5FPE9TN7CAWEc/s1600/El+caballero+oscuro+%25E2%2580%2593+La+leyenda+renace+47.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTU3ZQiuNLwxX4bsRG9wl7MINiZATUmgmTbM_4_qX1uIzza7HUPGjlJBwBHfVIoYagem5nggujJtQnT9zN_nza416BeDQ8L5zhOSSj8CGcyrrXPnHJ8iu0pqn8qr6Fgq5FPE9TN7CAWEc/s400/El+caballero+oscuro+%25E2%2580%2593+La+leyenda+renace+47.jpg" width="400" /></a></div>
Aunque quizá no alcance la brillantez del segundo capítulo de la saga, <i>El caballero oscuro: La leyenda renace</i>
es una intensa película narrada con brío y elegancia por Christopher Nolan. En
este sentido cabe destacar la fuerza de secuencias tan abrumadoras como la fuga
de Bane de un avión en pleno vuelo -una nueva referencia de Nolan a las
películas de James Bond, en este caso a <i>Licencia
para matar </i>(<i>Licence to kill</i>, John
Glen, 1989)-, la ya citada irrupción de Batman en una persecución automovilística
o la espectacular carga final de cientos de policías contra los esbirros del
villano. Pero si existe en esta película una escena digna de ser recordada esa
es sin duda la del primer enfrentamiento entre Batman y Bane: dotada de una
violencia absolutamente brutal, dicha secuencia pone de manifiesto la
indefensión del hombre murciélago ante un enemigo que le supera a todos los
niveles, idea potenciada gracias a la ausencia de música durante todo el
combate, lo que dota de gran dramatismo a los escalofriantes gritos de dolor de
Batman, y a un montaje más pausado que el de las restantes secuencias de
acción, remarcando de este modo la lentitud de movimientos de un héroe que demuestra
ser mucho menos invencible de lo que parecía en el pasado. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhst868oKAEb83wlmW2dqe23RAYDUsSuniDAS7CjAPXXY-gF9tZYPYtWtYUeMCovrXmF0exkOYO_6oOBCgZgkGZ0zf-Hl6s27TBuj0dTITXde75S3vUhCxXg3k3SlqGOIK1JskrZyHeQFE/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+29.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhst868oKAEb83wlmW2dqe23RAYDUsSuniDAS7CjAPXXY-gF9tZYPYtWtYUeMCovrXmF0exkOYO_6oOBCgZgkGZ0zf-Hl6s27TBuj0dTITXde75S3vUhCxXg3k3SlqGOIK1JskrZyHeQFE/s400/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+29.jpg" width="400" /></a></div>
<i> El caballero oscuro: La leyenda
renace</i> culmina con un epílogo con
el que Christopher Nolan pone punto final a su visión del hombre murciélago de
un modo tan arriesgado como eficaz (atención: <b>SPOILER</b>). Tras la supuesta muerte tanto de Batman como de Bruce
Wayne, el entrañable Alfred ve cumplir sus sueños al descubrir que su antiguo
amo disfruta de una nueva vida en compañía de Selina, una mujer que como él
buscaba dejar atrás un tenebroso pasado. Bruce Wayne ha conseguido por fin
dejar atrás sus obsesiones tras crear un símbolo capaz de dotar de esperanza a
los habitantes de Gotham. Pero aunque Batman haya desaparecido (¿para
siempre?), la ciudad será vigilada bajo la atenta mirada de John Blake, quien
en la última secuencia de la película revela que su segundo nombre es Robin e
irrumpe en la Batcueva dispuesto a dar continuidad al legado del señor de la
noche.<o:p></o:p><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMMq0z-9siwCPcpT3gO3gasiisw_XQhfomGJJ3ByH6xgkTmBwJvB_saM0kVDkA4i9HrcdhATDtaME0GFb6NF2AIq4OFXfUKMQMJkhLvZEuPujsmFDntTN621bBk8UqhMSo0bOfpCsE5ys/s1600/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+52.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMMq0z-9siwCPcpT3gO3gasiisw_XQhfomGJJ3ByH6xgkTmBwJvB_saM0kVDkA4i9HrcdhATDtaME0GFb6NF2AIq4OFXfUKMQMJkhLvZEuPujsmFDntTN621bBk8UqhMSo0bOfpCsE5ys/s640/El+caballero+oscuro+%E2%80%93+La+leyenda+renace+52.jpg" width="640" /></a></div>
<br /></div>
Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-32800984114694627622012-07-20T11:57:00.000+02:002012-07-20T11:57:15.764+02:00El señor de la noche según Christopher Nolan. Segunda parte: EL CABALLERO OSCURO<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRHpmm4KSPpPJ9pe-0K04UcC2a6wiKQM5oNqreXO1EwG4zmuqu3IqE1xu1exrJc8yxUr5vfO8PcxRFjOBkotj2Y4xbAF4QIU8chmLKGhBXD2r6fKvk7DQ-ZpfOqLvMZzj3SpHGrT15re4/s1600/El+caballero+oscuro+28.bmp" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRHpmm4KSPpPJ9pe-0K04UcC2a6wiKQM5oNqreXO1EwG4zmuqu3IqE1xu1exrJc8yxUr5vfO8PcxRFjOBkotj2Y4xbAF4QIU8chmLKGhBXD2r6fKvk7DQ-ZpfOqLvMZzj3SpHGrT15re4/s640/El+caballero+oscuro+28.bmp" width="452" /></a> Dentro de la filmografía de Christopher
Nolan, <i>El caballero oscuro</i> (<i>The dark knight</i>, 2008) no solo supone la
segunda pieza de su trilogía dedicada al hombre murciélago, sino también su
primera secuela. En este sentido la continuación de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/06/el-senor-de-la-noche-segun-christopher.html"><i>Batman begins</i> (<i>id</i>, 2005)</a>
no deja de resultar una secuela atípica y poco convencional, que se aleja
bastante del planteamiento dramático de la primera entrega para emprender un
camino distinto y arriesgado, lo que le permite a Nolan profundizar en sus
personajes y en las relaciones que se establecen entre ellos. Pero sin duda si
algo destaca en <i>El caballero oscuro </i>es
la intensidad, pocas veces igualada, con la que narra el enfrentamiento entre
un héroe y su adversario, en este caso el Joker interpretado por un antológico
Heath Ledger.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Si en <i>Batman
begins</i> destacaba la influencia de la novela gráfica de Frank Miller y David
Mazzucchelli <i>Batman: Año Uno </i>(1987),
en <i>El caballero oscuro</i> puede
apreciarse la huella de <i>El largo
Halloween </i>(1997), celebrada serie de cómics escrita por Jeph Loeb e
ilustrada por Tim Sale. Al igual que en <i>El
largo Halloween</i>, el motor de la trama de <i>El caballero oscuro</i> es la colaboración a tres bandas entre Bruce
Wayne/Batman (Christian Bale), el comisario James Gordon (Gary Oldman) y el
fiscal Havey Dent (excelente Aaron Eckhart) para acabar de una vez por todas
con el crimen organizado de la ciudad de Gotham. Este pacto, casi un
triunvirato como los que surgieron durante la república romana (no en vano
aparecen pequeñas referencias a la antigua Roma a lo largo de la película),
describe a la perfección la función que Batman ha asumido para el mantenimiento
del orden en su ciudad: mientras que Gordon está dispuesto a llevar a los delincuentes
ante la justicia y Dent a hacer todo lo posible para que paguen por sus
crímenes con la cárcel, el justiciero enmascarado aparece como la fuerza que
hace que todo ello sea posible, atrapando a criminales que están fuera del
alcance de la policía o que se escudan tras leyes jurisdiccionales. Al respecto
merecen ser destacadas secuencias tan espléndidas como el violento
interrogatorio ejercido por el hombre murciélago contra el Joker en plenas
dependencias policiales o aquella en la que Batman viaja hasta Hong Kong para
atrapar a Lau (Chin Han), un contable encargado de blanquear el dinero sucio de
la mafia que ha escapado de las autoridades de Gotham; dicha secuencia,
excelentemente filmada, culmina con un nuevo guiño de Nolan a la serie
cinematográfica de James Bond, en concreto a <i>Operación Trueno </i>(<i>Thunderball</i>,
Terence Young, 1965), cuando el señor de la noche secuestra a Lau por vía aérea
ante la atónita mirada de los agentes de seguridad que protegían al
delincuente.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJue7LddBw9PPHMDjIoOfe7pSqpOnJ1E92kaBZNF5XSbMruLfdh1xpTtQ7w7o0HqU34QA0AE_1xOjJeQa5uk9eagJznsHic5BRo4OI2wh9S7UvqjMhPuGtuU0KOk3V-bQaTR2JOh5xVSA/s1600/El+caballero+oscuro+67.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJue7LddBw9PPHMDjIoOfe7pSqpOnJ1E92kaBZNF5XSbMruLfdh1xpTtQ7w7o0HqU34QA0AE_1xOjJeQa5uk9eagJznsHic5BRo4OI2wh9S7UvqjMhPuGtuU0KOk3V-bQaTR2JOh5xVSA/s400/El+caballero+oscuro+67.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Si la figura de Batman representa para las
fuerzas del orden la posibilidad de cruzar fronteras inquebrantables para ellos
en la lucha contra el crimen, Harvey Dent representa para el hombre murciélago
la promesa de un futuro sin delincuencia en el que ya no será necesaria la
existencia del señor de la noche. Y es que, a pesar de que la acción de <i>El caballero oscuro</i> transcurre unos
pocos meses después de la de <i>Batman
begins</i>, Wayne aparece ya muy cansado de los avatares ocasionados por su
doble vida: su cuerpo muestra grandes contusiones fruto de sus rondas nocturnas
y no deja de soñar con la idea de que el honrado fiscal limpie las calles de
Gotham para siempre, lo que le permitiría a Bruce la oportunidad de vivir en
paz junto a su amada Rachel (Maggie Gyllenhaal). Haciendo gala de un notable
pesimismo, el resto de la película se encargará de mostrar cómo el proyecto de
materializar esos sueños de esperanza supondrá un completo fracaso debido a los
anárquicos planes del Joker, una de esas extrañas personas que según Alfred
(Michael Caine) “<i>solo quieren</i> <i>ver arder el mundo</i>”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi99l8U4Xp3kjzpKMkqjHdIsN0o9fIc8eUzqvHjzNKTNqts5-eu4ThCep5xkoNVlb2dhr9HKwVCIE1J8zd86sSGvwSncVZoU43OMrYWSVTQ-yUUcDW1pkF_9hueN3OCHnXicfiNEDSzpak/s1600/El+caballero+oscuro+54.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi99l8U4Xp3kjzpKMkqjHdIsN0o9fIc8eUzqvHjzNKTNqts5-eu4ThCep5xkoNVlb2dhr9HKwVCIE1J8zd86sSGvwSncVZoU43OMrYWSVTQ-yUUcDW1pkF_9hueN3OCHnXicfiNEDSzpak/s400/El+caballero+oscuro+54.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjRjgSoMMkNLWmL5xEE4gtQXiIRtlJugyUbUNoLwaOSFa_kgdAIDNNs4BiEX6e2joqtwHZgY7dZXbo35y93RvbNzuQ5WwXvPr0AdYblzjmhmbjN_biK8-uYWSztZ6hXEbqV9SXR_kbGQ4/s1600/El+caballero+oscuro+57.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjRjgSoMMkNLWmL5xEE4gtQXiIRtlJugyUbUNoLwaOSFa_kgdAIDNNs4BiEX6e2joqtwHZgY7dZXbo35y93RvbNzuQ5WwXvPr0AdYblzjmhmbjN_biK8-uYWSztZ6hXEbqV9SXR_kbGQ4/s400/El+caballero+oscuro+57.jpg" width="400" /></a> Y es que, si Batman lucha por establecer
el orden en Gotham, el Joker aboga por un mundo sin límites reinado por el
caos. El malvado villano surge de este modo como una figura opuesta pero
complementaria a la del hombre murciélago, idea remarcada por Nolan con el paralelismo
con el que muestra las acciones de los dos antagonistas. De este modo, en su
primera aparición el Joker elimina uno por uno a los matones que le han ayudado
en un atraco y que lucen disfraces de payaso similares al suyo; en la secuencia
posterior, Batman se ve obligado a reducir a un puñado de imitadores que
también se visten de hombres murciélago para tomarse la justicia por su mano:
tanto el Joker como Batman son capaces de contagiar sus ideales, pero ambos
necesitan actuar por sí mismos porque nadie más es capaz de llegar tan lejos
como ellos. Por otro lado, a pesar de que al principio el Joker ofrece sus
servicios a la mafia y Batman cuenta con el beneplácito de los ciudadanos y de
las fuerzas policiales, al final ambos acabarán siendo repudiados por todos
aquellos que inicialmente les apoyaban, revelando la hipocresía de una sociedad
que no está dispuesta a asumir el precio de su estabilidad.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
</div>
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</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_ct8Ywu2tKYwLtBwDRuqXQ9Y9BRwTY7bM2qOxwo-_JFW03C1sBvGkf3zU2eaAS2ULULV-GuwpAQWbF29GjAowi9_elATouOj5WDzTvUIZg9tmcX8q5OOF0O7JragN3x9sp7QSP0Q2cdg/s1600/El+caballero+oscuro+62.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_ct8Ywu2tKYwLtBwDRuqXQ9Y9BRwTY7bM2qOxwo-_JFW03C1sBvGkf3zU2eaAS2ULULV-GuwpAQWbF29GjAowi9_elATouOj5WDzTvUIZg9tmcX8q5OOF0O7JragN3x9sp7QSP0Q2cdg/s400/El+caballero+oscuro+62.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6S_e3XA1GEMby8Q-67j_hf4cS3xNOR12xgaABCIMMIxD6Tg2NHch0kirevAtG09vJxVM6FQ__XHQBJpGjoksP_UB-JDaFCXO5fx55V3pur9fgcySHMqwy_GOKTEjEOC_wgMFUH9K9qRI/s1600/El+caballero+oscuro+63.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="167" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6S_e3XA1GEMby8Q-67j_hf4cS3xNOR12xgaABCIMMIxD6Tg2NHch0kirevAtG09vJxVM6FQ__XHQBJpGjoksP_UB-JDaFCXO5fx55V3pur9fgcySHMqwy_GOKTEjEOC_wgMFUH9K9qRI/s400/El+caballero+oscuro+63.jpg" width="400" /></a> Christopher Nolan y el desaparecido actor
Heath Ledger llevaron a cabo una fascinante reinterpretación del enemigo por
antonomasia del hombre murciélago incidiendo en su componente anárquico y en su
crueldad. En lo referente a lo primero, llama la atención que <i>El caballero oscuro</i> sea la primera
película de Nolan narrada estrictamente en orden cronológico. No obstante esa
linealidad del relato acaba resultando aún menos convencional que los saltos en
el tiempo de <i>Batman begins</i>, pues de
este modo Nolan vence a la tentación de narrar el pasado del Joker a través de
flashbacks y convierte el origen del villano en uno de los mayores enigmas de
su filmografía; de hecho las diferentes versiones que el Joker explica acerca
del modo en que sufrió los terribles cortes que deforman su rostro sugieren la
idea de que se trata de un personaje sin pasado, una fuerza maligna que parece
existir únicamente para luchar eternamente contra Batman y sumir así a la
población de Gotham en un estado interminable de caos. Por lo que respecta a la
crueldad, destaca la fijación del Joker por las armas blancas, tanto por los cuchillos
que usa para desfigurar a sus víctimas como por la cuchilla que emerge letalmente
de la punta de su zapato, una nueva referencia a James Bond y más concretamente
a <i>Desde Rusia con amor</i> (<i>From Russia with love</i>, Terence Young,
1963); tal y como explicará con enfermizo deleite, el Joker disfruta de este
tipo de armas porque le permiten asesinar a sus víctimas muy despacio, dejándole
saborear cada instante del sufrimiento ajeno…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPGz-OYDPEL6zk2aqN-HPQwcxKo-UCdlsb_zuYxdQegm_Tv2jxMv6bNrUaXB3vxmska11EOLteBaiUj71mMtYJ6ZbeD4_diMyisNWMNitDmDO9LXhNmtlqKjFx93A916z5f4_XckmOV9c/s1600/El+caballero+oscuro+43.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPGz-OYDPEL6zk2aqN-HPQwcxKo-UCdlsb_zuYxdQegm_Tv2jxMv6bNrUaXB3vxmska11EOLteBaiUj71mMtYJ6ZbeD4_diMyisNWMNitDmDO9LXhNmtlqKjFx93A916z5f4_XckmOV9c/s640/El+caballero+oscuro+43.jpg" width="425" /></a> De un modo similar a como sucedía en <i>La broma asesina </i>(1988), escrita por
Alan Moore, ilustrada por Brian Bolland y posiblemente la mejor obra dedicada
al personaje, el Joker no parará en su propósito de demostrar que, en
situaciones excepcionales, cualquier persona sometida a una gran presión es
capaz de convertirse en un monstruo como él. De este modo amenazará con
asesinar cada día a un inocente hasta que Batman se entregue y se quite la
máscara; más tarde, y tras cambiar de opinión, amenazará con destruir un
hospital si la identidad secreta de Batman es revelada, provocando que un gran
nombre de ciudadanos atenten contra Reese (Joshua Harto), un ejecutivo de
Industrias Wayne que se disponía a identificar al hombre murciélago ante los
medios de comunicación. Sin embargo será la dolorosa conversión de Harvey Dent en
el aterrador Dos Caras la que supondrá la victoria definitiva del Joker: tras
sufrir los efectos de una terrible quemadura, la mitad izquierda del rostro de
Harvey quedará completamente desfigurada, exteriorizando de este modo unas
heridas emocionales ocasionadas no tanto por su accidente como por la muerte de
un ser querido. La destrucción física y moral de Dent queda simbolizada en la
moneda de dos caras idénticas que el fiscal siempre llevaba consigo y que tras el
accidente ha quedado oscurecida por uno de sus lados: “<i>O mueres como un héroe o vives lo suficiente para verte convertido en
un villano</i>”, dijo proféticamente Dent cuando aún era conocido como el
caballero blanco de la ciudad y seguía creyendo en el funcionamiento de la justicia.
De este modo el que prometía convertirse en el símbolo de esperanza que Batman no
podría ser jamás oscurecerá su carácter hasta convertirse en un asesino
decidido a tomarse la justicia por su mano.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCLL6mxRyTfnggkqbnsgBRMIiirH3BtYEqPX2wAq4ozqGxzRmpbcC4l7TyeW44rkdMy7DznHJHF3-k1Dr__239nWsjZ3FWOUso8_Ux6gtbXojz9XeuM7NMHMbr4oW4XvYHEmaf80LlAgI/s1600/El+caballero+oscuro+69.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCLL6mxRyTfnggkqbnsgBRMIiirH3BtYEqPX2wAq4ozqGxzRmpbcC4l7TyeW44rkdMy7DznHJHF3-k1Dr__239nWsjZ3FWOUso8_Ux6gtbXojz9XeuM7NMHMbr4oW4XvYHEmaf80LlAgI/s400/El+caballero+oscuro+69.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdLQu-Cli73wLDILuc9cAuowTrcwLmXysS9s1SpUlxh63vu6oVY7skPu57AFsPyKZcV5oy7kMr9MS7AYlIct54Jsz4TCGXyfa0VPkKsNN5t4tSfluPEWGhLW8CHTMJsKtAv8IBaR6w1a4/s1600/El+caballero+oscuro+71.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdLQu-Cli73wLDILuc9cAuowTrcwLmXysS9s1SpUlxh63vu6oVY7skPu57AFsPyKZcV5oy7kMr9MS7AYlIct54Jsz4TCGXyfa0VPkKsNN5t4tSfluPEWGhLW8CHTMJsKtAv8IBaR6w1a4/s400/El+caballero+oscuro+71.jpg" width="400" /></a> <i>El
caballero oscuro</i> es una película mucho más compacta y redonda que <i>Batman begins</i>, gracias no solo a un
excelente guión, escrito por Christopher Nolan y su hermano Jonathan, sino sobre
todo a la mayor fuerza de la puesta en escena, como se puede observar en su
sentido del ritmo y en la mayor espectacularidad de sus imágenes. De este modo
merecen ser destacadas las secuencias de acción, no solo por la brillantez de
la planificación y del montaje sino por cómo ayudan a definir a los personajes,
en especial al Joker: la ya citada secuencia inicial del atraco al banco, un reconocido
homenaje a la famosa secuencia del robo de <i>Heat</i>
(<i>id</i>, Michael Mann, 1995), que destaca
no solo por su excelente resolución sino por el maquiavélico método utilizado
por el Joker para que sus compinches se liquiden el uno el otro; la persecución
automovilística, al parecer indispensable en cada película protagonizada por el
superhéroe creado por Bob Kane, de la que sobresale el instante en que el
villano tienta a Batman para que le mate, lo que destruiría irremediablemente el
símbolo de justicia en el que trata de erigirse el héroe; la posterior huida
del Joker de la comisaría en la que se encuentra retenido, que consigue llevar
a cabo escondiendo un explosivo en el estómago de uno de sus ayudantes; el
momento en que el asesino de la siniestra sonrisa quema una montaña de dinero
perteneciente a la mafia, con Lau atado y amordazado en su cima...</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP3h9OOTIWz05cb5BcyvraCR1lXYbiNOXQ_LbbSad4Dt3NEDk3fquf22RzKDs6Nx1q2QnuwZmQobnwZ7y_N7tn5FMQjVXR1WW1pmbb6f5z12Te1BhNEWXNgG62PfJ_vbLWgCX5zCVxExc/s1600/El+caballero+oscuro+56.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP3h9OOTIWz05cb5BcyvraCR1lXYbiNOXQ_LbbSad4Dt3NEDk3fquf22RzKDs6Nx1q2QnuwZmQobnwZ7y_N7tn5FMQjVXR1WW1pmbb6f5z12Te1BhNEWXNgG62PfJ_vbLWgCX5zCVxExc/s400/El+caballero+oscuro+56.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBNiP164YO8DmX8ImLWm6kZPIzQIHhB_BZGwaknadiEc6qCHIF32ykKi4NomlMTW66xYLbQt_ZNgezXuL69hVHTwMspJ8UAqCjs6-h3n8mks3E2oMHTcPClJQiy_NwB3piWxfpHAQqVF0/s1600/El+caballero+oscuro+66.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBNiP164YO8DmX8ImLWm6kZPIzQIHhB_BZGwaknadiEc6qCHIF32ykKi4NomlMTW66xYLbQt_ZNgezXuL69hVHTwMspJ8UAqCjs6-h3n8mks3E2oMHTcPClJQiy_NwB3piWxfpHAQqVF0/s400/El+caballero+oscuro+66.jpg" width="400" /></a> Pero si en algo destaca la energía
imprimida por Nolan a su relato es en la valiente convicción con la que
dinamita algunas de las convenciones del cine de superhéroes. En este sentido
hay que destacar el inesperado desenlace del triángulo amoroso formado por
Bruce, Rachel y Harvey: tras secuestrar a los dos últimos y atarles junto a
unos explosivos, el Joker engañará perversamente a Batman para que rescate a
Harvey y no al gran amor de su vida; en un detalle de gran crueldad, Rachel
morirá pensando que Bruce ha preferido salvar al fiscal antes que a ella. De este
modo Rachel pasa a formar parte de la galería de personajes femeninos de la
obra de Christopher Nolan que pierden la vida por culpa indirecta del hombre al
que aman, al igual que la esposa muerta (Jorja Fox) de <i>Memento</i> (<i>id</i>, 2000), la
Sarah Borden (Rebecca Hall) de <i>El truco
final</i> (<i>The prestige</i>, 2006) o la
Mal (Marion Cotillard) de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2010/08/origen-morir-dormir-tal-vez-sonar.html"><i>Origen</i> (<i>Inception</i>, 2010)</a>. Aún más sorprendente y
nihilista resulta el extraordinario desenlace de la película: tras atrapar al
Joker y verse obligado a matar a Dent, Batman asumirá los violentos crímenes de
este último, pasando a ser odiado como un villano para evitar que la reputación
del caballero blanco de Gotham quede destruida para siempre y que su cruzada
contra el crimen sea puesta en entredicho. Como en <i>El hombre que mató a Liberty Valance</i> (<i>The man who shot Liberty Valance</i>, John Ford, 1962), la mentira
acaba siendo la única opción para mantener a salvo a la sociedad, aunque sea a
costa de quien lo ha perdido todo para protegerla. Las imágenes finales de la
película son inolvidables, con un Batman cansado y herido huyendo de la policía
y emprendiendo un camino hacia la marginación y la soledad.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8JkdQcoURhoFopj37hP2_EMRpe3911h6L2wgGvW-hk7J2ckoQ8k5d0gHxWq1duVLHrciFjko7VqulevY-kM6T5BM7Bgn4G5TWXEApQ52VivRJJkFmadYQAyFzQYruiImgAAi7Wu2fWyo/s1600/El+caballero+oscuro+72.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8JkdQcoURhoFopj37hP2_EMRpe3911h6L2wgGvW-hk7J2ckoQ8k5d0gHxWq1duVLHrciFjko7VqulevY-kM6T5BM7Bgn4G5TWXEApQ52VivRJJkFmadYQAyFzQYruiImgAAi7Wu2fWyo/s640/El+caballero+oscuro+72.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-71613628175955575342012-06-30T12:13:00.000+02:002012-08-22T11:55:29.471+02:00El señor de la noche según Christopher Nolan. Primera parte: BATMAN BEGINS<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZBrrB8GU2tc3VDyYBfTtAMzRDf4Xna8Wjq4OvLnd-nD9b6UumgBsMtGp6QosZ819n_C0CGZIsZrBMWx858ykUr47e9WtdyA4S8SmmCFdx_sYS7y0AaJGz88QWBk5hFIYtsq2LWH-kcew/s1600/Batman+begins+poster+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZBrrB8GU2tc3VDyYBfTtAMzRDf4Xna8Wjq4OvLnd-nD9b6UumgBsMtGp6QosZ819n_C0CGZIsZrBMWx858ykUr47e9WtdyA4S8SmmCFdx_sYS7y0AaJGz88QWBk5hFIYtsq2LWH-kcew/s640/Batman+begins+poster+3.jpg" width="432" /></a> Existe un breve momento en <i>Following</i> (<i>id</i>, 1998), el modesto pero interesante debut en la dirección de
Christopher Nolan, en el que aparece fugazmente un emblema de Batman como parte
del atrezo. Probablemente no se trata más que de una simple casualidad, pues
difícilmente el cineasta británico podía imaginar que pocos años después
dirigiría <i>Batman begins</i> (<i>id</i>, 2005), primera parte de una trilogía
que completaría con <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/07/el-senor-de-la-noche-segun-christopher_20.html"><i>El caballero oscuro</i> (<i>The dark knight</i>, 2008)</a> y <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/08/el-senor-de-la-noche-segun-christopher.html"><i>El caballero oscuro: La leyenda renace</i> (<i>The dark knight rises</i>, 2012)</a>. Sin
embargo, y aunque antes del estreno de <i>Batman
begins</i> muchos calificaron de arriesgada la elección de Nolan como su máximo
responsable, no es menos cierto que el personaje del hombre murciélago guarda
una estrecha relación con los protagonistas de sus demás ficciones
cinematográficas. De este modo Bruce Wayne (Christian Bale) está tan
atormentado por la muerte de sus padres como Leonard Shelby (Guy Pearce) lo
estaba por el asesinato de su esposa en <i>Memento
</i>(<i>id</i>, 2000), Will Dormer (Al
Pacino) por la muerte de su compañero en <i>Insomnio
</i>(<i>Insomnia</i>, 2002) o Cobb (Leonardo
DiCaprio) por el suicidio de su esposa en <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2010/08/origen-morir-dormir-tal-vez-sonar.html"><i>Origen</i> (<i>Inception</i>, 2010)</a>. Por otro lado la
doble identidad de Wayne, quien adopta una imagen frívola de cara al exterior y
tan solo revela su auténtica naturaleza cuando oculta su rostro tras una
máscara, guarda gran relación con la tortuosa existencia del Alfred Borden
(también interpretado por Christian Bale) de <i>El truco final</i> (<i>The prestige</i>,
2006), quien con la intención de convertirse en el mejor profesional del
ilusionismo sacrificaba su vida personal recurriendo al desdoblamiento. Se mire
por donde se mire, el superhéroe creado por Bob Kane le permitía a Nolan seguir
indagando en temas recurrentes de su obra como la obsesión, la venganza, el
sentimiento de culpabilidad o la importancia de un pasado marcado por la muerte.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikYzOsG0G7Z67heHzxwkKoemcB3yApkFXBHmJrjcV3e6vro7jv7QzqE9YiXDB_l-fb7vbVBWzGbsy3jTFh0v0UcvGUmaD8IUX8zINW1xzPMLWMv5rJHjYGD9yrHxY7RZDw3xMipwguSiE/s1600/Batman+begins+40.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="277" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikYzOsG0G7Z67heHzxwkKoemcB3yApkFXBHmJrjcV3e6vro7jv7QzqE9YiXDB_l-fb7vbVBWzGbsy3jTFh0v0UcvGUmaD8IUX8zINW1xzPMLWMv5rJHjYGD9yrHxY7RZDw3xMipwguSiE/s400/Batman+begins+40.jpg" width="400" /></a><i> Batman begins</i> es una película dividida en dos partes. La primera de
ellas renuncia a una estructura lineal (tal y como sucede en casi toda la
filmografía de Nolan), alternado dos líneas narrativas. Una de ellas consiste
en varios flashbacks que describen algunos episodios fundamentales de la
infancia y juventud de Bruce Wayne: la tierna relación con su padre Thomas (un
breve pero excelente Linus Roache), de quien guarda un recuerdo idealizado; el
trágico suceso en el que sus padres perdieron la vida a manos del atracador Joe
Chill (Richard Brake); la relación de tintes paterno-filiales que Bruce
establece con su mayordomo Alfred (un espléndido Michael Caine), personaje que
adquiere aquí un mayor peso respecto al que tenía en muchos cómics o en los
anteriores largometrajes dedicados a Batman; el intenso momento en que un veinteañero
Bruce está punto de vengarse de Joe al ser éste puesto en libertad tras un
encarcelamiento de varios años, tentación frustrada cuando el criminal es
asesinado por un sicario de la mafia (en una secuencia que, por otro lado,
evoca el famoso asesinato de Lee Harvey Oswald a manos de Jack Ruby)… Este
último suceso será de vital importancia para la formación del carácter del
protagonista y su decisión de convertirse en un justiciero enmascarado: al asistir
a la muerte del asesino de sus padres, Bruce sentirá tanto la impotencia de no
poder llevar a cabo su venganza como la vergüenza de haber estado a punto de
tomar un camino que habría deshonrado la memoria de su familia.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicK9nN0_nVqJs1CvBjyPEEeUpf2T3iJg-YZ5HbFdSOz8APtnwb5gV2ZA5h-BhC3ES2FcnnisllBmnlJAJ1GVeV9gYQLAoGJixQLzrw4_bzRi-Ks3vru1N_echtFpw0B19sqyNCoJ8cXAA/s1600/Batman+begins+30.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicK9nN0_nVqJs1CvBjyPEEeUpf2T3iJg-YZ5HbFdSOz8APtnwb5gV2ZA5h-BhC3ES2FcnnisllBmnlJAJ1GVeV9gYQLAoGJixQLzrw4_bzRi-Ks3vru1N_echtFpw0B19sqyNCoJ8cXAA/s400/Batman+begins+30.jpg" width="400" /></a> La segunda línea narrativa
muestra los viajes de un adulto Bruce alrededor del mundo con el propósito de
conocer el mundo de la delincuencia y aprender a sobrevivir en circunstancias
extremas. En uno de ellos conocerá al enigmático Henri Ducard (Liam Neeson),
quien le introducirá en La liga de las sombras, una no menos misteriosa
organización secreta dedicada a erradicar el mal y la injusticia haciendo uso
del sigilo, la intimidación y la violencia. Durante su proceso de iniciación
para formar parte de la Liga, Wayne le confesará a Ducard que ya no se siente
responsable de la muerte de sus padres, pero que a cambio se ha despertado en
él un irrefrenable sentimiento de ira. Sin embargo, y aunque las lecciones de
lucha e infiltración de Ducard le serán de gran ayuda al futuro hombre
murciélago, los despiadados métodos de La liga de las sombras le provocan un
enorme rechazo pues en su opinión sobrepasan el ideal de la justicia para abrazar
abiertamente la venganza pura y dura; será en este momento cuando Bruce Wayne
emprenderá el camino definitivo a su transformación en el señor de la noche. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3Qsjnb7wquTsERJ9sm6APupJTwlkhNF1W83Rxgiwsi5RX92s-291XFbS0sBjLb6VQJBS253bhEW4CWsehtUibkafC-SasGzx3HnR9glXb3vgOQB0TA7BJRUZYQGNZVZ9Uu8CDDir0gB0/s1600/Batman+begins+32.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3Qsjnb7wquTsERJ9sm6APupJTwlkhNF1W83Rxgiwsi5RX92s-291XFbS0sBjLb6VQJBS253bhEW4CWsehtUibkafC-SasGzx3HnR9glXb3vgOQB0TA7BJRUZYQGNZVZ9Uu8CDDir0gB0/s640/Batman+begins+32.jpg" width="448" /></a> La segunda parte de la película
arranca cuando Bruce Wayne regresa a Gotham dispuesto a convertirse en Batman,
iniciando una lucha contra el crimen organizado que también le llevará a
enfrentarse al Dr. Crane, alias El Espantapájaros (Cillian Murphy), y a la
mismísima Liga de las sombras. Es en esta parte donde Nolan se acerca temática
y estilísticamente a uno de los más célebres cómics dedicados al hombre
murciélago: el excelente <i>Batman: Año Uno</i>
(1988), escrito por Frank Miller e ilustrado por David Mazzucchelli. Aunque no
puede ser considerada una adaptación cinematográfica del prestigioso cómic, <i>Batman Begins</i> coincide con éste no solo
en la meticulosa narración de las primeras andanzas del héroe, en la
descripción del sargento James Gordon (Gary Oldman) como el único policía
honrado de Gotham o en la aparición de personajes secundarios ya presentes en
la obra de Miller y Mazzucchelli como el gángster Carmine Falcone (Tom
Wilkinson), el policía corrupto Flass (Mark Boone Junior) o el comisario Loeb
(Colin McFarlane), sino también en el tono adulto y hasta cierto punto
verosímil con el que afronta un relato de superhéroes. De ahí que Gotham no sea
aquí esa ciudad a medio camino entre la arquitectura gótica y el expresionismo
alemán que aparecía en las dos películas de Tim Burton dedicadas al hombre
murciélago, sino una gran urbe azotada por la lluvia, la suciedad y el crimen
intercambiable con cualquiera de las grandes metrópolis del mundo real; de ahí
también que el tono de la película, en ocasiones áspero y poco complaciente,
sea mucho más próximo al género policíaco que al fantástico. Quizá por ello las
referencias cinéfilas esparcidas a lo largo de la película no guardan relación
con el cine de superhéroes, sino con la saga Bond: véase el personaje de Lucius
Fox (Morgan Freeman), similar al Q (Desmond Llewelyn) de la serie del agente
007, o la explosión del templo situado en lo alto de una montaña nevada, que tanto
recuerda a una de las secuencias más espectaculares de <i>Al servicio secreto de su majestad</i> (<i>On her majesty’s secret service</i>, Peter Hunt, 1969), no por
casualidad uno de los títulos favoritos de Nolan.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYdG8ITu5qr5Zc04y2m5OymEb4ccMHmlsgCvN3hAshZG0PMIWW5umTCs80-m8An8OJNYR65udiF1D3A9Io9887WXCnPJQc4bd-CSgYa02oEw8SPBwo81KscNJKeMEgT19-odImg7pnRhE/s1600/Batman+begins+26.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYdG8ITu5qr5Zc04y2m5OymEb4ccMHmlsgCvN3hAshZG0PMIWW5umTCs80-m8An8OJNYR65udiF1D3A9Io9887WXCnPJQc4bd-CSgYa02oEw8SPBwo81KscNJKeMEgT19-odImg7pnRhE/s400/Batman+begins+26.jpg" width="400" /></a> Otra de las aportaciones más
interesantes de <i>Batman begins</i> es la
de asociar la asunción del rol de héroe por parte de Bruce Wayne con el
progresivo control que éste va adquiriendo sobre sus miedos, lógicamente
simbolizados por la figura del murciélago. Ya la primera secuencia de la
película, un flashback sobre la infancia de Bruce, muestra el gran terror que
le provocan los murciélagos cuando se topa con decenas de ellos al caer
accidentalmente a un pozo seco. Precisamente el recuerdo de esa traumática
experiencia provocará indirectamente la muerte de sus padres: durante una
representación operística las imágenes del espectáculo reavivarán los miedos
del más pequeño de los Wayne, motivando la decisión de sus padres de abandonar
el teatro y salir a la calle, lo que les llevará a ser asaltados por el
delincuente Joe Chill: “<i>No tengas miedo</i>”
serán las últimas palabras pronunciadas por Thomas Wayne antes de fallecer. Afrontando
definitivamente sus temores, el futuro Batman instalará su sede de operaciones
en una cueva repleta de murciélagos y adoptará su forma convirtiéndolos de este
modo en sus máximos aliados en la guerra contra el crimen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWW8DoCiizGhYLH9MYACYhgcV4g4glhXSCDk_6JREmV-wGhEnP9FATboSAbKRBBGWAWnjT7gh9KtHqyuF5KHDXnAc_Fb20LI4VOW8jb5k4b49I5qMirOplkgL1CH9zJRmB6JBAnezRzjs/s1600/Batman+begins+39.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWW8DoCiizGhYLH9MYACYhgcV4g4glhXSCDk_6JREmV-wGhEnP9FATboSAbKRBBGWAWnjT7gh9KtHqyuF5KHDXnAc_Fb20LI4VOW8jb5k4b49I5qMirOplkgL1CH9zJRmB6JBAnezRzjs/s400/Batman+begins+39.jpg" width="400" /></a><i> Batman begins</i> es una buena película engrandecida por su estupenda
banda sonora, compuesta a cuatro manos por Hans Zimmer y James Newton Howard, y
por las interpretaciones de su magnífico reparto, encabezado por un Christian
Bale que se convierte claramente en la mejor encarnación cinematográfica de
Bruce Wayne. Sin embargo es una lástima que una serie de irregularidades
impidan que ésta sea una película del todo lograda. Por un lado todo lo
relativo al proceso de aprendizaje de Bruce Wayne bajo la tutela de Henri
Ducard se ve lastrado por la presencia de tópicos acerca de las relaciones
entre maestro y aprendiz, a lo que no ayuda que el personaje de Liam Neeson
recuerde en exceso a los interpretados por el mismo actor en <i>Star Wars: Episodio I. La amenaza fantasma</i>
(<i>Star Wars: Episode I. The phantom menace</i>,
George Lucas, 1999) o <i>El reino de los
cielos</i> (<i>Kingdom of heaven</i>, Ridley
Scott, 2005), a pesar del buen trabajo del actor irlandés. Tampoco muy
afortunadas son las secuencias en las que los habitantes de Gotham sufren los
efectos de unos poderosos narcóticos aplicados por los villanos a fin de
infundirles terror, escenas lastradas por numerosas imágenes alucinatorias que
rompen con la estética realista perseguida por Christopher Nolan y el director
de fotografía Wally Pfister. Por lo que respecta a las secuencias de acción,
algunas peleas cuerpo a cuerpo se ven perjudicadas por un montaje excesivamente
frenético, si bien merecen ser destacados momentos mucho más logrados como la
primera aparición nocturna de Batman en los muelles, que describe adecuadamente
la confusión de los matones que se enfrentan a él en la oscuridad, o la
espléndida secuencia en la que el hombre murciélago escapa del acoso policial
escudándose tras cientos de quirópteros que han acudido en su rescate, en lo
que por otro lado supone un homenaje a un brillante fragmento de <i>Batman: Año Uno</i>. En suma un conjunto de
imperfecciones, lógicas al tratarse de la primera gran superproducción de
Nolan, que el cineasta pulirá en la mucho más redonda <i>El caballero oscuro</i>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjz0eh0fRO3JcIWjidLhMuR1hyphenhyphenmGdc7hqswBfngqJiYjKwyj4JQ9QRC9vr1Et2Y0w6W-J1yQ2guVWyV_HX0VR6qFbGgAXLHQfNtyBkq08uc9Uq_NQkZI-Y-JDPm8ZQpcp14PWN_2h6xVDA/s1600/Batman+begins+33.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjz0eh0fRO3JcIWjidLhMuR1hyphenhyphenmGdc7hqswBfngqJiYjKwyj4JQ9QRC9vr1Et2Y0w6W-J1yQ2guVWyV_HX0VR6qFbGgAXLHQfNtyBkq08uc9Uq_NQkZI-Y-JDPm8ZQpcp14PWN_2h6xVDA/s640/Batman+begins+33.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-60587531097553391192012-05-04T17:35:00.000+02:002012-05-04T17:35:02.488+02:00Premios Liebster<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjwKuVeB2-hiwKMRk61BFXeqipK6SgRCKhfzkVh2k8qK5GP6Ma67NweCNzQA1cM40_xBtJPlNIo2xqJ_d8MJoRDJHG_EKdAKgpDeL_SrQ58douVBOPSvYUX8MirJ-wlR-icOVbxabx5JE/s1600/Liebster+blog+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="121" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjwKuVeB2-hiwKMRk61BFXeqipK6SgRCKhfzkVh2k8qK5GP6Ma67NweCNzQA1cM40_xBtJPlNIo2xqJ_d8MJoRDJHG_EKdAKgpDeL_SrQ58douVBOPSvYUX8MirJ-wlR-icOVbxabx5JE/s400/Liebster+blog+4.jpg" width="400" /></a> <a href="http://lagatacongafas.blogspot.com.es/"><b>La gata con gafas</b></a> ha tenido la
amabilidad de conceder a este blog uno de sus premios Liebster. El
funcionamiento de estos galardones consiste en que el administrador de un blog debe
seleccionar otros cinco que le gusten por alguna razón especial, con la única condición
de que ninguno de ellos supere el número de doscientos seguidores; a
continuación, los propietarios de los cinco blogs premiados deben realizar, si
quieren, sus propias recomendaciones, creando de este modo una cadena de
enlaces por toda la blogosfera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Quiero expresar mi agradecimiento
a La gata con gafas por su mención. A la hora de preparar mis premios Liebster no
me ha resultado fácil confeccionar una lista de cinco blogs, ya que siempre
duele dejar fuera a uno u otro. De todos modos lo que sigue es una lista de
blogs que suelo consultar frecuentemente y que me parecen muy recomendables por
diferentes motivos. No están todos los que son, pero son todos los que están. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b> 1.</b> <a href="http://elcineseguntfv.blogspot.com.es/"><b>El cine según Tomás Fernández Valentí</b></a>. Este blog casi no
necesita presentación. Se trata del blog personal de uno de los críticos más
conocidos y admirados de España, en especial gracias a su labor en las revistas
<i>Dirigido por… </i>e<i> Imágenes de actualidad</i>, así como a libros tan recomendables como <i><a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2009/12/david-lean-la-emocion-y-el-espectaculo.html">David Lean. La emoción y el espectáculo</a></i>.
Un lugar de encuentro imprescindible para todos los aficionados al cine.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b> </b><b>2.</b> <a href="http://esbilla.wordpress.com/"><b>Esbilla cinematográfica popular</b></a>. Completísimo blog en el que su
autor, Adrián Esbilla, hace gala de una saludable falta de prejuicios a la hora
de analizar películas pertenecientes a todo tipo de géneros, estilos y
nacionalidades, con una predilección especial por la serie B y el cine de
género europeo. Ideal para descubrir joyas ocultas del séptimo arte.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b> </b><b>3.</b> <a href="http://roxana3gark.tumblr.com/"><b>Impresiones de una principiante</b></a>. Blog personal de Roxana Gark dedicado
casi por completo a su actor favorito, el siempre excelente Ewan McGregor, de
quien publica entrevistas, fotografías, imágenes animadas e incluso algunos
diálogos de sus películas. Sin embargo en este sitio también tienen cabida
otras devociones cinéfilas de su autora como el actor Michael Fassbender o la
película <i>Midnight in Paris</i> (<i>id</i>, Woody Allen, 2011). A destacar el
hermoso acabado visual de la página, toda una fiesta para los ojos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b> </b><b>4.</b> <a href="http://annagenoves2012.blogspot.com.es/"><b>Memoria perdida</b></a>. Blog en el que su autora, Anna Genovés, publica
tanto ensayos como poemas o relatos de ficción. Los temas de sus escritos son
muy diversos, pero casi todos tienen un marcado tono autobiográfico además de un
estupendo sentido del humor que aporta un tono jocoso a su lectura. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b> </b><b>5.</b> <a href="http://elinquietantebypass2010.blogspot.com.es/"><b>El inquietante bypass</b></a>. Destaco por último este blog de reciente
creación en el que su autor, J.C. Alonso, diserta sobre sus principales
aficiones, entre ellas el cine, la música o la ficción televisiva. Un blog a
seguir con atención en el que resulta visible el entusiasmo de su autor a la
hora de escribir sobre diferentes temas que van desde Ernst Lubitsch a Mickey
Rourke pasando por la música de los Clash o el <i>film noir</i>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-86981760821620653932012-04-21T19:16:00.001+02:002012-04-21T19:18:02.590+02:00Las mejores bandas sonoras de 2011<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS2ddsbtFgcBPfAJQbnE36Cg8dqE6OTz6uz6DPncRCoYCjjLUae5NPMrIqYn7OPfOsV07c5AWdudRtdx5nWq5XrTAkgwkpiy8LA-QmSCQYM-tHl3y6Xbhde9a304vzGOYhCvGudN7iBbM/s1600/True+grit+13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS2ddsbtFgcBPfAJQbnE36Cg8dqE6OTz6uz6DPncRCoYCjjLUae5NPMrIqYn7OPfOsV07c5AWdudRtdx5nWq5XrTAkgwkpiy8LA-QmSCQYM-tHl3y6Xbhde9a304vzGOYhCvGudN7iBbM/s640/True+grit+13.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"> Como ya hice </span><a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2010/12/las-mejores-bandas-sonoras-de-2010.html" style="font-family: inherit;">el año pasado</a><span style="font-family: inherit;">,
dedico unas líneas a las cinco mejores bandas sonoras de la temporada. Antes de
nada creo conveniente precisar que me voy a centrar en composiciones
pertenecientes a películas estrenadas a lo largo de 2011 en España, de ahí que no
cite músicas tan excelentes como las de </span><i style="font-family: inherit;">War
horse</i><span style="font-family: inherit;"> (</span><i style="font-family: inherit;">id</i><span style="font-family: inherit;">, Steven Spielberg, 2011),
de John Williams, o </span><i style="font-family: inherit;">La invención de Hugo</i><span style="font-family: inherit;">
(</span><i style="font-family: inherit;">Hugo</i><span style="font-family: inherit;">, Martin Scorsese, 2011), de
Howard Shore. Por otro lado me gustaría destacar algunas partituras que no
figuran en la lista pero que bien podrían haberlo hecho: </span><i style="font-family: inherit;">El árbol de la vida </i><span style="font-family: inherit;">(</span><i style="font-family: inherit;">The tree
of life</i><span style="font-family: inherit;">, Terrence Malick, 2011), </span><i style="font-family: inherit;">Drive</i><span style="font-family: inherit;">
(</span><i style="font-family: inherit;">id</i><span style="font-family: inherit;">, Nicolas Winding Refn, 2011), </span><i style="font-family: inherit;">Cisne negro</i><span style="font-family: inherit;"> (</span><i style="font-family: inherit;">Black swan</i><span style="font-family: inherit;">, Darren Aronofsky, 2010) o </span><i style="font-family: inherit;">Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio</i><span style="font-family: inherit;"> (</span><i style="font-family: inherit;">The adventures of Tintin: The secret of the
unicorn</i><span style="font-family: inherit;">, 2011), compuestas respectivamente por Alexandre Desplat, Cliff
Martinez, Clint Mansell y John Williams. De todos modos mis bandas sonoras favoritas de 2011 son las siguientes:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: center;">
<b>1. The artist</b> de Ludovic Bource</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHsi4w1RFCG4la4H92Y4EUtxQtIvxsjxT_8GRL5DvAIYlhkcA-hrnwx67SwalggscsBT5dpk1HahCMIXRjAvVvWwA5y46-EWX99U32t9dVCYu__vI8vSyG99I2k6ZxvSwKgbBqoOaoO34/s1600/The+artist+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHsi4w1RFCG4la4H92Y4EUtxQtIvxsjxT_8GRL5DvAIYlhkcA-hrnwx67SwalggscsBT5dpk1HahCMIXRjAvVvWwA5y46-EWX99U32t9dVCYu__vI8vSyG99I2k6ZxvSwKgbBqoOaoO34/s400/The+artist+3.jpg" width="270" /></a></div>
<i>The artist</i> (<i>id</i>, 2011), la
estupenda película de Michel Hazanavicius, ha supuesto un verdadero <i>tour de force</i> para su compositor
habitual Ludovic Bource. Al tratarse de un film (casi enteramente) mudo, el
compositor francés tenía el gran reto de acompañar musicalmente todas y cada
una de sus secuencias, a excepción de los momentos de silencio absoluto y de la
incorporación de unos pocos temas ajenos como la canción <i>Pennies from Heaven</i> o el tema de amor compuesto por Bernard
Herrmann para <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2010/12/bernard-herrmann-y-la-banda-sonora-de.html"><i>Vértigo</i> (<i>Vertigo</i>, Alfred Hitchcock, 1958)</a>. El resultado es francamente encomiable y supone un magnífico
homenaje tanto a las partituras del cine mudo como a las grandes bandas sonoras
del período clásico de Hollywood. Existen muchos momentos admirables en el
trabajo de Bource: la enérgica obertura de los títulos de crédito iniciales; el
ya famoso leitmotiv, de carácter alegre y juguetón, dedicado al personaje de
George Valentin; la espectacular música sinfónica de las ficticias películas interpretadas
por el galán; el hermoso vals asociado al personaje de Peppy Miller; los
melancólicos y elegantes temas que ilustran la caída en el olvido del
protagonista; la intensa música dramática que acompaña la secuencia del incendio
en la casa de Valentin…<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/ub03XGh0lcI" width="560"></iframe><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/b7ZCtSUbvT0" width="560"></iframe>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>2. Valor de ley</b> de Carter Burwell</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVBGnI9r0PJSx9O5GI126IA50QRFass_5HcfuZSV81NWEijZNJJhwq4OeIYJLlPQyT5YWyl4HU1QStwQuFhl3PUEP30l-gZMb-8myTOP1ZUuSTpXJbBUB003IoT51uKUoDlNCENt8jtP0/s1600/True+grit+19.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVBGnI9r0PJSx9O5GI126IA50QRFass_5HcfuZSV81NWEijZNJJhwq4OeIYJLlPQyT5YWyl4HU1QStwQuFhl3PUEP30l-gZMb-8myTOP1ZUuSTpXJbBUB003IoT51uKUoDlNCENt8jtP0/s400/True+grit+19.jpg" width="273" /></a></div>
Son muchos quienes se limitan a
considerar a Carter Burwell como el músico por excelencia de los hermanos Coen,
pero este veterano compositor es mucho más que eso, tal y como demuestran
excelentes partituras como las de <i>Conspiración</i>
(<i>Conspiracy theory</i>, Richard Donner,
1997), <i>Dioses y monstruos</i> (<i>Gods and monsters</i>, Bill Condon, 1998), <i>La hija del general</i> (<i>The general’s daughter</i>, Simon West, 1999)
o <i>Antes que el diablo sepa que has muerto</i>
(<i>Before the devil knows you’re dead</i>,
Sidney Lumet, 2007). En <i>Valor de ley</i>
(<i>True grit</i>, Joel y Ethan Coen, 2010)
Burwell ha optado inteligentemente por distanciarse de la espectacular banda
sonora compuesta por Elmer Bernstein para la película original de Henry
Hathaway, decantándose por una partitura mucho más intimista y sensible, con
una gran presencia del piano, que realza el carácter iniciático de las
aventuras de la joven Mattie interpretada por Hailee Steinfeld. A pesar de ello
tampoco faltan momentos de gran intensidad en secuencias como el cruce del río
o el tiroteo final, momentos en los que Burwell da rienda suelta a su aliento
épico. Sin duda una gran banda sonora y una notable aportación musical al
género del western.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/R3pXjCU5FT0" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/UfKjAXWxgOU" width="560"></iframe>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>3. El topo</b> de Alberto Iglesias</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAA0RAKib1UlKz5g6PjoXQMy0vImD96fdXF1vVTZBm9v63-fG065zrE37rYm8grAfHqAzpOHTOyLMB6vk8i47M32wnzf7fFAwXYgvJVr1vG6Unibg1RyWBul7UlSQ3e-tVP3ie96N9tNg/s1600/El+topo+8.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAA0RAKib1UlKz5g6PjoXQMy0vImD96fdXF1vVTZBm9v63-fG065zrE37rYm8grAfHqAzpOHTOyLMB6vk8i47M32wnzf7fFAwXYgvJVr1vG6Unibg1RyWBul7UlSQ3e-tVP3ie96N9tNg/s400/El+topo+8.jpg" width="267" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Antes de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2012/02/un-traidor-entre-nosotros-el-topo.html"><i>El topo</i> (<i>Tinker Tailor Soldier Spy</i>, Tomas Alfredson, 2011)</a> el compositor donostiarra Alberto Iglesias ya
había puesto música a otra adaptación de una novela de John le Carré en <i>El jardinero fiel</i> (<i>The constant gardener</i>, Fernando Meirelles, 2005). Sin embargo los
dos trabajos no podrían ser más diferentes entre sí, pues la ambientación
africana de <i>El jardinero fiel</i> le
permitió al compositor experimentar con la música étnica. En cambio para la
película de Alfredson, ambientada en los años 70 con la guerra fría como telón
de fondo, Iglesias se ha decantado por el jazz, una opción perfecta para
describir la frialdad del mundo del espionaje. La partitura está presidida por
un tema dedicado a George Smiley, el triste y solitario protagonista de <i>El topo</i> cuyas andadas están acompañadas
por Iglesias con una melancólica trompeta. En los momentos de suspense el
músico ofrece una música más enérgica y nerviosa, recurriendo en contadas
ocasiones a la guitarra eléctrica, mientras que en los momentos más apesadumbrados
cobran un especial protagonismo el piano y los instrumentos de cuerda. En suma
una banda sonora sutil pero muy adecuada para las dramáticas imágenes de la
película y que supone un importante paso en firme en la trayectoria
internacional del compositor.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/DNhkUG8kMwQ" width="420"></iframe>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/-STu9rnfk5A" width="420"></iframe>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>4. X-Men: Primera generación</b> de Henry Jackman</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2fSGkFDt_r3CLJX6_aReGhGsAGAQhidgkntxwOgMqPWxDBBeYinZBPjMtk_e-mpRbv9UEXVVFyiiN943irHXHvH2UhKUoaNZ6id-MJ0AQuPMMFnHc_XnLnCZb1UimaM9IR8T9T53e_hk/s1600/X-men+primera+generacion+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2fSGkFDt_r3CLJX6_aReGhGsAGAQhidgkntxwOgMqPWxDBBeYinZBPjMtk_e-mpRbv9UEXVVFyiiN943irHXHvH2UhKUoaNZ6id-MJ0AQuPMMFnHc_XnLnCZb1UimaM9IR8T9T53e_hk/s400/X-men+primera+generacion+5.jpg" width="270" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
A diferencia de otras sagas
cinematográficas de superhéroes, la de los X-Men ha contado con un compositor
diferente para cada una de sus entregas, desde el ya fallecido Michael Kamen en
la primera parte hasta músicos más jóvenes como John Ottman, John Powell o
Harry Gregson-Williams en las sucesivas secuelas. En <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2011/06/x-men-primera-generacion-lo-que-sucedio.html"><i>X-Men: Primera generación</i> (<i>X-Men: First class</i>, Matthew Vaughn, 2011)</a> el músico elegido ha sido Henry Jackman,
quien a pesar de su corta experiencia en el mundo de las bandas sonoras ha
realizado el mejor trabajo musical de la saga. De su partitura destacan
especialmente dos temas realmente brillantes: el primero, un himno dedicado a
la patrulla X, describe con energía el valor y la heroicidad del grupo de
jóvenes mutantes y aparece en los momentos más espectaculares de la cinta; el
segundo, mucho más contundente, está dedicado al vengativo personaje de Magneto
y destaca por la poderosa presencia de la guitarra eléctrica, aportando gran
intensidad a secuencias como la caza de nazis en Argentina. No es de extrañar
que varios fragmentos de esta estupenda banda sonora ya estén siendo utilizados
en diversos tráilers y spots publicitarios, augurando un futuro muy prometedor
para Jackman.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/GLH6XxtJTlw" width="420"></iframe>
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/rPHvxv2mepI" width="420"></iframe><span style="text-align: center;"> </span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>5. Super 8</b> de Michael Giacchino</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI2Rbmjef9QChXMcK0SxZFb0-_nm29G8HvFmmOHVx5J6qPza4dOEq6edyImHGxNDsAY_0-zUQQOOlCqSbqxBulMyDEJETozM6k-FWMI1uF7ZF5sYBLbd-5dQdTiB7oEo86w02AIFg5bOc/s1600/Super+8+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI2Rbmjef9QChXMcK0SxZFb0-_nm29G8HvFmmOHVx5J6qPza4dOEq6edyImHGxNDsAY_0-zUQQOOlCqSbqxBulMyDEJETozM6k-FWMI1uF7ZF5sYBLbd-5dQdTiB7oEo86w02AIFg5bOc/s400/Super+8+5.jpg" width="270" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La colaboración entre el
compositor Michael Giacchino y el director, productor y guionista J.J. Abrams
es una de las más sólidas e interesantes de la última década, especialmente
gracias a la ya legendaria serie de televisión <i>Perdidos </i>(<i>Lost</i>,
2004-2010). Para <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2011/09/cuaderno-de-notas-ii.html"><i>Super 8</i> (<i>id</i>, 2011)</a>, la irregular tercera película
dirigida por Abrams, Giacchino ha confeccionado una de sus bandas sonoras más
completas, con temas que basculan entre la melancolía, la aventura, el romanticismo
o el terror. Existen multitud de instantes memorables en este trabajo, desde el
leitmotiv dedicado a la pareja de niños hasta los momentos de suspense en los
que se percibe la presencia de la misteriosa criatura, pasando por la música amenazadora
dedicada al ejército o el magnífico tema de la despedida final. Merece la pena
destacar la música compuesta por Giacchino para el ficticio cortometraje que
los protagonistas filman a lo largo de su aventura y que aparece durante los
títulos de crédito finales de <i>Super 8</i>:
más de tres minutos de puro homenaje a la ciencia ficción de serie B, con la
inclusión de la entrañable música de theremin siempre asociada al género desde
que <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com.es/2011/07/recordando-bernard-herrmann-primera.html">Bernard Herrmann</a> la utilizara en <i>Ultimátum
a la Tierra </i>(<i>The day the Earth stood
still</i>, Robert Wise, 1951).</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/QrrZhxPBJPY" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/4lZgM26k2ck" width="560"></iframe>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-54697429085333054742012-03-09T10:46:00.000+01:002012-03-09T10:46:25.604+01:00Las mejores películas de 2011<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzJzMurY95AQBkVj8HbA6U7R4pWsxKcUeG311Xk6da0NtCkSCjtxeTmNKRd-Tr_OeSD0Kr6F7WaG9TI1EM92R874ZP8rQ6j06dng38uK-1WbYIY4L5AGAzzyZkJ9XVuDr91D7V36bZ7TU/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+35.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzJzMurY95AQBkVj8HbA6U7R4pWsxKcUeG311Xk6da0NtCkSCjtxeTmNKRd-Tr_OeSD0Kr6F7WaG9TI1EM92R874ZP8rQ6j06dng38uK-1WbYIY4L5AGAzzyZkJ9XVuDr91D7V36bZ7TU/s640/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+35.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En esta ocasión he preferido publicar la lista de mis películas favoritas del año algo más tarde de lo habitual, una vez he podido recuperar algunos títulos que aún no había tenido tiempo de ver. Como siempre me he centrado en películas estrenadas en España desde enero hasta diciembre del año pasado. En mi opinión 2011 no fue un gran año de cine, pero lo cierto es que poco a poco fueron apareciendo notables películas, algunas de ellas imprescindibles. Lo que sigue es una selección de diez títulos, algunos de ellos muy diferentes entre sí pero en mi opinión igualmente recomendables.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>1. El árbol de la vida</b> <br />
de Terrence Malick</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXhJF6ojwFOxuqveuyzaXojFT8PsJefvoqn3MjXOAxjqxAOggyupAEhhKIKdP-w-wvd1hHGLaaW89YPBC2V1CU_USychJrTL7FDqwgu7C9k1TAK4ml51qUL3W735BaIznpa7ohSjnwkLQ/s1600/El+%C3%A1rbol+de+la+vida+50.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXhJF6ojwFOxuqveuyzaXojFT8PsJefvoqn3MjXOAxjqxAOggyupAEhhKIKdP-w-wvd1hHGLaaW89YPBC2V1CU_USychJrTL7FDqwgu7C9k1TAK4ml51qUL3W735BaIznpa7ohSjnwkLQ/s640/El+%C3%A1rbol+de+la+vida+50.jpg" width="403" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por la belleza de sus imágenes, por la libertad creativa que transmite cada uno de sus fotogramas, por la emoción con la que retrata la existencia humana, por todos aquellos espectadores que la han vivido como una experiencia única e incluso por todos aquellos que ni siquiera han podido aguantar su visionado. Por todos estos motivos y por muchos más <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/10/recuerdos-de-la-infancia-perdida-el.html"><i>El árbol de la vida </i>(<i>The tree of life</i>, Terrence Malick, 2011)</a> merece ser considerada la película del año.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="tab-stops: 239.0pt; text-align: center;">
<b>2. Más allá de la vida</b> <br />
de Clint Eastwood</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="tab-stops: 239.0pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmI3Sc35GDz6T-CWJHhK64xCQsYy9hBpId_qFt24n9ZfJhlEhzp0G5ilOlfIi-QyxOeXyS8c8lqZkFmQp5HfUs1zsTUeztBp5Jw48NYP7ke8hzO6qM03f79j4OSeJhyphenhyphenpaqTo-ZG7xs7KI/s1600/M%C3%A1s+all%C3%A1+de+la+vida+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmI3Sc35GDz6T-CWJHhK64xCQsYy9hBpId_qFt24n9ZfJhlEhzp0G5ilOlfIi-QyxOeXyS8c8lqZkFmQp5HfUs1zsTUeztBp5Jw48NYP7ke8hzO6qM03f79j4OSeJhyphenhyphenpaqTo-ZG7xs7KI/s640/M%C3%A1s+all%C3%A1+de+la+vida+2.jpg" width="432" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="tab-stops: 239.0pt; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Sin duda la gran película a reivindicar de la temporada, <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/02/mas-alla-de-la-vida-un-eastwood-menor.html"><i>Más allá da la vida </i>(<i>Hereafter</i>, 2010)</a> es también uno de los títulos más infravalorados de Clint Eastwood. El que sin duda es el mejor cineasta de nuestros días demuestra de nuevo su sensibilidad a la hora de retratar a unos personajes cuya obsesión con la muerte les impide disfrutar de la vida. Algunas secuencias (el tsunami que arrasa Tailandia, le evolución de la historia de amor entre Matt Damon y Bryce Dallas Howard) están a la altura de lo mejor de su director.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>3. Drive</b> <br />
de Nicolas Winding Refn</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIY4w-5YfsL7m8T88ZnWyOcVcCNe1npTwQxm1Q4YwsaPH0Zm2CNxSjcFCxo7Xt_b5Ej77Hq0Q1tcmuqW-HVg9FwyNJw0oqZFw-OePTGyoLGQuuz_p-4Y1mFdki5lxmj8klPjMfdaSqUo0/s1600/Drive+10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIY4w-5YfsL7m8T88ZnWyOcVcCNe1npTwQxm1Q4YwsaPH0Zm2CNxSjcFCxo7Xt_b5Ej77Hq0Q1tcmuqW-HVg9FwyNJw0oqZFw-OePTGyoLGQuuz_p-4Y1mFdki5lxmj8klPjMfdaSqUo0/s640/Drive+10.jpg" width="448" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Lo primero que sorprende de <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2012/01/la-soledad-del-conductor-drive.html"><i>Drive</i> (<i>id</i>, 2011)</a> es que su director, el danés Nicolas Winding Refn, ni siquiera sabe conducir. Pero su película es mucho más que una historia de persecuciones y conductores solitarios; es, ante todo, el ejercicio de estilo más <i>cool</i> de la temporada, un relato negro dotado de una puesta en escena tan fascinante como la chaqueta que siempre lleva el misterioso personaje encarnado por un espléndido Ryan Gosling.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>4. The artist </b><br />
de Michel Hazanavicius</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWy7TS-hOBS2OJjONWk6X9Zyz375OpOu23ctONwL7nqENY-56dTZFHZSAnrKPTDJyzMM4I7nc4ELAN0QCOs2A5QMqOvxZhPHH6YqYkmVdLp4A1VA5samExMojTm14-zuDJdx7dARReaaU/s1600/The+artist+2.bmp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWy7TS-hOBS2OJjONWk6X9Zyz375OpOu23ctONwL7nqENY-56dTZFHZSAnrKPTDJyzMM4I7nc4ELAN0QCOs2A5QMqOvxZhPHH6YqYkmVdLp4A1VA5samExMojTm14-zuDJdx7dARReaaU/s640/The+artist+2.bmp" width="480" yda="true" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<i>The artist</i> (<i>id</i>, Michel Hazanavicius, 2011) es una de esas joyas que solo aparecen de vez en cuando, una película surgida prácticamente de la nada que se ha ganado el corazón de todo tipo de espectadores rindiendo tributo a un cine, el mudo, que aún espera ser descubierto por toda una generación. Hacía años que una película tan buena no ganaba el Oscar.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>5. El topo</b> <br />
de Tomas Alfredson<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwSOL9wesEnoU4J7ARl4PpKNWAijeR3Gydzks9_duysHdkZNkydpW5-GnuVfwARJ5Eab40mECv0H73Ad1D_IUIJPv2pdaaOkBTwpLSl8Qfkl7kf6YRzmZ-zNFMFn8cnp0CUnGc16g8cL0/s1600/El+topo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwSOL9wesEnoU4J7ARl4PpKNWAijeR3Gydzks9_duysHdkZNkydpW5-GnuVfwARJ5Eab40mECv0H73Ad1D_IUIJPv2pdaaOkBTwpLSl8Qfkl7kf6YRzmZ-zNFMFn8cnp0CUnGc16g8cL0/s640/El+topo.jpg" width="443" yda="true" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2012/02/un-traidor-entre-nosotros-el-topo.html"><i>El topo</i> (<i>Tinker Tailor Soldier Spy</i>, Tomas Alfredson, 2011)</a> nos devuelve el mejor cine de espías con una compleja historia de engaño, traición y soledad. El escritor John le Carré debe de sentirse orgulloso por cómo un extraordinario grupo de actores ha dotado de vida a los personajes surgidos de su pluma. Crucemos los dedos y esperemos encontrarnos de nuevo con el George Smiley al que interpreta un magistral Gary Oldman.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>6. Cisne negro</b> <br />
de Darren Aronofsky<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZBJWzUl1zBmzBsO95keglwUQpUcdCgZp7OYUALkrQtnVH1qIq60k05tIBKsJCVRwf6Tx98oM9MG5atcK0Q7Zc1Wbd4x7J8kpEBhDyme46kL7mqAl4FNyh0tzI5qVWsEUOdfqokgDITMI/s1600/Cisne+negro+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZBJWzUl1zBmzBsO95keglwUQpUcdCgZp7OYUALkrQtnVH1qIq60k05tIBKsJCVRwf6Tx98oM9MG5atcK0Q7Zc1Wbd4x7J8kpEBhDyme46kL7mqAl4FNyh0tzI5qVWsEUOdfqokgDITMI/s640/Cisne+negro+3.jpg" width="435" yda="true" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/04/cisne-negro-las-dos-caras-de-nina.html"><i>Cisne negro</i> (<i>Black swan</i>, Darren Aronofsky, 2010)</a> será recordada durante mucho tiempo por la impresionante interpretación de una Natalie Portman en estado de gracia, pero es que además se trata de una película barroca, densa y asfixiante en la que cohabitan referentes tan diversos como Alfred Hitchcock, Roman Polanski o Satoshi Kon. Tchaikovsky se sorprendería de ver una representación de <i>El lago de los cisnes</i> tan inquietante como ésta.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>7. Mother</b> <br />
de Bong Joon-Ho<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE0jjp4PrFBYp7sm8R-8fQe6AS3ZuKHtZQr4_dexjNRiAuSKAbtt10Dv_tVvWyb66BZCsSHnHHdwuj01ejDCY5N62DD6GYlvP0PuUPUTlPuMR1_Kn9ngtjQ1NMelyZevc35J-VNzdMzLs/s1600/Mother+4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE0jjp4PrFBYp7sm8R-8fQe6AS3ZuKHtZQr4_dexjNRiAuSKAbtt10Dv_tVvWyb66BZCsSHnHHdwuj01ejDCY5N62DD6GYlvP0PuUPUTlPuMR1_Kn9ngtjQ1NMelyZevc35J-VNzdMzLs/s640/Mother+4.jpg" width="444" yda="true" /></a></div>
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Es realmente triste que una película de la calidad de <i>Mother </i>(<i>Madeo</i>, Bong Joon-Ho, 2009) no haya sido estrenada en los cines de España, siendo explotada directamente en dvd y además con bastante retraso. Esta joya del cine policíaco, que en muchos aspectos prosigue el camino trazado por su director en la no menos recomendable <i>Memories of murder</i> (<i>Salinui chueok</i>, Bong Joon-Ho, 2003), analiza hasta donde puede llegar una madre (genialmente interpretada por Kim Hye-Ja) con tal de demostrar la inocencia de su hijo en un espeluznante caso de asesinato. Una película dura, intensa, apasionante.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>8. Melancolía</b> <br />
de Lars von Trier<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdycnTr8X0itfu_gglpVitLmxEHEazeEzQJngQ64dRzNmFR5WVFuub454goUCovqU2BE388r9QpboutIYGVTz5yJvpGaHv-hM4iMFfB0VBJfT_W0IxY7UPTQwQ5DdYEkx8qB77qRqe_r8/s1600/Melancolia+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdycnTr8X0itfu_gglpVitLmxEHEazeEzQJngQ64dRzNmFR5WVFuub454goUCovqU2BE388r9QpboutIYGVTz5yJvpGaHv-hM4iMFfB0VBJfT_W0IxY7UPTQwQ5DdYEkx8qB77qRqe_r8/s640/Melancolia+3.jpg" width="433" yda="true" /></a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/12/fin-del-mundo-ritmo-de-wagner.html"><i>Melancolía</i> (<i>Melancholia</i>, Lars von Trier, 2011)</a> es una película capaz de hablarnos del fin del mundo haciendo gala de una estética que deja sin habla por su belleza, brindándonos además un inolvidable prólogo acompañado de música wagneriana. Por esta película Kirsten Dunst rivaliza seriamente con Natalie Portman por el podio a la mejor interpretación del año.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>9. Valor de ley</b> <br />
de Joel y Ethan Coen<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkjWZQ6SsU1uX8EO3B7Lg8M2Osb93qVjWylrBKsBb5APDp1IoC0oYuksLvzz3UXn7bTba_4CLjTEZjCGKiSMAkv9iep6hmY3cojyn_Bw3FY5i17FMl0y6_VCgYmDTGgBjnWBvI6lcaN7k/s1600/True+grit+22.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkjWZQ6SsU1uX8EO3B7Lg8M2Osb93qVjWylrBKsBb5APDp1IoC0oYuksLvzz3UXn7bTba_4CLjTEZjCGKiSMAkv9iep6hmY3cojyn_Bw3FY5i17FMl0y6_VCgYmDTGgBjnWBvI6lcaN7k/s640/True+grit+22.jpg" width="436" yda="true" /></a></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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Considero que en muchos aspectos <i>Valor de ley</i> (<i>True grit</i>, Joel y Ethan Coen, 2010) es inferior a la película del mismo título dirigida por Henry Hathaway en 1969. A pesar de ello su clasicismo formal, la hermosa fotografía de Roger Deakins, la excelente banda sonora de Carter Burwell y las estupendas interpretaciones de Jeff Bridges y Hailee Steinfeld hacen de este film uno de los mejores westerns de la última década.</div>
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<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>10. X-Men: Primera generación</b> <br />
de Matthew Vaughn<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTcy4BGBcxQvGLMrVc_-11yc3K6-Ud0l5SXmqcHJG-DGyAC4_pCJ_dVR_-9k_l1JFOBUPxwgwV3fmaXc0CzDqlUsPbZCJSx5YIcPF9QeghlhoWucNhJP-tFMUB8NVsl5S4Ma_yh9oJtt0/s1600/X-men+primera+generacion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTcy4BGBcxQvGLMrVc_-11yc3K6-Ud0l5SXmqcHJG-DGyAC4_pCJ_dVR_-9k_l1JFOBUPxwgwV3fmaXc0CzDqlUsPbZCJSx5YIcPF9QeghlhoWucNhJP-tFMUB8NVsl5S4Ma_yh9oJtt0/s640/X-men+primera+generacion.jpg" width="440" yda="true" /></a></div>
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<a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/06/x-men-primera-generacion-lo-que-sucedio.html"><i>X-Men: Primera generación</i> (<i>X-Men: First class</i>, Matthew Vaughn, 2011)</a> es un gozoso divertimento fruto una coctelera en la que se mezclan ingredientes tan diversos como los superhéroes del cómic, la estética de los años 60, la guerra fría y la crisis de los misiles cubanos. Michael Fassbender, actor que ha llegado para quedarse, está sencillamente sensacional.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com16tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-39597527703611483002012-02-19T19:48:00.000+01:002012-02-19T19:48:07.661+01:00Un traidor entre nosotros: EL TOPO<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7XRluACmjmh7UBnaSOzfO5muqjLrYUwYzQSvbjliPZoZ6uaW3dLJvcJYbbOskYsAgnAF48qoHPOOdqWX5mYQBjUzknBV9xaQmVmjMk3kJAw2SeOrg14690Y9cAs85jCGSYnhJ1Jlezlo/s1600/El+topo+15.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="345" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7XRluACmjmh7UBnaSOzfO5muqjLrYUwYzQSvbjliPZoZ6uaW3dLJvcJYbbOskYsAgnAF48qoHPOOdqWX5mYQBjUzknBV9xaQmVmjMk3kJAw2SeOrg14690Y9cAs85jCGSYnhJ1Jlezlo/s640/El+topo+15.jpg" width="640" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> El estreno de <i>El topo</i> (<i>Tinker Tailor Soldier Spy</i>, Tomas Alfredson, 2011) sirve para constatar lo bien que siempre se ha llevado el cine con la obra literaria de John le Carré. Concretamente dos películas como <i>El espía que surgió del frío</i> (<i>The spy who came in from the cold</i>, Martin Ritt, 1965) y <i>Llamada para el muerto</i> (<i>The deadly affair</i>, Sidney Lumet, 1966) aportaron una mirada escéptica y escasamente sofisticada de la guerra fría y del mundo del espionaje, sirviendo de contraste a las por otro lado estupendas aventuras cinematográficas del agente 007 protagonizadas por Sean Connery. Todo ello sin olvidar un título como <i>La casa Rusia</i> (<i>The Russia House</i>, Fred Schepisi, 1990), simbólica despedida de una manera de concebir el cine de espías filmada en los estertores de la Unión Soviética, por no hablar de cintas posteriores como <i>El sastre de Panamá</i> (<i>The tailor of Panama</i>, John Boorman, 2001) o <i>El jardinero fiel</i> (<i>The constant gardener</i>, Fernando Meirelles, 2005), incisivas visiones de la política internacional de nuestros días. Curiosamente en dos de los títulos citados ya aparecía George Smiley, el personaje al que da vida Gary Oldman en <i>El topo</i>: en <i>El espía que surgió del frío</i> en un papel secundario bajo los rasgos de Rupert Davies y en <i>Llamada para el muerto</i> como personaje principal a cargo de James Mason; además Sir Alec Guinness también le dio vida en dos series de televisión, una de las cuales, <i>Calderero, sastre, soldado, espía</i> (<i>Tinker, Tailor, Soldier, Spy</i>, John Irvin, 1979), adaptaba la misma novela en la que se basa la película de Tomas Alfredson.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9TXHfPR0nYRJNywTLTg5tBRoJBMH6z6YYysxkIhKGpNuhohm2h0E9ydOaYVlCtG5ZUQ-pZRD6GVnXNxTgLsmXwVg6WKfyUU3owWkdMvtJKP6GpcNOacFPEk0avBGZpWKe5XGQoSdZx_I/s1600/El+topo+24.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTCgGLtZd8QuITsqW3jmir9rzlVpJmqozXuZCSibn7YKD2xZDNWFx6dQP2o7fLMDRgbg2eE1lpYuszeiJNm7_qTFxsgred7zfWmJStrJOoWT_g_b9okpb51hI9sad3_CcWmppm78W_M0E/s1600/El+topo+9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTCgGLtZd8QuITsqW3jmir9rzlVpJmqozXuZCSibn7YKD2xZDNWFx6dQP2o7fLMDRgbg2eE1lpYuszeiJNm7_qTFxsgred7zfWmJStrJOoWT_g_b9okpb51hI9sad3_CcWmppm78W_M0E/s400/El+topo+9.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt-73gDi2qD9lulUZotx2qgCXbwA5An8uYZXOVcVbXY-XKXrxT-iU3fhB93EC_YwGZRynwwJGojMYsA7F-q8UUDBDj9t-vX0xjxsS05li8F3QnLDvf3YUeOuGD_X-T7GvNiylTDRJSHsk/s1600/El+topo+24.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt-73gDi2qD9lulUZotx2qgCXbwA5An8uYZXOVcVbXY-XKXrxT-iU3fhB93EC_YwGZRynwwJGojMYsA7F-q8UUDBDj9t-vX0xjxsS05li8F3QnLDvf3YUeOuGD_X-T7GvNiylTDRJSHsk/s400/El+topo+24.jpg" width="400" /></a> De entrada <i>El topo</i> presenta una característica que la distancia de los largometrajes citados líneas atrás: de todas las películas inspiradas en las novelas de le Carré ambientadas en la guerra fría, <i>El topo</i> es la primera realizada una vez ese conflicto ha finalizado, siendo hoy recordado como uno de los capítulos más tristes y dramáticos de la historia del siglo XX. Quizá por ello el tono áspero y desencantado que caracteriza la obra del escritor británico impregna la película de Alfredson desde el primer hasta el último fotograma. De este modo el paisaje humano que describe <i>El topo</i> no puede ser más desolador, con la traición como un elemento muy presente en las vidas de todos los personajes. De hecho la trama principal de la cinta describe cómo George Smiley debe descubrir cual de los altos funcionarios del servicio secreto británico con los que trabaja es un traidor que pasa información secreta a los rusos. Sin embargo el acto de la traición o el sentimiento de sentirse traicionado es extrapolable a todos los seres que rodean la existencia de Smiley: su esposa Ann (Katrina Vasilieva) le ha abandonado tras engañarle con uno de sus compañeros de trabajo; el espía Jim Prideaux (Mark Strong) sufre en sus propias carnes la traición del topo cuando cae en una trampa en Budapest; Smiley descubre con gran dolor que su anterior superior Control (John Hurt) le consideraba a él uno de los principales sospechosos de ser el topo; el arribista Percy Alleline (Toby Jones) aprovecha el descrédito de sus compañeros de profesión para escalar posiciones en la cúpula del MI6; el agente Peter Guillam (Benedict Cumberbatch) se ve obligado a abandonar a su amante homosexual antes de que su relación secreta salga a la luz y ponga en peligro su trabajo en el servicio de inteligencia… Ni siquiera el propio Smiley está completamente libre de culpa, puesto que le promete al agente inglés Ricki Tarr (Tom Hardy) ayudarle a sacar a su amada Irina (Svetlana Khodchenkova) de la Unión Soviética a cambio de su colaboración en el caso, a pesar de saber que le será prácticamente imposible cumplir esa promesa.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4WUkjw05BXvimkCfIfKpnCiq8MUWDaSsjJhNFfMVw4-4CuO4rbZRuhjGgx6EXQX3Z9ZVrSzGzBDeFj4JZjrYZLsilJX7n3de2cpZRXPACgg-nf-MYjl3rsIOvlUHxXvoBQHV1Yu73htI/s1600/El+topo+23.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4WUkjw05BXvimkCfIfKpnCiq8MUWDaSsjJhNFfMVw4-4CuO4rbZRuhjGgx6EXQX3Z9ZVrSzGzBDeFj4JZjrYZLsilJX7n3de2cpZRXPACgg-nf-MYjl3rsIOvlUHxXvoBQHV1Yu73htI/s400/El+topo+23.jpg" width="400" /></a></div> La magnífica interpretación de Gary Oldman resulta en todo momento fundamental para transmitir la desesperanza y el abatimiento de George Smiley. El actor inglés, con toda probabilidad en la mejor interpretación de su carrera, compone un Smiley frío, distante, solitario y observador que apenas habla o se relaciona con los demás. Un simple gesto o una simple mirada le bastan a Oldman para transmitir la angustia vital de un inteligente jugador inmerso en una peligrosa partida de ajedrez que no se juega con piezas de madera sino con seres humanos. En ese sentido resultan espléndidas las breves escenas con las que su personaje queda descrito al comienzo de la película: tras dimitir del servicio secreto a indicación de Control (atención a ese gesto de Smiley cuando su superior le indica que debe abandonar el puesto, algo que aceptará a pesar de su sorpresa) vemos al protagonista realizando sus rutinas diarias y no será hasta que se reincorpore al MI6 cuando le veremos hablar por primera vez. Más tarde, en una de las secuencias más intensas de <i>El topo</i>, un Smiley visiblemente afectado por el alcohol rememorará la ocasión en la que conoció brevemente a Karla, jefe del servicio secreto soviético y su más directo rival: la triste mirada de Smiley y la parsimonia con la que pronuncia su monólogo evidencian que, en el fondo, el mundo de los espías ha dejado de tener sentido para él, pues en realidad los métodos y los procedimientos seguidos por espías británicos y soviéticos son igual de retorcidos y despiadados. Tal y como en una ocasión le comenta una antigua compañera de trabajo, al menos la Segunda Guerra Mundial era un conflicto de cuya participación podían sentirse orgullosos.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7mhpY3Ca7UaqP6XN1AMaoj9fcaT5A7C0VUDTp64QLx9a4l6hVW3IRl4GGCgmYknZjo2c-gwP9FkmSc5PGKdvPQFPCouRMO2FQVGeWovrCV-apVyq_Awt3-XF75XRu-JPuE_UfiGvEW60/s1600/El+topo+20.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7mhpY3Ca7UaqP6XN1AMaoj9fcaT5A7C0VUDTp64QLx9a4l6hVW3IRl4GGCgmYknZjo2c-gwP9FkmSc5PGKdvPQFPCouRMO2FQVGeWovrCV-apVyq_Awt3-XF75XRu-JPuE_UfiGvEW60/s400/El+topo+20.jpg" width="400" /></a></div> Confirmando el talento demostrado en su anterior cinta de terror <i>Déjame entrar</i> (<i>Låt den rätte komma in</i>, 2008), el director Tomas Alfredson narra con claridad y fluidez esta compleja historia repleta de mentiras, engaños y medias verdades, describiendo con precisión ese gélido mundo de espías en el que se hallan atrapados todos los personajes. Su brillante labor tras las cámaras queda demostrada con pasajes tan logrados como la reunión del agente Jim Prideaux con un misterioso contacto en Budapest, momento repleto de tensión e intriga; el robo de unos documentos secretos por parte de Peter Guillam, secuencia de un logrado suspense y con un eficaz uso del montaje en paralelo; el hitchcockiano plano en la que Ricki Tarr observa las diferentes acciones que se producen en el apartamento de Irina a través de sus ventanas; la tensa conversación que se produce entre el sospechoso Toby Esterhase (David Dencik) y Smiley en una pista de aterrizaje; la expectación creada cuando, oculto en un piso franco, Smiley está a punto de descubrir la identidad del topo; o el montaje final que nos muestra cómo la resolución del caso ha afectado a la vida de todos los personajes, brillante conclusión acompañada por una versión de <i>La mer</i>… interpretada por Julio Iglesias. </div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwwd_TArLivb5k5CF3AHnZTYt__evMa-gVFZ0zE3cjZFdpo1ZcNnf4dUAvFgo69Ez8JYx9er8WeP1iNirFLSWIWkieJnjtVlR64idtKsPIFEGppk2CcXP_GARv4rKnDfBHpJpJ3EKyB_k/s1600/El+topo+18.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwwd_TArLivb5k5CF3AHnZTYt__evMa-gVFZ0zE3cjZFdpo1ZcNnf4dUAvFgo69Ez8JYx9er8WeP1iNirFLSWIWkieJnjtVlR64idtKsPIFEGppk2CcXP_GARv4rKnDfBHpJpJ3EKyB_k/s640/El+topo+18.jpg" width="640" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-24671780971662362252012-01-13T12:02:00.001+01:002012-02-12T20:52:28.958+01:00La soledad del conductor: DRIVE<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjUYGWuOyIhYdLko-kPEQxIuBEMHa67lnio6WDi7AOsUu8XTEpd7GtewROGIBjWjwusdkphjTW2m7lh2sQ6H53XWJmE1qJDRvQ7CX6dH3eZjsoMy2Sryvgcy7XXXTCzeuVUVWn2fz1UNQ/s1600/Drive+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjUYGWuOyIhYdLko-kPEQxIuBEMHa67lnio6WDi7AOsUu8XTEpd7GtewROGIBjWjwusdkphjTW2m7lh2sQ6H53XWJmE1qJDRvQ7CX6dH3eZjsoMy2Sryvgcy7XXXTCzeuVUVWn2fz1UNQ/s640/Drive+3.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> No existe un solo momento a lo largo de <em>Drive </em>(<em>id</em>, Nicolas Winding Refn, 2011) en el que se pronuncie el nombre del personaje admirablemente interpretado por Ryan Gosling. Se trata, sencillamente, del conductor. De hecho es muy poco lo que sabemos de él pero, sin embargo, difícilmente podría resultar más fascinante. Siempre ataviado con una fabulosa chaqueta decorada con un escorpión dorado, el conductor es un individuo parco en palabras, solitario como el que más, que tan solo parece sentirse vivo cuando tiene las manos al volante. Poco importa que sea trabajando como mecánico en un taller, llevando a cabo las peligrosas escenas de riesgo de una película o ayudando a unos ladrones a escapar de la policía: lo único que parece dar sentido a su vida es dominar el coche como si fuera una extensión de su propio cuerpo. Al igual que el héroe del western clásico, el conductor adora la velocidad y el movimiento y se resiste a permanecer quieto, de ahí que jamás hable de su pasado ni de sus expectativas de futuro.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgn6oI9Smbw1lxmBFj5K85b5ORr1CYjH-ONiXvzy13lwsvNyiM14e4PkAYBGUuXFCMVi-no8TObJROpSakLRnAfY8LNOyN3xFBLg0YltuKKumm2e6jB1g7N_KqBfxJ08meALVd3rbYrQQ/s1600/Drive+18.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="265" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgn6oI9Smbw1lxmBFj5K85b5ORr1CYjH-ONiXvzy13lwsvNyiM14e4PkAYBGUuXFCMVi-no8TObJROpSakLRnAfY8LNOyN3xFBLg0YltuKKumm2e6jB1g7N_KqBfxJ08meALVd3rbYrQQ/s400/Drive+18.jpg" width="400" /></a> Y es que el protagonista de <em>Drive</em> guarda muchas cosas en común con los héroes del western, como la lealtad, el honor o el apego a un férreo código moral que le permite conservar su humanidad en una densa jungla de asfalto nocturna y asfixiante. No obstante sus silencios, su soledad y su profesionalidad le relacionan íntimamente con dos personajes tan inolvidables como el asesino a sueldo de <em>El silencio de un hombre </em>(<em>Le samouraï</em>, Jean-Pierre Melville, 1967) y el anónimo conductor de <em>Driver</em> (<em>The driver</em>, Walter Hill, 1978). Tan astutos como desamparados, tan románticos como violentos, los tres antihéroes interpretados respectivamente por Alain Delon, Ryan O’Neal y Ryan Gosling viven al margen de la ley sin mayor ambición que la de ser los mejores en su trabajo, al menos hasta que sus rutinas diarias, tan escrupulosamente ordenadas como carentes de calor humano, sufren un traspiés con la llegada de una mujer. En el caso de <em>Drive</em> esa mujer es Irene (Carey Mulligan), la tierna y dulce muchacha que vive con su hijo Benicio (Kaden Leos) en el mismo bloque de apartamentos que el conductor. Entre los dos rápidamente surgirá un amor platónico y trágico, imposible de consumar: tal y como se aprecia en la ya famosa secuencia del ascensor, en la que el conductor besa apasionadamente a su amada segundos antes de acabar brutalmente con la vida de un peligroso matón, proteger a Irene y apartarla de su mundo de crimen y corrupción supondrá para el protagonista mostrarle su cara más violenta y agresiva; significativamente la secuencia termina con la puerta del ascensor cerrándose entre los dos enamorados, separándoles irremediablemente en dos mundos opuestos.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY0eIXyoawU0w5RigtFmO-u8bnIWEB9yaZL1M43ayYc3fFzKCPJhDPNEBEwp-lTl80HDZGyQmgoZIAXbLO3KiRa_7bjx06O7evGBL8lkwAXghLiKT-2xby9opCbCn3K2TVR82TxHFSwEY/s1600/Drive+21.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY0eIXyoawU0w5RigtFmO-u8bnIWEB9yaZL1M43ayYc3fFzKCPJhDPNEBEwp-lTl80HDZGyQmgoZIAXbLO3KiRa_7bjx06O7evGBL8lkwAXghLiKT-2xby9opCbCn3K2TVR82TxHFSwEY/s400/Drive+21.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Si la trama de <em>Drive</em>, con sus gángsters de poca monta y sus atracos que nunca salen como estaban previstos, sigue la tradición del mejor cine negro, el director Nicolas Winding Refn se esfuerza en darle a la película una pátina visual y sonora que la asemeje al cine policíaco de los 80. De ahí esas tomas nocturnas de Los Ángeles con sus inconfundibles luces de neón; de ahí esas canciones de sabor ochentero armónicamente complementadas por la música incidental de Cliff Martinez; de ahí, incluso, la curiosa grafía de los títulos de crédito, tan apropiada como deliberadamente hortera. Pero, más allá de que se sintonice o no con esa estética de los 80, no cabe la menor duda de que desde un punto de vista visual <em>Drive</em> es una película elegante y estilizada hasta el extremo, con un magnífico uso de la pantalla panorámica y una espléndida y colorista fotografía de Newton Thomas Sigel.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBNAtVI2cDej50k46xqR-IBRWrTLasBPny7pHP_T4vIAxSOtMQSUcqEdL6LHA_hTuoSloXgXD1O2HC8OWL2PRXYweJl0YtyQkfKNPf-dpfgAbP-3fkuEFEogwKK9oRQlf1in-FW0e-aE8/s1600/Drive+19.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="640" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBNAtVI2cDej50k46xqR-IBRWrTLasBPny7pHP_T4vIAxSOtMQSUcqEdL6LHA_hTuoSloXgXD1O2HC8OWL2PRXYweJl0YtyQkfKNPf-dpfgAbP-3fkuEFEogwKK9oRQlf1in-FW0e-aE8/s640/Drive+19.jpg" width="425" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Nicolas Winding Refn es uno de esos cineastas que confían plenamente en el poder de las imágenes para narrar sus historias y describir los sentimientos y las emociones de sus personajes. En <em>Drive</em> los diálogos son escasos, por lo que el cineasta dota de una gran importancia a los gestos, las miradas y las actitudes de sus excelentes actores para dotar de vida a los personajes. Existen brillantes ejemplos a lo largo de toda la película: la contemplativa mirada con la que el protagonista observa la ciudad de Los Ángeles desde su ventana en repetidas ocasiones; el modo en que detiene brevemente su coche cuando Irene le comunica que su marido está a punto de salir de la cárcel; la indiferencia con la que unas bailarinas de striptease asisten a la brutal paliza que el dueño del local en el que trabajan recibe de manos del conductor; el sudor y los repentinos temblores que se apoderan del habitualmente inmutable conductor cuando descubre la identidad del agresivo gángster al que se enfrenta… Igual de significativo resulta el diferente modus operandi ejercido por el protagonista en los diferentes delitos en los que participa: en los primeros atracos en los que se ve envuelto vemos cómo el conductor se limita a esperar en el coche mientras los ladrones llevan a cabo el hurto; por el contrario, cuando cerca del desenlace se decida a eliminar a un mafioso que está poniendo en peligro a Irene y a su hijo, el conductor, oculto tras una inexpresiva máscara, sí saldrá del coche para observar a su presa y planificar su asesinato, demostrando que en esta ocasión se trata de un asunto personal.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyxRguEVQXSRrK7lhkzjY1qPnBGsdLGTDytX_p6A89uJ-uz-x2U9GXhZ1dUQlnSO6uScibAzk6z_HpaELzKU1kx2m4OjDzZvNR6sa2TO7WrMI_FQ9gC8aM-87hPIYIIg-TSKYfETf4b5A/s1600/Drive+14.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyxRguEVQXSRrK7lhkzjY1qPnBGsdLGTDytX_p6A89uJ-uz-x2U9GXhZ1dUQlnSO6uScibAzk6z_HpaELzKU1kx2m4OjDzZvNR6sa2TO7WrMI_FQ9gC8aM-87hPIYIIg-TSKYfETf4b5A/s400/Drive+14.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> No menos ejemplar resulta la puesta en escena de las secuencias de acción. Sin ir más lejos la excelente secuencia inicial, anterior a los títulos de crédito de la película, describe a la perfección la profesionalidad del conductor mientras ayuda a unos ladrones a escapar de un atraco, eludiendo inteligentemente la vigilancia policial gracias a su gran conocimiento de la ciudad angelina: la precisa planificación de la secuencia, con la cámara casi siempre en el interior del coche del conductor, transmite elocuentemente su astucia al volante y la frialdad con la que acomete los trabajos que se le encomiendan. Muy diferente es la posterior persecución que se produce tras un atraco que ha finalizado de manera trágica: en esta secuencia, mucho más rápida y adrenalítica que la anterior, abundan los movimientos de cámara y las planos que recogen las frenéticas maniobras de los coches desde el exterior, describiendo el nerviosismo del conductor ante una situación que se le escapa de las manos. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3W8dvP-DUMYlWf9BnJL3uEMvWz0iM60OTkbj3XuvGLDXDb97yJpc3ox_03yL0fqp1fkwpHhkA1JOT8PqbIgDGe5VZHisPXKpwg3iKqj81qQgLVS4_SfP3Z_0Cr_KlI-XKpnxJP1KE-LM/s1600/Drive+27.png" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="265" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3W8dvP-DUMYlWf9BnJL3uEMvWz0iM60OTkbj3XuvGLDXDb97yJpc3ox_03yL0fqp1fkwpHhkA1JOT8PqbIgDGe5VZHisPXKpwg3iKqj81qQgLVS4_SfP3Z_0Cr_KlI-XKpnxJP1KE-LM/s400/Drive+27.png" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Mucho se ha hablado de las abundantes dosis de violencia de esta película, cuya explicitud va incrementándose a lo largo de su ajustado metraje. Sin embargo incluso los momentos más sangrientos están perfectamente planificados por Nicolas Winding Refn con el fin de conferirles un sentido dentro de la narración. Así sucede por ejemplo cuando el gángster Bernie Rose (Albert Brooks) se ve obligado a eliminar a un viejo colega con el fin de mantener intacta su reputación: la manera en la que Bernie comete el asesinato, dándole un apretón de manos a su amigo mientras con la otra mano le corta las venas, transmite tanto la traición a su amistad que supone tal acto (el apretón de manos convertido en una mortal distracción) como los remordimientos que siente Bernie ante el crimen que está cometiendo (el apretón de manos como muestra de lo que queda de una vieja amistad y como piadoso método de dar muerte del modo menos doloroso posible). Momentos como éste confirman el talento de Nicolas Winding Refn y convierten a <em>Drive</em> en uno de los mejores y más personales thrillers de los últimos años.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFktyoGy8XAHwnRONIYVep8-ZasD022Go27yiZFxrTeuN4d1nlb3DobtijXwkCFnzXohw0x3TIZdJ2iCgvEL1YZB7O3cxkGt6usC5anNO8fWeQtNPPoaqwlhQEpFNfEdXxC5r3ypu9-Xk/s1600/Drive+25.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" kba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFktyoGy8XAHwnRONIYVep8-ZasD022Go27yiZFxrTeuN4d1nlb3DobtijXwkCFnzXohw0x3TIZdJ2iCgvEL1YZB7O3cxkGt6usC5anNO8fWeQtNPPoaqwlhQEpFNfEdXxC5r3ypu9-Xk/s640/Drive+25.png" width="640" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-43166051648799140122011-12-15T11:54:00.001+01:002012-01-13T12:09:14.638+01:00Fin del mundo a ritmo de Wagner: MELANCOLÍA<div style="text-align: justify;"><br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHbePy9VmKmgn5ouH2QYsyjUhkYCSg0YfXumvhx0ilfbyYNmi7ynCSabLyZbzcqSGrmGJ1Hs8QUMes2ACSgeQhyphenhyphenEPI8YHsi6rnm_wnI8wbpjWO0cl08xYWm4suGvO2fJnZymPzcFegCO4/s1600/Melancolia+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHbePy9VmKmgn5ouH2QYsyjUhkYCSg0YfXumvhx0ilfbyYNmi7ynCSabLyZbzcqSGrmGJ1Hs8QUMes2ACSgeQhyphenhyphenEPI8YHsi6rnm_wnI8wbpjWO0cl08xYWm4suGvO2fJnZymPzcFegCO4/s640/Melancolia+5.jpg" width="640" /></a></div><br />
Resulta realmente curioso que dos películas como <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/10/recuerdos-de-la-infancia-perdida-el.html"><em>El árbol de la vida</em> (<em>The tree of life</em>, Terrence Malick, 2011)</a> y <em>Melancolía</em> (<em>Melancholia</em>, Lars von Trier, 2011) hayan sido estrenadas prácticamente al mismo tiempo. Lo cierto es que, por más que se trate de dos cintas extremadamente diferentes, hay numerosos y llamativos nexos que las relacionan entre sí. Las dos se centran en el intimista retrato de una familia al tiempo que reflexionan sobre el destino de los seres humanos, recurriendo en ambos casos a puntuales pero impactantes imágenes del espacio exterior, mostrando el origen de la vida en nuestro planeta en <em>El árbol de la vida</em> y la destrucción de toda existencia en él en <em>Melancolía</em>. Además ambas películas centran su atención en dos personajes que se enfrentan de un modo diferente a las tragedias que se les avecinan: el matrimonio interpretado por Brad Pitt y Jessica Chastain que sufre la pérdida de uno de sus hijos en la película de Malick y las dos hermanas encarnadas por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg que presencian el fin del mundo en la de von Trier. Sin embargo <em>El árbol de la vida</em> es vitalista, luminosa y esperanzadora, mientras que <em>Melancolía</em> es mortecina, sombría y nihilista.</div><div style="text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhp1T0pOwPnQly_5ahAPZYaU8lkJw2A25PbR4EQ755taZ0TidZDqmrvZRsOQD6JVDBz9VDclECzkhtp6esb8LIHtY6Ptun9mUIGA2I84LJow6KP29D-PcrDuXuoaELrpQ5IvUSdhduwhD4/s1600/Melancolia+18.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="170" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhp1T0pOwPnQly_5ahAPZYaU8lkJw2A25PbR4EQ755taZ0TidZDqmrvZRsOQD6JVDBz9VDclECzkhtp6esb8LIHtY6Ptun9mUIGA2I84LJow6KP29D-PcrDuXuoaELrpQ5IvUSdhduwhD4/s400/Melancolia+18.jpg" width="400" /></a><em> Melancolía</em> se inicia con un magnífico prólogo de alrededor de diez minutos de duración, enteramente filmado a cámara lenta y sin diálogos ni sonidos ambientales. Como si se tratara de la obertura de una ópera -no en vano la música que acompaña esta secuencia es el preludio compuesto por Richard Wagner para <em>Tristán e Isolda</em>-, Lars von Trier nos presenta los personajes, los temas e incluso los estados de ánimo que explorará posteriormente a través de una hipnótica sucesión de imágenes: Justine (Kirsten Dunst), con el rostro descompuesto, fijando su mirada en la lejanía mientras a sus espaldas unos pájaros caen muertos del cielo; el lienzo de Pieter Brueghel <em>Los cazadores en la nieve</em> siendo reducido a cenizas por la acción del fuego; una desesperada Claire (Charlotte Gainsbourg) avanzando pesadamente a través de un campo de golf con su hijo Leo (Cameron Spurr) en brazos; un caballo desplomándose sobre el suelo mientras el horizonte se oscurece dramáticamente; Justine, esta vez vestida de novia, tratando de correr campo a través mientras la hierba y los árboles tratan de impedirle el paso; el cuerpo de Justine flotando sobre el agua de un riachuelo como si fuera la <em>Ofelia</em> de John Everett Millais; el gigantesco planeta Melancolía chocando finalmente contra la Tierra…</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjI8ANINO12ShYnA2nheZuGZVM84NUKRCyfy9TR2DzobMqtLe3XgUBEHKKOjr1jyZqHbgvGvW4pOCyNJ1aIAaCsz8V4WrFX_a4Dthrl0tpzKgeMIMmOhakXRUxHSQUWzwRRhJEZe4rbbMo/s1600/Melancolia+6.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="225" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjI8ANINO12ShYnA2nheZuGZVM84NUKRCyfy9TR2DzobMqtLe3XgUBEHKKOjr1jyZqHbgvGvW4pOCyNJ1aIAaCsz8V4WrFX_a4Dthrl0tpzKgeMIMmOhakXRUxHSQUWzwRRhJEZe4rbbMo/s400/Melancolia+6.jpg" width="400" /></a> Las óperas wagnerianas, el prerrafaelismo, la pintura flamenca, Shakespeare… Las referencias culturales son constantes pero no gratuitas a lo largo de este prólogo: tal y como el espectador irá comprobando durante el resto del metraje, estas imágenes iniciales son alegorías de las ideas básicas sobre las que gira <em>Melancolía</em>. De este modo la cita de la Ofelia creada por Shakespeare y pintada por Millais sirve para sugerir el trastorno bipolar que padece Justine; la alteración mostrada por Claire describe su sentido de la responsabilidad y su carácter tan diferente al de su hermana; los lienzos de Brueghel y Millais reaparecen posteriormente en forma de reproducciones guardadas en la biblioteca de Claire; la imagen del caballo cayendo rendido al suelo representa la imposibilidad de evitar el destino, adelantando además el extraño comportamiento que mostrarán los animales a medida que el planeta Melancolía se vaya acercando a la Tierra; el plano de la vegetación impidiendo la huída de Justine hace referencia a uno de sus sueños recurrentes… De todos modos quizá no haya una imagen más simbólica que aquélla en la que Justine, Leo y Claire aparecen en un lujoso jardín en plena noche, cada uno de ellos coronado por un diferente astro (Melancolía, la luna, el sol) en representación de sus caracteres contrapuestos. Asimismo las apocalípticas imágenes de la destrucción de la Tierra, que no se producirá hasta el desenlace, dejan un poso de fatalismo que perdurará durante toda la película, convirtiendo el estado depresivo de Justine en una inquietante premonición.</div></div><div style="text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz6Tk7_Y2SmrjePrZlji_czv6oxES30_RyRVET6g2w_f5IAm7PnUT8BFLjJvLsRv3ta7aa2uEFPfwkU1RWakI-c9uH-Mxty_M-LjEYgMfK2vVa1ZHr5xKM4RQ4iOyPoNXbU2TKKZJ-3ZA/s1600/Melancolia+7.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="223" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz6Tk7_Y2SmrjePrZlji_czv6oxES30_RyRVET6g2w_f5IAm7PnUT8BFLjJvLsRv3ta7aa2uEFPfwkU1RWakI-c9uH-Mxty_M-LjEYgMfK2vVa1ZHr5xKM4RQ4iOyPoNXbU2TKKZJ-3ZA/s400/Melancolia+7.jpg" width="400" /></a> Tras este prólogo la acción de <em>Melancolía</em> se desarrolla a lo largo de dos actos. El primero está visto desde el punto de vista de Justine y describe con meticulosidad la celebración de su enlace matrimonial con Michael (Alexander Skarsgård) en la suntuosa mansión de John (Kiefer Sutherland), el adinerado marido de Claire. Lo que en principio debería ser una celebración cálida y emotiva, poco a poco va convirtiéndose en un extenuante desfile de hipocresía que revela la cara más egoísta de todos cuantos rodean a Justine: Gaby (Charlotte Rampling), la madre de Justine y Claire, aprovecha la ocasión para mostrar públicamente el resentimiento que siente hacia su exmarido Dexter (John Hurt); Jack (Stellan Skarsgård), padre de Michael y jefe de la recién casada, se sirve de la ceremonia para exigirle a ella nuevas ideas para un slogan publicitario; John le reprocha a Justine su desinterés por guardar las apariencias durante una boda que, como recuerda constantemente, le está costando un dineral… Mientras su carácter depresivo aflora cada vez con mayor intensidad, empujándola a subvertir todo tipo de convenciones sociales, la joven mujer se siente cada vez más intrigada por una extraña estrella que observa en el cielo…</div></div><div style="text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN_UVCMDcvqvhNMOw1NZNCsZTdTcX-nbGXiWCyWm68FJ4fK08aq6o4Cx0MiJqCmPuxv9uQ46SaJWhSwfRaS5hzdmoc9-_SXN2dhIYIx_tNvVdFTdJlEOQ66jlspcXE5ue8g0eZM9FeDtc/s1600/Melancolia+11.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="225" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN_UVCMDcvqvhNMOw1NZNCsZTdTcX-nbGXiWCyWm68FJ4fK08aq6o4Cx0MiJqCmPuxv9uQ46SaJWhSwfRaS5hzdmoc9-_SXN2dhIYIx_tNvVdFTdJlEOQ66jlspcXE5ue8g0eZM9FeDtc/s400/Melancolia+11.jpg" width="400" /></a> La segunda parte de <em>Melancolía</em> está narrada desde el punto de vista de Claire, quien unos meses después de la boda se presta para cuidar de su hermana cuando ésta ya ha entrado en una profunda depresión. Es en este punto del relato cuando la amenaza de un cataclismo global empieza a manifestarse. Melancolía, un planeta de enormes dimensiones que se ha desviado de su órbita para acercarse peligrosamente a la Tierra, provoca lentamente el pánico y la angustia de Claire ante la posible pérdida de su vida y de la de sus seres queridos, por más que John, aficionado a la astronomía, le asegure que ese planeta tan solo pasará cerca del nuestro y que por tanto no existe peligro alguno. Sin embargo la que mostrará una actitud cada vez más extraña es Justine, quien llegará a proclamar que lo mejor que le podría suceder a nuestro planeta es dejar de existir.</div></div></div><div style="text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQmEDRDxpNP4HzQrN5vNVZHIbXe_OA6O-CKq4x33Q-3l_6wX6MhhLbuKi6QsHU-QLwJ8aqTiIuitdERrdjYzQNQgnyXRwLPqg0eFprnOGoaemzPw4y0PEYoFEDDjmRWFInwjv1RxdR9Iw/s1600/Melancolia+15.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="225" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQmEDRDxpNP4HzQrN5vNVZHIbXe_OA6O-CKq4x33Q-3l_6wX6MhhLbuKi6QsHU-QLwJ8aqTiIuitdERrdjYzQNQgnyXRwLPqg0eFprnOGoaemzPw4y0PEYoFEDDjmRWFInwjv1RxdR9Iw/s400/Melancolia+15.jpg" width="400" /></a> Es durante este segundo acto cuando Justine demuestra un inesperado don para el presagio, lo que la llevará a predecir el inminente impacto de Melancolía contra la Tierra; de hecho podría interpretarse que las imágenes del prólogo no eran otra cosa que las premoniciones de la protagonista sobre su trágico destino. Otra importante secuencia que describe el carácter de la protagonista es aquélla en la que su hermana la observa a escondidas mientras ella expone su cuerpo desnudo a la luz del cada vez más cercano planeta. Detalles como éstos sugieren la idea de que quizá Justine tenga alguna inexplicable capacidad para atraer a Melancolía; yendo más allá, no resulta descabellado pensar que su tendencia a la depresión venga motivada por su íntima y profunda certeza de la próxima desaparición de toda forma de vida. </div></div><div style="text-align: justify;"><br />
Habrá a quien <em>Melancolía</em> le parezca una obra excesivamente pretenciosa, pero resulta difícil negar su brillantez y la extraordinaria belleza de sus imágenes, debida en gran parte al director de fotografía Manuel Alberto Claro. Además se trata de una película que sabe mirarse a sí misma con distancia e ironía, tal y como demuestran esporádicos apuntes humorísticos como el estoicismo con el que el mayordomo (Jesper Christensen) y el organizador de bodas (Udo Kier) aguantan las salidas de tono surgidas durante la celebración del matrimonio de Justine, sin olvidar el cinismo con el que está observado el ciego racionalismo de John hasta que éste comprueba dramáticamente los errores de sus tan admirados científicos. Quien se acerque a esta película libre de prejuicios podrá admirar la brillante labor de todos los miembros del reparto, destacando muy especialmente la de una excelsa Kirsten Dunst en una interpretación sencillamente antológica.</div><div style="text-align: justify;"><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVwd5HvgSQ2pKPXlv8krCjTHWR-ZKGM8ZPMCwlaisXq2WtqPvRWIFLIoaf20Bz4X6w-01C8Me9bt0VAAgENsnJiMM61ekdq24qeW8eoWmtcJiWaSU3gy8clQqo09EiojjA12LNevUwYUs/s1600/Melancolia+21.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="427" oda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVwd5HvgSQ2pKPXlv8krCjTHWR-ZKGM8ZPMCwlaisXq2WtqPvRWIFLIoaf20Bz4X6w-01C8Me9bt0VAAgENsnJiMM61ekdq24qeW8eoWmtcJiWaSU3gy8clQqo09EiojjA12LNevUwYUs/s640/Melancolia+21.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-23645721271743231272011-10-22T17:07:00.000+02:002011-10-22T17:07:59.918+02:00Recuerdos de la infancia perdida: EL ÁRBOL DE LA VIDA<div align="center"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPenc1ZOscjkfzFwYfSfSjI2tSQ9HOgxneVaOQUo7N6iM3Kz0IAPhANQ-VZBQntZdoQ3wpgsAbklzgPDI2XlzNCIJI3qqqlGLdGocr9LyaadPGH-N7ix3ICmDoL3SAe0Ns-daBWxKcnVE/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPenc1ZOscjkfzFwYfSfSjI2tSQ9HOgxneVaOQUo7N6iM3Kz0IAPhANQ-VZBQntZdoQ3wpgsAbklzgPDI2XlzNCIJI3qqqlGLdGocr9LyaadPGH-N7ix3ICmDoL3SAe0Ns-daBWxKcnVE/s640/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+29.jpg" width="640" /></a></div><div align="center" style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> Resulta difícil hablar de una película como <em>El árbol de la vida</em> (<em>The tree of life</em>, Terrence Malick, 2011). Para empezar un largometraje tan complejo como el de Terrence Malick requiere ser visto varias veces para poder valorarlo como se merece: no resulta fácil retener en la memoria tantas imágenes hipnóticas ni tantas sugerencias como las que propone una obra tan monumental como ésta, repleta además de profundas reflexiones sobre cuestiones trascendentales. Por si fuera poco, es bastante probable que la versión cinematográfica de <em>El árbol de la vida</em> diste mucho de ser la más completa, pues se rumorea que su director está trabajando en un montaje más extenso de alrededor de seis horas de duración. Por todos estos motivos las líneas que siguen a continuación no pretenden ser un análisis completo sino tan solo algunas anotaciones fruto de las primeras impresiones suscitadas por <em>El árbol de la vida</em>, una película capaz de provocar tanta admiración como rechazo pero que a nivel personal me ha parecido magnífica.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGbg4MXAfxaP3IaoVtXBnY1ocd0ifk7UqpY4UBIzKnywF6xZojW9c-c8SyFm4ObX4Ph1bsOZ9_DacmSDvbz9z4DI8zucEY-Mf6oAe7B_UHq3kjPkgTGXTUExUMq33OAWFsU8m9fOlsQP4/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+44.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="215" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGbg4MXAfxaP3IaoVtXBnY1ocd0ifk7UqpY4UBIzKnywF6xZojW9c-c8SyFm4ObX4Ph1bsOZ9_DacmSDvbz9z4DI8zucEY-Mf6oAe7B_UHq3kjPkgTGXTUExUMq33OAWFsU8m9fOlsQP4/s400/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+44.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Un aspecto sobre el que quizá no pueden sacarse conclusiones precipitadas es el posible carácter autobiográfico de al menos una parte importante de <em>El árbol de la vida</em>. La película, preparada durante décadas por Malick, se centra en la descripción de los O’Brien, una familia fuertemente dominada por un padre severo y autoritario (Brad Pitt) que sufrirá la súbita e inesperada pérdida de R.L. (Laramie Eppler), uno de sus tres hijos. Las tensas relaciones de Malick con su progenitor y la muerte prematura de uno de sus hermanos (aficionado, al igual que el R.L. de la película, a tocar la guitarra) sugieren el alto grado de implicación personal del director en este lírico relato, aunque el conocido secretismo con el que el cineasta trata su vida personal impide establecer más conjeturas al respecto.</div><div class="MsoNormal" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyLEU4A2OfiJCqi6_O1JxexB0dFN3pQhZZU1TcoLZfdLWFrTSq2jQXlZBYWL7RX8zdxhFS8IBZxAjsT8yC9tmXzWdiF2OpgQ9G1okFHMoWkNqiWp0uZNIN4GwGEQB0B4x3xrpnDe3KMks/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+11.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: left; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="265" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyLEU4A2OfiJCqi6_O1JxexB0dFN3pQhZZU1TcoLZfdLWFrTSq2jQXlZBYWL7RX8zdxhFS8IBZxAjsT8yC9tmXzWdiF2OpgQ9G1okFHMoWkNqiWp0uZNIN4GwGEQB0B4x3xrpnDe3KMks/s400/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+11.jpg" width="400" /></a> Si desde un punto de vista argumental <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El árbol de la vida </i>sugiere una implicación íntima por parte de su creador, desde un punto de vista cinematográfico puede decirse con toda probabilidad que se trata de la obra más personal de su filmografía. Ninguna de las anteriores películas firmadas por Terrence Malick puede calificarse de convencional, pero lo cierto es que <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El árbol de la vida</i> se muestra como su obra más arriesgada y atrevida, aquélla en la que consigue desligarse casi completamente de las normas de la narrativa tradicional. No existe en la película un planteamiento, un nudo o un desenlace, de hecho ésta ni siquiera se preocupa por explicar un relato coherente: siguiendo el camino de experimentación formal emprendido por el director en sus anteriores cintas, cada secuencia de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El árbol de la vida</i> se preocupa antes por transmitir emociones o sensaciones que por proporcionar nueva información sobre la trama. De este modo Malick alterna tonalidades, puntos de vista e incluso épocas históricas con el fin de lanzar una mirada a la existencia del hombre en el universo. </div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG77Y1qKfUJ-UtQUuyc9qlUz4xbhMsKNbqj-Eq6OwLo4V1V37jV3Yg-ko4ZeViaxyUj1_ls6zSUaKqTNLvP0v_AbOTk9gPzgz_DnxBY_hAKfWXN0ddTghbjK0DJCC121JQjpeMSzyVg_8/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+25.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="252" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG77Y1qKfUJ-UtQUuyc9qlUz4xbhMsKNbqj-Eq6OwLo4V1V37jV3Yg-ko4ZeViaxyUj1_ls6zSUaKqTNLvP0v_AbOTk9gPzgz_DnxBY_hAKfWXN0ddTghbjK0DJCC121JQjpeMSzyVg_8/s400/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+25.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"> Al principio de <em>El árbol de la vida</em>, un adulto Jack O’Brien (interpretado por Sean Penn en su madurez y por Hunter McCracken en su infancia) se muestra cansado y desorientado, completamente absorto en sus pensamientos. Resulta espléndida la forma en la que Malick lo muestra llevando a cabo su rutina laboral en un entorno arquitectónico tan sofisticado como frío, en una atmósfera completamente distinta a la que respiraba durante su niñez, en la cual el contacto con la naturaleza era constante. Pienso que la película entera está filtrada a través la mirada del Jack adulto, quien bucea en sus recuerdos para reflexionar de qué modo se formó su carácter introspectivo. Esos recuerdos, fragmentados por el paso del tiempo, le llevan a su infancia y a la educación recibida por parte de sus padres. Es en este punto donde se estrechan los lazos entre <em>El árbol de la vida</em> y <em>La delgada línea roja</em> (<em>The thin red line</em>, Terrence Malick, 1998), aquella espléndida cinta bélica centrada en gran parte en el enfrentamiento entre dos formas opuestas de entender la existencia: la del cínico sargento Welsh (Sean Penn), para quien una vida en este mundo no significaba nada, y la del soldado Witt (Jim Caviezel), empeñado en retornar a la pureza primitiva del hombre. En <em>El árbol de la vida</em> se repite esta dicotomía, contraponiendo la inocencia casi angelical de la madre (Jessica Chastain), quien enseña a sus hijos a amar la naturaleza y a buscar la espiritualidad oculta en todas las cosas, con la disciplina casi militar impuesta por el padre, un músico frustrado que descarga toda su insatisfacción en sus hijos contagiándoles un fuerte pesimismo hacia un mundo en el que en su opinión tan solo sobrevive el más fuerte. La muerte de uno de sus hijos supondrá un durísimo golpe para el matrimonio O’Brien, poniendo a prueba las creencias religiosas de la madre tal y como se encargan de remarcar las referencias bíblicas a Job, quien pese a ser un hombre justo tuvo que superar una serie de espantosas calamidades con el fin de demostrar su inquebrantable fe en Dios. </div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Xd5MSyIHqT9Dw2CD-UdqeiXRGAe4AdvUUKbHFMT9ccdmuca3sBPZmWX12POsGvw0wp4Gv2MmzqBJ_1bNTQjICBPAAsd3S2cVQblZy3IKZ4CFZShHV9ZymW8lypDhh77c1dFySSbdjTo/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+17.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="175" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Xd5MSyIHqT9Dw2CD-UdqeiXRGAe4AdvUUKbHFMT9ccdmuca3sBPZmWX12POsGvw0wp4Gv2MmzqBJ_1bNTQjICBPAAsd3S2cVQblZy3IKZ4CFZShHV9ZymW8lypDhh77c1dFySSbdjTo/s320/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+17.jpg" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWDlbLNcKhgdLS8W4LEiaghJwpva11QuSgldVkf0ZhuD-U3yQbnOKk0tnLGsNLwK_baq659-BwmAFaxXLN_NCfYtd2UucYyKoatp1eJxmr3r9WsTzvub26ZhxuCjciJTLtgfg-QfF03yc/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+16.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="159" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWDlbLNcKhgdLS8W4LEiaghJwpva11QuSgldVkf0ZhuD-U3yQbnOKk0tnLGsNLwK_baq659-BwmAFaxXLN_NCfYtd2UucYyKoatp1eJxmr3r9WsTzvub26ZhxuCjciJTLtgfg-QfF03yc/s320/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+16.jpg" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6ZkgL2BfXvhbeRlqDH_zdwcaHAdmNQ2hU4HYQTFo8ytUK0jJPSYEL8Kr9rEry401Z4_DC_OTpwBqCRWCN6jBdhAKFY1euyvp9mPn3BKtF2c53LhnVIyHP-xUgSELWX9K7EzKlr7Si8sU/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+19.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="175" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6ZkgL2BfXvhbeRlqDH_zdwcaHAdmNQ2hU4HYQTFo8ytUK0jJPSYEL8Kr9rEry401Z4_DC_OTpwBqCRWCN6jBdhAKFY1euyvp9mPn3BKtF2c53LhnVIyHP-xUgSELWX9K7EzKlr7Si8sU/s320/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+19.jpg" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9WynUZNLKTLh56lwaGm6qkzPLIeMiC6yepZIkgNjFGqyoMavlCZojoFB9q7QZvOOxPTMhxhyn-EaMwvQUF_ms04ZLwNsIRWjFXUTk-DBouicv1uobd8xXkPsogNDg9grru9CACfM1K5E/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+20.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="175" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9WynUZNLKTLh56lwaGm6qkzPLIeMiC6yepZIkgNjFGqyoMavlCZojoFB9q7QZvOOxPTMhxhyn-EaMwvQUF_ms04ZLwNsIRWjFXUTk-DBouicv1uobd8xXkPsogNDg9grru9CACfM1K5E/s320/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+20.jpg" width="320" /></a> Pero, al igual que sucede en cualquier película de Terrence Malick, lo realmente interesante de <em>El árbol de la vida</em> no es la historia que cuenta, sino la desbordante libertad creativa de la que hace gala su director a la hora de ponerla en imágenes. El largometraje está compuesto no por decenas de secuencias largas sino por cientos de secuencias breves, cortos fragmentos de vida mostrados con una exultante atención por el detalle. Muchas planos, secuencias o ideas merecen ser recordados: la dramática escena en la que el matrimonio O’Brien recibe la noticia de la muerte de su hijo R.L. (a retener el momento en que al padre se le comunica la trágica pérdida por teléfono: el sonido de ambiente de la pista de aterrizaje en la que se encuentra se superpone a sus lamentos haciéndolos aún más dolorosos); la ya famosa secuencia sobre el origen de la vida en nuestro planeta, desde la formación de los seres unicelulares hasta la extinción de los dinosaurios tras el impacto de un meteorito en la Tierra, un largo y preciosista fragmento montado como preludio al nacimiento del protagonista; el montaje de cortas escenas que, a través de la repetición de pequeños actos cotidianos, resume los primeros años de vida de Jack; el estallido de rabia del padre cuando se enfurece con sus hijos durante el almuerzo, momento que marca definitivamente sus diferencias con su esposa… De todos modos (atención: <strong>SPOILER</strong>) si hay una secuencia en la película capaz de generar controversia esa es la reunión final en una playa de todos los personajes, vivos y muertos, que han formado parte de la vida de Jack y que culmina con el reencuentro de todos los miembros de su familia, incluyendo al hermano fallecido años atrás. Queda abierto a discusión el sentido de esta secuencia (hay quien piensa que tan solo forma parte de los pensamientos de Jack, hay quien por el contrario la considera una visualización de la vida después de la muerte), pero lo cierto es que esta conclusión, además de estar admirablemente filmada, funciona como la redención final del protagonista, quien acaba encontrando el camino espiritual marcado por su madre consiguiendo alcanzar la paz interior.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLKGvbsKCG-wq2ZV59JozPz-gQPnGsc909dPw-IlbekjGEs4dhWSbEDMVNKuD3IMdF0C-BRmp5RZC__KoAjEJIchGVD-8Q2f9Eo7OLT3SFy5JKeji1EERdEkxH1Vr3ReSUjITCjjAhXzQ/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+14.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLKGvbsKCG-wq2ZV59JozPz-gQPnGsc909dPw-IlbekjGEs4dhWSbEDMVNKuD3IMdF0C-BRmp5RZC__KoAjEJIchGVD-8Q2f9Eo7OLT3SFy5JKeji1EERdEkxH1Vr3ReSUjITCjjAhXzQ/s400/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+14.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"> Calificar de bella la estética de Malick es insuficiente para expresar su magnitud. <em>El árbol de la vida</em> presenta una puesta en escena en la que cada elemento está tratado con la máxima exquisitez, desde una virtuosa planificación, con la cámara en constante movimiento, hasta un montaje repleto de elipsis, pasando por las voces en off que nos trasmiten las reflexiones, las emociones y los sentimientos de los personajes, haciéndonos partícipes de sus monólogos interiores. Sin embargo la fotografía y la banda sonora merecen menciones muy especiales. El operador Emmanuel Lubezki, quien ya colaboró con Malick en <em>El nuevo mundo</em> (<em>The new world</em>, 2005), consigue unas imágenes de inolvidable plasticidad, haciendo un uso magistral de la luz natural para expresar las emociones de los personajes. Por su parte la banda sonora, tal y como es habitual en el cine de Malick, combina con gran armonía la partitura original, compuesta en esta ocasión por un inspirado Alexandre Desplat, con una extensa colección de piezas clásicas de compositores como Bedřich Smetana, Hector Berlioz, Henryk Górecki, John Tavener o Zbigniew Preisner.</div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Puede discutirse si <em>El árbol de la vida</em> es o no esa obra de arte total que en todo momento intenta llevar a cabo Terrence Malick: el tiempo dirá si estamos ante una obra perfecta o ante un conjunto de brillantes ideas diseminadas a lo largo de una película de proporciones gigantescas. Pero si de algo no cabe la menor duda es de que nos encontramos ante la obra de un cineasta comprometido con la búsqueda de nuevas formas expresivas y plenamente convencido de que no todo está ya inventado en el séptimo arte.</div><div align="center" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglOL-HSwl09h0ltLtD1w-qCuxgSRsLnR78PHsRkYKwAvqhDD2WRqtkVTdIHX7CfTJ3l0DmTKhOocQE6JiTN1abIOKBzITB-9qyUVuUQVWAXuTXxx351V6HYhBXmLjHd3OfY7e1PctqdYk/s1600/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+43.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="307" rda="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglOL-HSwl09h0ltLtD1w-qCuxgSRsLnR78PHsRkYKwAvqhDD2WRqtkVTdIHX7CfTJ3l0DmTKhOocQE6JiTN1abIOKBzITB-9qyUVuUQVWAXuTXxx351V6HYhBXmLjHd3OfY7e1PctqdYk/s640/El+%25C3%25A1rbol+de+la+vida+43.png" width="640" /></a></div><div align="center" style="text-align: center;"> </div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-65683233988263171152011-09-29T21:04:00.002+02:002012-02-20T23:00:38.401+01:00Cuaderno de notas II<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhewE2v9BwnjC6YNsM6bHjUPH7sePA-aFAs9c4B0DRAB6CJX9I4iHddDQnj-PLP_KWzD3x1XVS9Jnouho9CXyFa8UXlDZHLNsGvTuNs5N4fa5K-u6I3EugTzMqaSX0DLFT9ugGU9TSaUos/s1600/Super+8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="476" kca="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhewE2v9BwnjC6YNsM6bHjUPH7sePA-aFAs9c4B0DRAB6CJX9I4iHddDQnj-PLP_KWzD3x1XVS9Jnouho9CXyFa8UXlDZHLNsGvTuNs5N4fa5K-u6I3EugTzMqaSX0DLFT9ugGU9TSaUos/s640/Super+8.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif; font-size: x-large;"><u><strong>1</strong></u></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> Con motivo del estreno de <em>Super 8</em> (<em>id</em>, 2011), su director J.J. Abrams ha declarado que la película surgió de la unión de dos ideas distintas: la primera era la historia de unos niños que se divierten realizando un cortometraje en Super 8, tal y como hizo el propio Abrams en su niñez; la segunda, al parecer sugerida por el productor de la cinta Steven Spielberg, era una historia de monstruos. Todo ello, tal y como últimamente se ha dicho hasta la saciedad, con un tono que trata de evocar el que se respiraba en clásicos de Spielberg como <em>Tiburón</em> (<em>Jaws</em>, 1975), <em>Encuentros en la tercera fase</em> (<em>Close encounters on the third kind</em>, 1977) y <em>E.T. El extraterrestre</em> (<em>E.T.: The extra-terrestrial</em>, 1982) o incluso en algunas de sus producciones ochentenas a través de la compañía Amblin.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFxI-ZU-0dyXq6VwR5cBzkELs1J96DInv5fe7E8ynmHmzDlU6SrSPuBk5TgFbhXhu2pS79KtHUbd2IQTni9IPdrbArMOVabrkOnnXwKH3bj6zfdKT7p4b7pArZLWGISAhZHgr80lpOYWs/s1600/Super+8+11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="411" kca="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFxI-ZU-0dyXq6VwR5cBzkELs1J96DInv5fe7E8ynmHmzDlU6SrSPuBk5TgFbhXhu2pS79KtHUbd2IQTni9IPdrbArMOVabrkOnnXwKH3bj6zfdKT7p4b7pArZLWGISAhZHgr80lpOYWs/s640/Super+8+11.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Más allá de toda la nostalgia que desprende el visionado de <em>Super 8</em>, lo cierto es que éste produce la sensación de estar viendo no una, sino dos películas distintas que no acaban de cohesionarse con naturalidad. La primera, y sin duda la mejor, es la crónica ese verano de 1979 durante el cual Joe (Joel Courtney), quien aún trata de superar la reciente pérdida de su madre, colabora con sus amigos en la filmación de un cortometraje sobre muertos vivientes y descubre el amor gracias a su amiga Alice (Elle Fanning). Quizá por sentirse muy cercano a las vivencias de sus personajes, es aquí donde Abrams consigue las secuencias más emocionantes de la película: el instante en el que Joe empieza a sentirse atraído por la joven mientras ésta interpreta magníficamente una escena del cortometraje, la secuencia en la que Joe y Alice visionan filmaciones caseras en las que aparece la fallecida madre del muchacho o, sobre todo, el propio cortometraje que los protagonistas han filmado a lo largo de toda su aventura, incluido de manera íntegra durante los títulos de crédito finales de <em>Super 8</em>. Por el contrario toda la trama que gira alrededor de la criatura extraterrestre se resiente de un exceso de referencias cinéfilas –que no se limitan al cine dirigido o producido por Spielberg, sino que también abarcan la ciencia ficción de los 50 o títulos como <em>La cosa</em> (<em>The thing</em>, John Carpenter, 1982) o <em>The host</em> (<em>Gwoemul</em>, Bong Joon-ho, 2006)–, lo que en más de una ocasión acaba evidenciando la inferioridad de <em>Super 8</em> respecto a algunas de las películas evocadas con evidente cariño por su director: sin ir más lejos la secuencia final de la cinta está muy lejos de alcanzar la emotividad del desenlace de <em>E.T. El extraterrestre</em>, por mucho que Abrams lo intente. Por todos estos motivos considero que <em>Super 8</em> se queda en una buena película cuando podría haber sido excelente. A destacar, eso sí, las estupendas interpretaciones de los jóvenes actores (en especial la del protagonista, Joel Courtney) y la espléndida banda sonora de Michael Giacchino. </div><br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKLXYc8ENVj3JIWvroHA5VUT4ape2iLTnTiDZvILoF28cO25fo48ZAqChlMjzgIyzC0s0l_CkiDVTLPhmOZ5zSS4PKdK4YQb-KPUa1EhAJeRzZAKsaxxwhaVTT9PGIdHnR9xX9U4AciXQ/s1600/Super+8+7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="264" kca="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKLXYc8ENVj3JIWvroHA5VUT4ape2iLTnTiDZvILoF28cO25fo48ZAqChlMjzgIyzC0s0l_CkiDVTLPhmOZ5zSS4PKdK4YQb-KPUa1EhAJeRzZAKsaxxwhaVTT9PGIdHnR9xX9U4AciXQ/s640/Super+8+7.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><strong><u><span style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif; font-size: x-large;">2</span></u></strong></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Gracias a su originalidad y a las numerosas lecturas que sigue suscitando, <em>El planeta de los simios</em> (<em>Planet of the apes</em>, Franklin J. Schaffner, 1968) no solo se convirtió rápidamente uno de los grandes clásicos del cine de ciencia ficción, sino que también supuso el inicio de una extensa saga completada nada menos que por cuatro secuelas, dos series de televisión y un olvidable <em>remake</em> firmado por Tim Burton. Con este extenso bagaje a sus espaldas parecía difícil afrontar una nueva entrega de la serie desde una perspectiva interesante, pero contra todo pronóstico <em>El origen del planeta de los simios</em> (<em>Rise of the planet of the apes</em>, Rupert Wyatt, 2011) lo ha conseguido, convirtiéndose además en una de las sorpresas más agradables de los últimos meses. La película de Wyatt puede verse tanto como una precuela de la magnífica cinta original de Schaffner como una rotunda reinterpretación de su idea principal: en esta ocasión un fallido experimento realizado con la intención de encontrar una cura para el Alzheimer es el causante de la acelerada evolución de un grupo de simios, quienes acaban convirtiéndose en una seria amenaza para el dominio del mundo por parte del hombre.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLkZpNZUerSobxHeRUNs21EwhJip_BTMq9CqVHigKQwn8top1-5NWswXCf4e9CxmOcsY-O7ny0czcjuWNAk_vg-GGv5IrHk8SksVkgnm2y8D9ubV9hqW8q1hn-8r3U1kUI-DjkHp8inQc/s1600/El+origen+del+planeta+de+los+simios+6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="356" kca="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLkZpNZUerSobxHeRUNs21EwhJip_BTMq9CqVHigKQwn8top1-5NWswXCf4e9CxmOcsY-O7ny0czcjuWNAk_vg-GGv5IrHk8SksVkgnm2y8D9ubV9hqW8q1hn-8r3U1kUI-DjkHp8inQc/s640/El+origen+del+planeta+de+los+simios+6.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><em> El origen del planeta de los simios</em> hace gala de un guión realmente brillante al que tan solo se le puede poner una pega: la simplista descripción de algunos desagradables personajes secundarios (el agresivo vecino del protagonista, el violento cuidador de animales, el arribista ejecutivo que subestima la importancia de los experimentos científicos), cuyo cometido en la trama consiste en representar los instintos más primarios del ser humano para, de este modo, justificar dramáticamente la rebelión de unos simios cada vez más humanizados. Pero a pesar de estos pequeños defectos, la película de Wyatt se confirma como un espectáculo inteligente y adulto narrado además con una imaginativa puesta en imágenes: véanse fragmentos tan logrados como la descripción de los sorprendentes avances de la inteligencia del chimpancé César durante sus primeros años de vida; las diferentes escenas que muestran los planes de fuga de César durante su claustrofóbico cautiverio en un recinto para animales; la poética imagen de la caída de cientos de hojas sobre una tranquila calle, signo del avance de los evadidos simios sobre las copas de los árboles; o la lograda secuencia del enfrentamiento final en el mismísimo Golden Gate. Por otro lado <em>El origen del planeta de los simios</em> difícilmente habría alcanzado su carga emotiva sin la convincente caracterización de los simios, mérito tanto de unos excelentes efectos especiales como del esforzado trabajo del actor Andy Serkis, cuyos gestos faciales y corporales proporcionan una gran personalidad a César, el indiscutible protagonista de la película.</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtNc_tokJZd6LSRQm7rl8lilwFSLyVpJaOnzmguC8P9fU3jb_gf0bvvs8Absx_fGXSNdqt8wR7WLrN-ao5b9VTZT0iIsUbViA4c9SQXm88k0B0BWq3BqgLVt3-OQ6MDyoWBRo1Djlhvi8/s1600/El+origen+del+planeta+de+los+simios+9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="353" kca="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtNc_tokJZd6LSRQm7rl8lilwFSLyVpJaOnzmguC8P9fU3jb_gf0bvvs8Absx_fGXSNdqt8wR7WLrN-ao5b9VTZT0iIsUbViA4c9SQXm88k0B0BWq3BqgLVt3-OQ6MDyoWBRo1Djlhvi8/s640/El+origen+del+planeta+de+los+simios+9.jpg" width="640" /></a></div><br />
<div style="text-align: center;"><strong><u><span style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif; font-size: x-large;">3</span></u></strong></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> Bandas sonoras tan excelentes como las de <em>Los increíbles</em> (<em>The incredibles</em>, Brad Bird, 2004), <em>Star Trek</em> (<em>id</em>, J.J. Abrams, 2009), <em>Up</em> (<em>id</em>, Pete Docter y Bob Peterson, 2009) o la mítica serie <em>Perdidos </em>(<em>Lost</em>, 2004-2010) avalan a Michael Giacchino como uno de los mejores compositores del actual panorama cinematográfico. Sin embargo conviene reivindicar de una vez por todas su brillante etapa inicial desarrollada en el campo de los videojuegos y, más concretamente, su contribución musical a la saga <em>Medal of Honor</em>, todavía hoy uno de sus mejores trabajos. Y es que Giacchino dejó a muchos con la boca abierta con su extraordinaria música para esta extensa saga de videojuegos ambientada en la Segunda Guerra Mundial, un conjunto de bandas sonoras a la altura de las compuestas por Ron Goodwin, Jerry Goldsmith o John Williams para el más espectacular cine bélico.</div><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/cuv69dyiQ1M" width="420"></iframe></div><br />
<div style="text-align: justify;"> Los seguidores de Giacchino estamos de enhorabuena gracias a la comercialización de <em>Medal of Honor Soundtrack Collection</em>, un formidable cofre con todas las bandas sonoras de la saga. La colección incluye las maravillosas composiciones de Giacchino para el original <em>Medal of Honor</em> (1999) y para las sucesivas entregas <em>Underground</em> (2000), <em>Allied Assault</em> (2002), <em>Frontline</em> (2002) y <em>Airbone</em> (2007), así como los también muy apreciables trabajos de Christopher Lennertz para <em>Rising Sun</em> (2003), <em>Pacific Assault</em> (2004) y <em>European Assault</em> (2005) y la más que correcta labor de Ramin Djawadi para el reciente <em>Medal of Honor</em> (2010). En conjunto ochos discos, nueve bandas sonoras y más de nueve horas de música, todo ello a un precio realmente interesante (alrededor de 50 euros), lo que convierte la adquisición de <em>Medal of Honor Soundtrack Collection</em> en muy recomendable para los aficionados a las bandas sonoras y en imprescindible para los seguidores de Giacchino. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxI5RRMHfOPQwKEHZrUTy0amiYSR6aGTwy8XNDNyvwYsfcdFeSWITfTtGuCJLjCFi3m_YTfDCAzUbRd3zIleLqF2xtZAt4gmBORukmeKO7d1raJrUd4ORfeT7buweAggmc6KdTs6iVlS8/s1600/Medal+of+honor+soundtrack+collection.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="352" kca="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxI5RRMHfOPQwKEHZrUTy0amiYSR6aGTwy8XNDNyvwYsfcdFeSWITfTtGuCJLjCFi3m_YTfDCAzUbRd3zIleLqF2xtZAt4gmBORukmeKO7d1raJrUd4ORfeT7buweAggmc6KdTs6iVlS8/s640/Medal+of+honor+soundtrack+collection.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-32345042957956583902011-08-21T23:24:00.001+02:002011-09-29T20:49:19.709+02:00Cuaderno de notas I<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJ1EhyphenhyphenLfJUWMiDLFXGEamUwYpFknbV9V_8DU3mmHRblGzVelDl6nP_aV7qX9VKy3pPcU6OBRvjZ1XD0PE1vOXQfQYt2Pm23tiq-UXHE-4X0bZiqS9_sMNmyWajcSYu4B8YqvrvJpl4qbw/s1600/Mad+men+16.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="460" qaa="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJ1EhyphenhyphenLfJUWMiDLFXGEamUwYpFknbV9V_8DU3mmHRblGzVelDl6nP_aV7qX9VKy3pPcU6OBRvjZ1XD0PE1vOXQfQYt2Pm23tiq-UXHE-4X0bZiqS9_sMNmyWajcSYu4B8YqvrvJpl4qbw/s640/Mad+men+16.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Con esta entrada doy inicio a una sección que pienso continuar de manera periódica y en la que pretendo comentar sucintamente algunos temas que, por algún u otro motivo, no sean tratados en las entradas más extensas, además de recomendar algunas lecturas o enlaces que me llamen la atención. Otro motivo que me ha llevado a iniciar estos Cuadernos de notas es el de actualizar este blog con mayor regularidad, pues debo admitir que durante los últimos meses no he escrito tanto como debería haber hecho. Empecemos pues con cinco apuntes breves:</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="color: black; font-size: x-large;"><strong><u><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">1</span></u></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkxsrEp_4RFYe5q6xJx43NOSvA8t_swWRyUULsUrBlvR7RSCfDbu4ctcTDHoKLNMJ0bYuLfaRZCLGv7dojW6ju5zHE56v9X16ANcMIExYGsshPkvSiFk-qw2UZf42nKRRLgUqyBILy_iI/s1600/Mad+men+18.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="288" qaa="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkxsrEp_4RFYe5q6xJx43NOSvA8t_swWRyUULsUrBlvR7RSCfDbu4ctcTDHoKLNMJ0bYuLfaRZCLGv7dojW6ju5zHE56v9X16ANcMIExYGsshPkvSiFk-qw2UZf42nKRRLgUqyBILy_iI/s400/Mad+men+18.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Hace ya casi dos años plasmé en este mismo blog mis impresiones sobre la <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2010/02/mad-men-los-publicistas-de-la-avenida.html">primera temporada de <em>Mad men</em> (<em>id</em>, 2007)</a>, una de las series de televisión más aclamadas de los últimos años. Tras haber visto sus dos siguientes temporadas puedo confirmar que se trata de una serie brillante, un admirable retrato de la sociedad norteamericana de los 60 que, a través de la descripción de la exitosa agencia de publicidad en la que trabaja Don Draper (un inolvidable Jon Hamm), dibuja con maestría la falsedad que se oculta tras el sueño americano. El paralelismo con el que se muestra el deterioro del matrimonio Draper y la pérdida de la inocencia de los Estados Unidos (narrado a través de episodios históricos tan dramáticos como la crisis de los misiles cubanos o, sobre todo, el asesinato de John Fitzgerald Kennedy) es tan solo una muestra del talento de los responsables de esta excelente serie.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: center;"><span style="color: black; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: x-large;"><strong><u>2</u></strong></span> </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Pasan los meses y <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/02/mas-alla-de-la-vida-un-eastwood-menor.html"><em>Más allá de la vida</em> (<em>Hereafter</em>, Clint Eastwood, 2010)</a> sigue pareciéndome la mejor película estrenada este año. Como no abundan los comentarios positivos sobre esta infravalorada película recomiendo encarecidamente la lectura de la excelente crítica que Tomás Fernández Valentí, gran admirador del cine de Clint Eastwood, le dedicó <a href="http://elcineseguntfv.blogspot.com/2011/02/mas-alla-de-la-critica-mas-alla-de-la.html">en su blog</a>.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: x-large;"><strong><u>3</u></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIyVEenM04RsENoxBlmRSeQAYGN4eXC0Ng73lIYrWjwX39eTX2EsAJrYY0JxgqRWn8NAlwev3OgwrJ_jtp-sSt4PLVhJANRO2p3lppzWmK-uK9Tfv6WiwljMiZWBRt-fhgN9U0GSkELQg/s1600/David+Lynch.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" qaa="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIyVEenM04RsENoxBlmRSeQAYGN4eXC0Ng73lIYrWjwX39eTX2EsAJrYY0JxgqRWn8NAlwev3OgwrJ_jtp-sSt4PLVhJANRO2p3lppzWmK-uK9Tfv6WiwljMiZWBRt-fhgN9U0GSkELQg/s400/David+Lynch.jpg" width="292" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Una recomendación para todos los seguidores de David Lynch o simplemente para aquellos interesados en su obra: háganse con el libro de Andrés Hispano <em>David Lynch: Claroscuro americano</em> (Ediciones Glénat, Barcelona, 1998). A pesar de no tratarse precisamente de una novedad editorial, y de la cantidad de libros que se publican constantemente sobre Lynch, el libro de Hispano resulta imprescindible por su excepcional calidad. Su autor, haciendo gala de una gran capacidad de análisis, disecciona la trayectoria artística del director de <em>Terciopelo azul</em> (<em>Blue velvet</em>, 1986) proporcionando una exhaustiva información sobre los referentes iconográficos del cineasta y sobre la densa gama de significados ocultos que se encuentran agazapados tras sus imágenes. Además el autor no se limita a analizar los largometrajes de Lynch, sino que también se detiene en otras parcelas de su obra como sus cortometrajes o sus trabajos para televisión, dedicando un amplio espacio a la inolvidable serie <em>Twin Peaks</em> (<em>id</em>, 1990-1991). El único inconveniente del libro de Hispano es que, debido su fecha de publicación, solo cubre la obra de Lynch hasta <em>Carretera perdida</em> (<em>Lost highway</em>, 1997), dejando fuera sus posteriores películas <em>Una historia verdadera</em> (<em>The straight story</em>, 1999), <em>Mulholland drive</em> (<em>id</em>, 2001) e <em>Inland Empire</em> (<em>id</em>, 2006) y sus numerosos cortometrajes realizados durante los últimos años, algunos tan atractivos como <em>Lady blue Shanghai</em> (<em>id</em>, 2010). Pese a ello considero que <em>David Lynch: Claroscuro americano</em> es un libro que no debería faltar en las estanterías de los abundantes admiradores de tan misterioso cineasta. </div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="color: black; font-size: x-large;"><strong><u><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">4</span></u></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> Como complemento a mi reciente <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/07/recordando-bernard-herrmann-primera.html">acercamiento a la obra de Bernard Herrmann</a> recomiendo un interesante <a href="http://www.rtve.es/alacarta/videos/programa/dias-cine-centenario-del-nacimiento-del-compositor-musica-cine-bernard-hermann/1142682/">vídeo-homenaje</a> dedicado a este gran compositor emitido recientemente en el programa de televisión <em>Días de cine</em>. Se trata de un excelente reportaje enriquecido por los cometarios de Ana Vega Toscano y Roberto Cueto, éste último autor de un libro excepcional: <em>Cien bandas sonoras en la Historia del Cine</em> (Editorial Nuer, Madrid, 1996).</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="color: black; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: x-large;"><strong><u>5</u></strong></span><span style="color: black; font-size: x-large;"><strong><br />
</strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> Unas palabras acerca de <em>Midnight in Paris</em> (<em>id</em>, 2011), la última y exitosa película de Woody Allen. Quizás no sea la mejor de las últimas películas de Allen -personalmente veo difícil que supere algo como <em>Match point</em> (<em>id</em>, 2005)- pero sí es una agradable y divertida comedia protagonizada, como siempre en el cine de su director, por un excelente reparto: además de un sorprendente Owen Wilson (quien consigue convertirse en un alter ego del director sin imitarle directamente) y de una encantadora Marion Cotillard merece ser destacado un hilarante Michael Sheen, espléndido en su papel de plasta sabelotodo. Pero ante todo <em>Midnight in Paris</em> sobresale por la sencilla pero acertada reflexión que Allen propone sobre la tendencia a pensar que todo tiempo pasado fue mejor: tal y como comprende el personaje encarnado por Wilson, Allen parece decirnos que lo único útil que podemos hacer es mirar de frente al futuro, pues de nada sirve recrearse en un pasado que probablemente nunca brilló con tanto esplendor como en nuestra imaginación. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY1xTx5kqXtGxNAEdYIcWnuNwUJ3PqIeEm1SJthsAjpcpdhtI6KACb5qNitnoYaTKZIPW_tffyn7WbbDG2qLFbMjL9LFHzWm3YbEbyFmYt3vbnydmDuSZSETT12AOcB37uNmjF6hsNwtA/s1600/Midnight+in+Paris.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" qaa="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY1xTx5kqXtGxNAEdYIcWnuNwUJ3PqIeEm1SJthsAjpcpdhtI6KACb5qNitnoYaTKZIPW_tffyn7WbbDG2qLFbMjL9LFHzWm3YbEbyFmYt3vbnydmDuSZSETT12AOcB37uNmjF6hsNwtA/s640/Midnight+in+Paris.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br />
</div></div></div></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-58356613976224776922011-07-29T17:57:00.003+02:002011-08-01T12:49:51.304+02:00Recordando a Bernard Herrmann (Segunda parte)<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiosbC5wRxaYxHy9vevvl7_Yv5aKnILLLDK1Z6or6QZrjmAZWNAVwaGU5fP_ODtauxBJdHHyJUR3ZwGISVz05yEknwqcZc2EEjS4K-l9hTdzAYTe23kyGbO31fsnG4uNZ-duf5TgtMnG78/s1600/Harry+-+BSO.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="395" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiosbC5wRxaYxHy9vevvl7_Yv5aKnILLLDK1Z6or6QZrjmAZWNAVwaGU5fP_ODtauxBJdHHyJUR3ZwGISVz05yEknwqcZc2EEjS4K-l9hTdzAYTe23kyGbO31fsnG4uNZ-duf5TgtMnG78/s400/Harry+-+BSO.jpg" t$="true" width="400" /></a> El año 1955 supone un antes y un después en la carrera de Bernard Herrmann al iniciarse su asociación con Alfred Hitchcock. El gran cineasta británico ya había intentado contar con la colaboración del músico en <em>Recuerda</em> (<em>Spellbound</em>, 1945), si bien esa banda sonora acabaría siendo compuesta por un inspirado Miklós Rózsa. Finalmente la primera película en la que ambos coincidirían sería <em>Pero... ¿quién mató a Harry?</em> (<em>The trouble with Harry</em>, 1955), abriendo uno de los capítulos más fascinantes de la historia de las bandas sonoras e iniciando la que probablemente sea la más importante colaboración entre un director cinematográfico y un compositor, superior incluso a las de Federico Fellini y Nino Rota, Blake Edwards y Henry Mancini, Steven Spielberg y John Williams o Tim Burton y Danny Elfman.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> La fructífera relación entre ambos artistas se prolongaría durante más de una década en nueve películas y sus correspondientes bandas sonoras, cada una de ellas diferente y de una gran calidad. Para <em>Pero... ¿quién mató a Harry?</em> el compositor creó una música tan macabra como irónica, en consonancia con el recital de humor negro de Hitchcock en esta película, posiblemente una de las más personales de su carrera. En <em>El hombre que sabía demasiado </em>(<em>The man who knew too much</em>, 1956), nueva y superior versión de la película del mismo título dirigida en 1934 por el propio Hitchcock, destaca la célebre secuencia del atentado en la sala de conciertos, momento en el que aparece el propio Herrmann dirigiendo una personal versión de la <em>Storm Cloud Cantata</em> compuesta por Arthur Benjamin para la primera versión. Con <em>Falso culpable</em> (<em>The wrong man</em>, 1958), probablemente la largometraje más realista de su director, Herrmann desarrolló una partitura fundamentada en el jazz, relacionando así la banda sonora de la película con la profesión de su protagonista, el contrabajista magníficamente interpretado por Henry Fonda. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2jAEZPNJEvXhY5sq02LfyG-zEZGVn0do-TO8naqzf81Sn4onCsuOpBeS9vfbYvnrImLTIp-FGYiESLV0o4ccctVKbigX134yT69L3aysGIyH1Uzd07T681DQKXI9urSwZJLd2ThUX-ZY/s1600/Con+la+muerte+8.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2jAEZPNJEvXhY5sq02LfyG-zEZGVn0do-TO8naqzf81Sn4onCsuOpBeS9vfbYvnrImLTIp-FGYiESLV0o4ccctVKbigX134yT69L3aysGIyH1Uzd07T681DQKXI9urSwZJLd2ThUX-ZY/s400/Con+la+muerte+8.jpg" t$="true" width="277" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Pero lo mejor aún estaba por llegar. <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2010/12/bernard-herrmann-y-la-banda-sonora-de.html"><em>Vértigo</em> (<em>Vertigo</em>, 1958)</a> supuso para el músico la oportunidad de dar rienda suelta a todo su lirismo wagneriano, dando luz a la que en opinión de muchos es su gran obra maestra. Para la extraordinaria <em>Con la muerte en los talones</em> (<em>North by northwest</em>, 1959) Herrmann compuso una partitura tan frenética y dinámica como la propia película, aportando ritmo y tensión de un modo extremadamente creativo. En <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2010/06/psicosis-y-su-banda-sonora-cumplen-50.html"><em>Psicosis</em> (<em>Psycho</em>, 1960)</a>, tal vez su banda sonora más popular, el compositor se esforzó en crear lo que él mismo definió como una partitura “en blanco y negro”, por lo que eludió los instrumentos de viento y percusión utilizando exclusivamente los de cuerda. En <em>Los pájaros</em> (<em>The birds</em>, 1963) Hitchcock prescindió de acompañamiento musical, pero Herrmann colaboró con Oskar Sala y Remi Gassman para elaborar los innovadores efectos sonoros de la cinta. En <em>Marnie, la ladrona</em> (<em>Marnie</em>, 1964) Herrmann expresó musicalmente la obsesión y el tormento interior del complejo personaje interpretado por Tippi Hedren. A pesar del gran resultado de estos trabajos conjuntos, <em>Cortina rasgada</em> (<em>Torn curtain</em>, 1966) supondría la ruptura profesional entre Hitchcock y Herrmann: a pesar de su excepcional calidad, la partitura compuesta por Herrmann no sería del agrado de Hitchcock ni aun menos de los productores de la cinta, quienes exigían una música más acorde con los nuevos tiempos. Cuando la banda sonora original de <em>Cortina rasgada</em> fue rechazada y sustituida por una nueva partitura de John Addison terminó la mejor etapa del compositor y su asociación con uno de los grandes maestros del cine.</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/60dTMdjaZpk" width="425"></iframe></div><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisoLqisHVL1YQ7T1G4gEWY9OA6OMWLClRHQbbbBCbDB7PFE_6vh4p6qOHkmmQTRcS7GEBmjWC0rM8npe7dA5ho5U_h2eMQuB2j2rGQu_1PaRaxCtkxtL2396847-y8rpM485olwdy1-Wc/s1600/El+cabo+del+terror+8.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="303" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisoLqisHVL1YQ7T1G4gEWY9OA6OMWLClRHQbbbBCbDB7PFE_6vh4p6qOHkmmQTRcS7GEBmjWC0rM8npe7dA5ho5U_h2eMQuB2j2rGQu_1PaRaxCtkxtL2396847-y8rpM485olwdy1-Wc/s320/El+cabo+del+terror+8.jpg" t$="true" width="320" /></a> Además de por sus últimas colaboraciones con Ray Harryhausen (ya comentadas en la <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/07/recordando-bernard-herrmann-primera.html">primera parte</a> de esta entrada) y Alfred Hitchcock, la obra de Herrmann en los años 60 destaca por dos bandas sonoras que alcanzarán una gran popularidad con el paso de los años. La primera es <em>El cabo del terror</em> (<em>Cape Fear</em>, J. Lee Thompson, 1962), cuya excelente música de suspense sería recuperada por Martin Scorsese en <em>El cabo del miedo</em> (<em>Cape Fear</em>, 1991), remake de la película de los 60 para la que Elmer Bernstein adaptó la partitura original de Herrmann. La segunda es <em>Nervios rotos</em> (<em>Twisted nerve</em>, Roy Boulting, 1968), para la que el músico creó un retentivo tema central interpretado con silbidos; décadas después dicho tema musical gozaría de gran popularidad al ser incorporado a la banda sonora del <em>Kill Bill: Vol. 1</em> (<em>id</em>, Quentin Tarantino, 2003).</div></div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/QH3RhbVP7cA" width="425"></iframe></div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggcqjva4XeeEeIcNZJRWuVWNTiFfX6-J3s7pkTEL03ef4o_1OQqO5B_EEdGBAIzhP_NaMZc1U562kA4KF9oGknVIw2LhvIhyHrIpM2zT9Casay5YV7Zz_XIH1EhuC8yPv0QI1cHYbOZzA/s1600/Fahrenheit+451.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: right; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggcqjva4XeeEeIcNZJRWuVWNTiFfX6-J3s7pkTEL03ef4o_1OQqO5B_EEdGBAIzhP_NaMZc1U562kA4KF9oGknVIw2LhvIhyHrIpM2zT9Casay5YV7Zz_XIH1EhuC8yPv0QI1cHYbOZzA/s400/Fahrenheit+451.jpg" t$="true" width="297" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"> La última etapa de la obra de Herrmann fue la más difícil para el músico debido a los grandes cambios experimentados en la industria del cine norteamericano, que en los primeros años 60 había sufrido el declive del sistema de estudios y la llegada de una nueva generación de compositores que introdujeron la música pop en las bandas sonoras. Ante esta situación, extremadamente incómoda para un compositor clásico como Herrmann, no resulta extraño que sus más brillantes composiciones en estos últimos años consistan en trabajos para dos declarados admiradores de sus colaboraciones con Hitchcock: François Truffaut y Brian de Palma. Para Truffaut compuso <em>Fahrenheit 451</em> (<em>id</em>, 1966) y <em>La novia vestía de negro</em> (<em>La mariée était en noir</em>, 1968); muy destacable es la banda sonora de <em>Fahrenheit 451</em>, adaptación de la novela homónima de Ray Bradbury que incluye música tan hermosa como la de los hipnóticos títulos de crédito, la descripción del trabajo de los bomberos o la emocionante secuencia final con los hombres-libro. Para Brian de Palma el compositor confeccionó las partituras de <em>Hermanas</em> (<em>Sisters</em>, 1973) y <em>Fascinación</em> (<em>Obsession</em>, 1975); de las dos destaca muy especialmente la segunda, un declarado homenaje a <em>Vértigo</em> por parte de un inspirado de Palma que llevó a Herrmann a establecer un diálogo con su partitura para el clásico de Hitchcock consiguiendo además uno de sus mejores trabajos.</div></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/lllr_2ZF5Tk" width="425"></iframe></div><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRnPg2Eou4Qce18SjSYML_iPBk9TCaBrGnZE-7MefSYSfgyoOZ_-3aTjjywVVDSrcvpqUwhAgYQgMUf90G65jjohKWKHIkQMO_mPWUCezso29P78R78-ObKZDQLX0mUF5zXvTpxNg-q1s/s1600/Taxi+driver+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="218" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRnPg2Eou4Qce18SjSYML_iPBk9TCaBrGnZE-7MefSYSfgyoOZ_-3aTjjywVVDSrcvpqUwhAgYQgMUf90G65jjohKWKHIkQMO_mPWUCezso29P78R78-ObKZDQLX0mUF5zXvTpxNg-q1s/s400/Taxi+driver+5.jpg" t$="true" width="400" /></a></div> Un compositor cuyo primer trabajo para el cine había sido el de <em>Ciudadano Kane</em> tenía que despedirse por todo lo alto, y Herrmann lo hizo. Su última banda sonora sería la de <em>Taxi driver</em> (<em>id</em>, 1975), célebre retrato de la cara más oscura de Nueva York a cargo de un Martin Scorsese en estado de gracia. El compositor realizó una banda sonora turbia y desasosegante fundamentada en un tema central para saxofón, capturando perfectamente la atmósfera nocturna y pesadillesca de la película. La noche del 24 de diciembre de 1975, apenas unas horas después de finalizar la grabación de esta última composición musical, Herrmann fallecería a causa de un infarto. Martin Scorsese rendiría un merecido homenaje a este genio de la música dedicándole póstumamente la película.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/SWTv8toR3Ug" width="560"></iframe></div><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMBVYD2zf1hSLZ8_DAWTbqYoMetFwr3A3qnopbAjLJB8Uo05xstPX7qIpdcNhKojRuRlW2ojL4FVWARIxNFI3TIj5tZ0l68VbsurGJNKx0SllttdGeSV7juv5X7e1n1Z9JaAbC1zGOzwo/s1600/Taxi+driver.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMBVYD2zf1hSLZ8_DAWTbqYoMetFwr3A3qnopbAjLJB8Uo05xstPX7qIpdcNhKojRuRlW2ojL4FVWARIxNFI3TIj5tZ0l68VbsurGJNKx0SllttdGeSV7juv5X7e1n1Z9JaAbC1zGOzwo/s400/Taxi+driver.jpg" t$="true" width="265" /></a><strong>Bibliografía consultada:</strong><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">- Cueto, Roberto: <em>Cien bandas sonoras en la Historia del Cine</em>. Editorial Nuer, Madrid, 1996.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">- Navarro, Heriberto y Navarro, Sergio: <em>Música de cine: historia y coleccionismo de bandas sonoras</em>. Ediciones Internacionales Universitarias, Madrid, 2003.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">- Padrol, Joan: <em>Pentagramas de película. Entrevistas a grandes compositores de bandas sonoras</em>. Editorial Nuer, Madrid, 1998.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">- Valls Gorina, Manuel y Padrol, Joan: <em>Música y cine</em>. Ultramar, Barcelona, 1990.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-13903452010452964632011-07-06T13:03:00.002+02:002012-01-13T12:08:01.501+01:00Recordando a Bernard Herrmann (Primera parte)<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihtrTtPprrWqT1EgxN93tuvgE0evhoJSleWQQwsF8AcgSbEGRfqnetArX64GUAr1t8E_JAjQx-4uFjmUpu7_VlaHDhB13A1IrjoPpR9H90zq0XRzrlFPSWOOvNIstfHX6wxDEFKEPPRZ4/s1600/Bernard+Herrmann.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" m$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihtrTtPprrWqT1EgxN93tuvgE0evhoJSleWQQwsF8AcgSbEGRfqnetArX64GUAr1t8E_JAjQx-4uFjmUpu7_VlaHDhB13A1IrjoPpR9H90zq0XRzrlFPSWOOvNIstfHX6wxDEFKEPPRZ4/s400/Bernard+Herrmann.jpg" width="385" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> El pasado 29 de junio se cumplieron cien años del nacimiento de Bernard Herrmann. Se trata por tanto de un excelente momento para recordar la figura de uno de los compositores de bandas sonoras más aclamados de la historia y mi favorito junto con Jerry Goldsmith. Lo que sigue es un acercamiento inevitablemente parcial, subjetivo e incompleto a la obra de uno de los compositores que más ha contribuido a la evolución de las bandas sonoras estableciendo un rico diálogo entre música e imágenes.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> La influencia de Herrmann en la evolución de la música cinematográfica está fuera de toda duda, y su actitud a la hora de afrontar la composición de bandas sonoras con la misma dedicación con la que componía música de concierto hizo mucho por ennoblecer su profesión. El músico gozó además de un gran respeto por parte de los directores con los que trabajó, algo muy inhabitual durante la época dorada de Hollywood: de este modo tuvo el generoso plazo doce semanas para componer la banda sonora de <em>Ciudadano Kane</em> (<em>Citizen Kane</em>, Orson Welles, 1941), colaboró con Orson Welles y Alfred Hitchcock para confeccionar la banda de sonido de varias películas e incluso llegó a sugerirle a Brian de Palma algunas ideas de puesta en escena para <em>Fascinación</em> (<em>Obsession</em>, 1975). Por otro lado la personalidad de Bernard Herrmann, de fuerte carácter, también destacó a la hora de reivindicar su profesión: sus protestas contra una industria que no trataba con el suficiente respeto a sus músicos le llevaron a presentar su dimisión como miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en 1966. Citar a título de curiosidad que Herrmann es uno de los pocos compositores de música de cine (junto con Franz Waxman, Dimitri Tiomkin, Max Steiner, Alfred Newman y Erich Wolfang Korngold) a quienes se les ha dedicado la estampa de un sello: en concreto a Herrmann se le dedicó un sello de 33 centavos en 1999 dentro de la serie “Leyendas de la Música Norteamericana”, lo que indica el respeto que siempre se ha venerado hacia su figura.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEd_esdSVKLpxMP5q0cmGflJwnjELd1mdR39zZVUcunG9zTeFs-SAcbA8d7CMsWjG8KT31K1B42uhZUnba7ZYYkNSzzbeLaTZiuZ1l54R0dZg59bgQBkasBFHulGKZKODUxddToTYsb6E/s1600/Welles-+Herrmann+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="317" m$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEd_esdSVKLpxMP5q0cmGflJwnjELd1mdR39zZVUcunG9zTeFs-SAcbA8d7CMsWjG8KT31K1B42uhZUnba7ZYYkNSzzbeLaTZiuZ1l54R0dZg59bgQBkasBFHulGKZKODUxddToTYsb6E/s400/Welles-+Herrmann+3.jpg" width="400" /></a> Bernard Herrmann nació en Nueva York el 29 de junio de 1911. Hijo de inmigrantes judíos rusos, pronto se sintió atraído por el mundo de la música al recibir un violín como regalo de su padre. Cuando estudió en la DeWitt Clinton High School fue alumno de músicos de la talla de Aaron Copland o George Gershwin y fue compañero de estudios de Jerome Moross, luego compositor de bandas sonoras como la extraordinaria <em>Horizontes de grandeza</em> (<em>The big country</em>, William Wyler, 1958). Posteriormente recibió formación en composición y dirección musical en la Universidad de Nueva York y la Juilliard School of Music. En 1930 se unió a la Young Composers Group, gracias a la cual pudo dirigir tanto piezas propias como ajenas. En 1934 empezó a trabajar en la radio, concretamente en la cadena CBS, medio en el que conocería a un personaje clave en su carrera: Orson Welles. Éste, por entonces un prometedor joven que acababa de fundar la compañía teatral Mercury Theatre of the Air, trabajó con Herrmann en la famosa retransmisión radiofónica de <em>La guerra de los mundos</em> en 1938. Poco después Welles decidió dar el salto a la gran pantalla dirigiendo, escribiendo y protagonizando la que acabaría siendo una de las películas más famosas de la Historia del Cine: <em>Ciudadano Kane</em>. A su vez tal película supondría la primera banda sonora de Herrmann, quien compuso una partitura inhabitual para el cine de su época, carente de leitmotivs y en la que destaca el sombrío y tenebroso tema de la secuencia inicial, que describe el barroquismo y la decadencia del final de la vida de Charles Foster Kane. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/nPxGmTYh_jU" width="420"></iframe></div><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEju6Hwwqp13Nk5SxRxBC4gZ_IAXWYY3whRdOm9bfQ3jkiZ3ERVaLSlogBheE6JTTxsMLoMzHCidYEuQsBizF3PiOcQN_CdRR6K1Ive0bGGXyQI1Kz7ox2OU1d9C7mK2cSNybMaeP6bimGY/s1600/Ciudadano+Kane+-+BSO.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" m$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEju6Hwwqp13Nk5SxRxBC4gZ_IAXWYY3whRdOm9bfQ3jkiZ3ERVaLSlogBheE6JTTxsMLoMzHCidYEuQsBizF3PiOcQN_CdRR6K1Ive0bGGXyQI1Kz7ox2OU1d9C7mK2cSNybMaeP6bimGY/s400/Ciudadano+Kane+-+BSO.jpg" width="398" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Con su primer trabajo para el cine Herrmann ya desarrolló plenamente su estilo propio, completamente alejado de la corriente de romanticismo germánico instaurada años atrás por músicos como Max Steiner en <em>King Kong</em> (<em>id</em>, Mercian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933), Franz Waxman en <em>La novia de Frankenstein</em> (<em>Bride of Frankenstein</em>, James Whale, 1935) o Erich Wolfang Korngold en <em>El capitán Blood</em> (<em>Captain Blood</em>, Michael Curtiz, 1935) y <em>Robin de los bosques</em> (<em>The adventures of Robin Hood</em>, Michael Curtiz y William Keighley, 1938). En comparación con estas composiciones Herrmann se mostraba más ecléctico, pues creía que cada banda sonora debía ser diferente dependiendo de las características de la película a la que acompañaba. También era reacio a utilizar leitmotivs para describir personajes o lugares, prefiriendo por el contrario describir emociones no visualizadas en la pantalla de cine. En <em>Ciudadano Kane</em> Herrmann rechazó utilizar una orquesta sinfónica, prefiriendo en cambio utilizar pocos instrumentos y dar relevancia a los registros bajos de instrumentos de viento como la tuba, el clarinete, el trombón, el oboe o el fagot. Estas características, así como la atmósfera oscura y tenebrosa de su resultado, serán las principales características de la música de su autor, así como las disonancias inspiradas en Ígor Stravinsky. Además, y tal como ya se ha apuntado líneas atrás, Herrmann participó activamente en la elaboración de la banda de sonido de <em>Ciudadano Kane</em>, ayudando a Welles y al montador Robert Wise a equilibrar la mezcla de música, diálogos y efectos sonoros. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL9eZxtN9oDLODAD39qbYQ_iOCVSkUpP50gMguOHNbn0YI0tu0EJlkKGr5H4fB_dlAqFwAIYPFNf1RgXq5sS07cT52fHUtoM8MQNfaK6mgbL0YctS-1FXW66aTAG9vJVGqXh4XkCZ50qA/s1600/El+fantasma+y+la+se%25C3%25B1ora+Muir+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" m$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL9eZxtN9oDLODAD39qbYQ_iOCVSkUpP50gMguOHNbn0YI0tu0EJlkKGr5H4fB_dlAqFwAIYPFNf1RgXq5sS07cT52fHUtoM8MQNfaK6mgbL0YctS-1FXW66aTAG9vJVGqXh4XkCZ50qA/s400/El+fantasma+y+la+se%25C3%25B1ora+Muir+3.jpg" width="315" /></a> Poco después del estreno de <em>Ciudadano Kane</em> Herrmann obtuvo el reconocimiento de la industria de Hollywood al ganar el Oscar a la mejor banda sonora por <em>El hombre que vendió su alma</em> (<em>All that money can buy</em>, William Dieterle, 1941), a pesar de no tratarse de uno de sus trabajos más recordados. El compositor volvería a colaborar con Orson Welles por última vez en <em>El cuarto mandamiento</em> (<em>The magnificent Ambersons</em>, 1942), pero los problemas de postproducción de la película afectaron directamente a su banda sonora puesto que los productores llegaron a sustituir media hora de la música de Herrmann por composiciones de Roy Webb. En la década de los cuarenta también destacaron las partituras para <em>Alma rebelde</em> (<em>Jane Eyre</em>, Robert Stevenson, 1943) y <em>Concierto macabro</em> (<em>Hangover Square</em>, John Brahm, 1945). Asimismo Herrmann también compuso entre 1949 y 1951 la ópera <em>Wuthering Heights</em>, inspirada en la famosa novela de Emily Brönte <em>Cumbres borrascosas</em>, y siguió trabajando en la Orquesta Sinfónica de la CBS hasta su disolución en 1951. Pero si hay que destacar un trabajo de esta época ése es sin duda <em>El fantasma y la señora Muir</em> (<em>The ghost and Mrs. Muir</em>, Joseph L. Mankiewicz, 1947): para esta maravillosa comedia fantástica Herrmann dio rienda suelta a su romanticismo creando la que en su propia opinión es su mejor composición y en la que destaca la emocionante música de las inolvidables secuencias finales.</div><div style="text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/p1g5H0kZvqU" width="425"></iframe></div><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTj9u3hmE9Wyn0nM9j7biG2UjRrsTPSzTU0L-MwmqAWTBKTI1id-0moXX37ezkYYeRpCZGknOLKRAaz-eu3cJhe33xbjsr9lxpo6WJWnk-KMpIRncoJ8uUAjfDUDfE4jH8y6SPWcgu6AA/s1600/Ultimatum+a+la+Tierra+7.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" m$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTj9u3hmE9Wyn0nM9j7biG2UjRrsTPSzTU0L-MwmqAWTBKTI1id-0moXX37ezkYYeRpCZGknOLKRAaz-eu3cJhe33xbjsr9lxpo6WJWnk-KMpIRncoJ8uUAjfDUDfE4jH8y6SPWcgu6AA/s400/Ultimatum+a+la+Tierra+7.jpg" width="298" /></a> La década de los 50 resultó especialmente fructífera para Herrmann. Consolidado como uno de los grandes talentos de Hollywood y ya dedicado casi exclusivamente a las bandas sonoras, Herrmann siguió experimentando con nuevas sonoridades. Su estilo encontró un amplio campo de desarrollo en los géneros de aventuras fantásticas y de ciencia-ficción, géneros de gran éxito en aquellos años. Herrmann desarrolló una música alejada de los convencionalismos de la época con el objetivo de describir mundos imaginarios y sucesos inexplicables. Así en <em>Ultimátum a la Tierra</em> (<em>The day the Earth stood still</em>, Robert Wise, 1951) utilizó el theremin, instrumento electrónico que Miklós Rózsa ya había utilizado en el cine para describir la amnesia en <em>Recuerda</em> (<em>Spellbound</em>, Alfred Hitchcock, 1945) o el estado etílico en <em>Días sin huella</em> (<em>The lost weekend</em>, Billy Wilder, 1945); sin embargo, gracias a esta banda sonora de Herrmann a partir de este momento el theremin se relacionará musicalmente con los seres extraterrestres, tal y como se puede observar en posteriores bandas sonoras de otros autores como las de <em>Llegó del más allá</em> (<em>It came from Outer Space</em>, Jack Arnold, 1953) o <em>Planeta prohibido</em> (<em>Forbidden planet</em>, Fred M. Wilcox, 1956).<br />
<div style="text-align: center;"><br />
</div><div align="center"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/3ULhiVqeF5U" width="425"></iframe></div><br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJsTNewMu5yZJdm12kUA02_c4OvDe9o1OZ7TrmZDR3NS8T6Oykt3vsGihl30DBexoL0Tnid7LCasFqkvGnhNjFwbKp2GgN5RFEkjun9bOImJJchDZeFd5CDeAqn1jp25VABc5okH_o79Q/s1600/Simbad-+BSO.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" m$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJsTNewMu5yZJdm12kUA02_c4OvDe9o1OZ7TrmZDR3NS8T6Oykt3vsGihl30DBexoL0Tnid7LCasFqkvGnhNjFwbKp2GgN5RFEkjun9bOImJJchDZeFd5CDeAqn1jp25VABc5okH_o79Q/s400/Simbad-+BSO.jpg" width="400" /></a> Otros experimentos de Herrmann en el género fantástico y de aventuras son la utilización de arpas para describir el mundo submarino en <em>Duelo en el fondo del mar</em> (<em>Beneath the 12-Mile Reef</em>, Robert D. Webb, 1953), la experimentación con la percusión en <em>El capitán King</em> (<em>King of the Khyber rifles</em>, Henry King, 1953) o el uso del serpentón en <em>Viaje al centro de la Tierra </em>(<em>Journey to the center of the Earth</em>, Henry Levin, 1959); todo ello sin olvidar la famosa serie de televisión <em>Dimensión desconocida </em>(<em>The twilight zone</em>, 1959-1963), de la que compuso el acompañamiento musical de siete episodios. La innovación, calidad y éxito de estos trabajos llevarán a Herrmann a colaborar con el célebre productor y técnico de efectos especiales Ray Harryhausen en <em>Simbad y la princesa</em> (<em>The 7th voyage of Sinbad</em>, Nathan Juran, 1958), <em>Los viajes de Gulliver</em> (<em>Gulliver’s travels</em>, Jack Sher, 1960), <em>La isla misteriosa</em> (<em>Mysterious Island</em>, Cy Endfield, 1961) y <em>Jasón y los argonautas</em> (<em>Jason and the argonauts</em>, Don Chaffey, 1963), películas que darán al compositor la oportunidad de desplegar toda su imaginación musical.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/asvPuPpnnh4" width="425"></iframe></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"> <a href="http://lossusurrosdelnoctambulo.blogspot.com/2011/07/recordando-bernard-herrmann-segunda.html">Continuará…</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-14998690022907270282011-06-20T18:02:00.000+02:002011-06-20T18:02:16.086+02:00X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN: Lo que sucedió realmente en la crisis de los misiles cubanos<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbFfPR1G51AJ1vCwlgViPB1TRO0VHF4gIFckMIPSJala1iVmW67vcFAENIjjVp74BrqWoVU1gwmIH_H2oGmZr2Pb2951RYZpUOLRJJKCvdiCtOsGAjqhbghpDE4IRX6Jj_tKK3Zy4ZU9A/s1600/X-men+primera+generacion+24.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbFfPR1G51AJ1vCwlgViPB1TRO0VHF4gIFckMIPSJala1iVmW67vcFAENIjjVp74BrqWoVU1gwmIH_H2oGmZr2Pb2951RYZpUOLRJJKCvdiCtOsGAjqhbghpDE4IRX6Jj_tKK3Zy4ZU9A/s640/X-men+primera+generacion+24.jpg" width="387" /></a> Vaya por delante que desconozco por completo los cómics protagonizados por los X-Men, a excepción de la espléndida novela gráfica <em>Lobezno: Honor</em>, escrita por Chris Claremont e ilustrada por Frank Miller. Sin embargo ese desconocimiento no me ha supuesto un obstáculo para seguir con cierto interés la saga cinematográfica dedicada a la patrulla X, llegando incluso a disfrutar de sus dos mejores entregas: la espectacular <em>X-Men 2</em> (<em>X2</em>, Bryan Singer, 2003) y la brillante <em>X-Men: Primera generación</em> (<em>X-Men: First class</em>, Matthew Vaughn, 2011).</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Siguiendo la tendencia impuesta por películas como <em>Batman begins</em> (<em>id</em>, Christopher Nolan, 2005) o <em>Casino Royale</em> (<em>id</em>, Martin Campbell, 2006), <em>X-Men: Primera generación</em> se aparta de los títulos precedentes de su serie para viajar al pasado y explorar los orígenes de sus principales personajes. Este planteamiento acaba beneficiando enormemente a la película de Vaughn puesto que le permite profundizar en uno de los aspectos más interesantes de la saga: la relación entre Charles Xavier, alias Profesor X (James McAvoy), y Erik Lehnsherr, alias Magneto (Michael Fassbender), dos amigos que acabarán enfrentándose por sus opiniones encontradas acerca del modo en que los mutantes deben integrarse en la sociedad. Este viaje a la génesis de los mutantes también incluye la aparición de otros viejos conocidos de la saga como Raven, alias Mística (Jennifer Lawrence), o Hank McCoy, alias Bestia (Nicholas Hoult), mostrando qué les lleva a posicionarse al lado de Xavier y su pacifista proyecto de integración social o al de Erik y sus vengativos planes de lucha contra una humanidad a la que odia.</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUfrGk1Ddt_KglRHKj92S__GyEv1BpiX_P1lqvIJ1_qwysEJQM_faOFhG0XXeQ_aHbXQQsPlndYkptFHQKB1zeWnDQJdEvbZ4sScgi8X9Vth6OtxIzPNxH_eYKOvROmTd1IFWRDAML-dc/s1600/X-men+primera+generacion+19.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUfrGk1Ddt_KglRHKj92S__GyEv1BpiX_P1lqvIJ1_qwysEJQM_faOFhG0XXeQ_aHbXQQsPlndYkptFHQKB1zeWnDQJdEvbZ4sScgi8X9Vth6OtxIzPNxH_eYKOvROmTd1IFWRDAML-dc/s400/X-men+primera+generacion+19.jpg" width="400" /></a> Otro gran acierto de la película, y que a mi modo de ver la enriquece notablemente, es su ambientación histórica. Recuperando y ampliando una idea ya presente en la primera entrega de la serie firmada por Bryan Singer, <em>X-Men: Primera generación</em> arranca con un intenso prólogo situado en 1944 en el que un joven Erik pone al descubierto su dominio de la telequinesia cuando es recluido en un campo de concentración nazi. A continuación la acción da un salto hasta 1962 y se sitúa en uno de los episodios más intensos de la guerra fría: la crisis de los misiles cubanos. De este modo los responsables de la película (entre los que se encuentra el propio Singer en calidad de guionista y productor) contextualizan el sencillo pero eficaz discurso sobre la intolerancia ya presente en las anteriores aventuras de los X-Men en momentos históricos precisamente marcados por diversas formas de discriminación: el antisemitismo de la Alemania nazi o el anticomunismo y el anticapitalismo inherentes a la política de bloques de la guerra fría. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIAKuf_FVEDP9vVmLE6z0ylQLAW7aha5wzmuvLETDwk7k9ztsatttQX9YI-H94usWVO2jzoo64qXtlnSKdfRNxqlPU3JEp5GweKeA5QS5cRXhv8sxKiB7W3GxqcLtZWi6w_8OxL8yD0zo/s1600/X-men+primera+generacion+29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIAKuf_FVEDP9vVmLE6z0ylQLAW7aha5wzmuvLETDwk7k9ztsatttQX9YI-H94usWVO2jzoo64qXtlnSKdfRNxqlPU3JEp5GweKeA5QS5cRXhv8sxKiB7W3GxqcLtZWi6w_8OxL8yD0zo/s400/X-men+primera+generacion+29.jpg" width="400" /></a> De hecho la película de Vaughn acaba proponiendo una visión alternativa de la crisis de los misiles cubanos como parte del plan del villano Sebastian Shaw (Kevin Bacon) para exterminar a la raza humana. Shaw, precisamente el científico nazi a lo Josef Mengele que realizó oscuros experimentos con el joven Erik en el campo de concentración, pretende provocar una guerra nuclear de la que solo puedan sobrevivir los mutantes como él, en un intento de acelerar el proceso de selección natural que a la larga supondrá la imposición de los mutantes sobre los humanos. De ahí que Shaw y sus esbirros se sirvan de sus habilidades sobrenaturales para coaccionar a políticos y militares tanto estadounidenses como soviéticos con el fin de llevar hasta el límite la carrera armamentística de ambas potencias, provocando directamente el envío de misiles norteamericanos a Turquía y de armas nucleares soviéticas a Cuba. La batalla final entre los mutantes comandados por Shaw y la recién formada patrulla X tendrá lugar precisamente durante el famoso bloqueo naval a Cuba ejercido por la marina estadounidense a fin de impedir la llegada a la isla de nuevos misiles soviéticos; el devenir de los acontecimientos (atención: <strong>SPOILER</strong>) dará lugar a una insólita situación en la que soldados norteamericanos y rusos acabarán uniendo momentáneamente sus fuerzas para hacer frente a la amenaza mutante.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbu7bbpg6gYhetiBQBnFzOLAYrr6IZKWNuvLyrSTOMnFbsT7WQ7Meg786P6lCnENPdLz5GyWi0LWd0IskqkkOatbi-curYvskNdRbrx3X4NZml2QpaNUS6lpnRPTZ10DtKvvkFKmu9bpQ/s1600/X-men+primera+generacion+26.bmp" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbu7bbpg6gYhetiBQBnFzOLAYrr6IZKWNuvLyrSTOMnFbsT7WQ7Meg786P6lCnENPdLz5GyWi0LWd0IskqkkOatbi-curYvskNdRbrx3X4NZml2QpaNUS6lpnRPTZ10DtKvvkFKmu9bpQ/s400/X-men+primera+generacion+26.bmp" width="400" /></a> <em>X-Men: Primera generación</em> se beneficia no solo de un sólido guión sino también de una inspirada puesta en escena de Matthew Vaughn, en mi opinión mucho más acertado aquí que en su sobrevalorada <em>Kick-ass</em> (<em>id</em>, 2010). Vaughn consigue aportar ritmo al relato con una lograda combinación de elegancia y espectacularidad, introduciendo además sutiles guiños al cine de los 60: véase el decorado de la sala de guerra, claramente inspirado en el que aparecía en <em>¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú</em> (<em>Dr. Strangelove or: How I learned to stop worryng and love the bomb</em>, Stanley Kubrick, 1964), o los lujosos artilugios usados por el villano, que inevitablemente traen a la memoria las primeras películas de James Bond; todo ello sin olvidar la secuencia en la que la pantalla se divide en varios segmentos, en lo que también puede verse como una referencia a las viñetas de los cómics.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvaP3ItkHqUMqmRw7XUN2WU4WgYM3XOlHjEThdRp_ThIo4_RUeE9vnKi5PgAIuP54NYHFo-P6qEv3k6tIPCf6ITTHL0oE8QgalcyIx-XOK0z0B2QhlIUaPbl2_arj4sWxF79hUP3Wk2Ok/s1600/X-men+primera+generacion+49.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="156" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvaP3ItkHqUMqmRw7XUN2WU4WgYM3XOlHjEThdRp_ThIo4_RUeE9vnKi5PgAIuP54NYHFo-P6qEv3k6tIPCf6ITTHL0oE8QgalcyIx-XOK0z0B2QhlIUaPbl2_arj4sWxF79hUP3Wk2Ok/s320/X-men+primera+generacion+49.jpg" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguVB_PIK3oh18ZzH8WP1B_NTtU1UR05X_cYKBR9CMAZsE1kUXiV24levdIZlxCNk7r9aYTK1jWf_k1E6qlsLA77s-ODWlOEDfTAqZs64G1QoxlLNm5JSSjV8z5EOses7Z3tmbkRyuMXxA/s1600/X-men+primera+generacion+39.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="124" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguVB_PIK3oh18ZzH8WP1B_NTtU1UR05X_cYKBR9CMAZsE1kUXiV24levdIZlxCNk7r9aYTK1jWf_k1E6qlsLA77s-ODWlOEDfTAqZs64G1QoxlLNm5JSSjV8z5EOses7Z3tmbkRyuMXxA/s320/X-men+primera+generacion+39.jpg" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQbSEPTWU8E2DeHJQpHIqbP7xl5NLD_g8UEU6FZVh4MUZv-S-Aidl59oyVG64O4OZzIEIwEUNDFX5afVKViwkQhLr4iJmIF9aGDGondUfaDtaFNx4MdMzkwNO61IjS34OsAZwK0etoqbA/s1600/X-men+primera+generacion+23.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="133" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQbSEPTWU8E2DeHJQpHIqbP7xl5NLD_g8UEU6FZVh4MUZv-S-Aidl59oyVG64O4OZzIEIwEUNDFX5afVKViwkQhLr4iJmIF9aGDGondUfaDtaFNx4MdMzkwNO61IjS34OsAZwK0etoqbA/s320/X-men+primera+generacion+23.jpg" width="320" /></a> Parte del encanto de <em>X-Men: Primera generación</em> decae cuando se centra en la descripción de los más jóvenes integrantes de la patrulla X, en parte porque es en estos momentos cuando el relato se aparta de lo que más interesa: la conversión de Erik en el malvado Magneto, de quien Michael Fassbender brinda una sensacional y antológica interpretación. Por tanto no es de extrañar que los mejores momentos de la película estén todos protagonizados por Erik: la dramática secuencia perteneciente al ya citado prólogo en la que Shaw amenaza con asesinar a la madre de Erik si éste no es capaz de mover una moneda con la mente; el breve pero intenso episodio situado en Argentina, lugar al que un ya adulto Erik viaja en busca de nazis evadidos de la justicia; el espectacular momento en el que, valiéndose de su capacidad para mover objetos metálicos, el mutante consigue hacer emerger un submarino y levantarlo en el aire; o, muy especialmente, (atención: <strong>SPOILER</strong>) la consumación final de su venganza contra Shaw, momento visualizado por Vaughn con una brillante combinación de travellings laterales de izquierda a derecha, sugiriendo de este modo la irreversible transformación de Erik en Magneto que tal acto conlleva. La magnífica banda sonora de Henry Jackman y las más que correctas interpretaciones ponen el broche de oro a una película que ya puede considerarse junto con <em>Spider-man 2</em> (<em>id</em>, Sam Raimi, 2004), <em>El caballero oscuro</em> (<em>The dark knight</em>, Christopher Nolan, 2008) y <em>Hellboy II: El ejército dorado</em> (<em>Hellboy II: The golden army</em>, Guillermo del toro, 2008) como una de las mejores aventuras de superhéroes de los últimos años.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi45q3eTxENjvsTZF-CyRepJkjLadvky0_OChd5hT5Nr_KAk8rNLMCbtmzxZU6AE3UqVzdPE4EoDnB5L_W9wpzS0ZcYtCiklwVedcupwtk4bLyLZx9afeF69FDuHRuBHmFhVKq20c-MYY/s1600/X-men+primera+generacion+43.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="275" i$="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi45q3eTxENjvsTZF-CyRepJkjLadvky0_OChd5hT5Nr_KAk8rNLMCbtmzxZU6AE3UqVzdPE4EoDnB5L_W9wpzS0ZcYtCiklwVedcupwtk4bLyLZx9afeF69FDuHRuBHmFhVKq20c-MYY/s640/X-men+primera+generacion+43.png" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-15590975146255092512011-05-06T17:44:00.001+02:002012-03-30T11:58:17.616+02:00James Newton Howard y la banda sonora de LA JOVEN DEL AGUA<div style="text-align: justify;">
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<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjirZp3Y_UNRkTJEPNDFWRCE6VqW8FuUOnm-iAaN9S7NcKMi-oYHZSJOdsah71KrZM-SILramu4xHruIfKaaI-e9j6wtnatygaBXiqcuUzN_odgnnvwkGgphTHMnHeDbfSoYgb3Dqs7_ao/s1600/La+joven+del+agua+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="640" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjirZp3Y_UNRkTJEPNDFWRCE6VqW8FuUOnm-iAaN9S7NcKMi-oYHZSJOdsah71KrZM-SILramu4xHruIfKaaI-e9j6wtnatygaBXiqcuUzN_odgnnvwkGgphTHMnHeDbfSoYgb3Dqs7_ao/s640/La+joven+del+agua+5.jpg" width="425" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">
Puede que ninguna de las películas de M. Night Shyamalan haya dividido tanto a los espectadores como <em>La joven del agua</em> (<em>Lady in the water</em>, 2006): hay quien la odia y quien la ama con devoción, y lo que para unos es ridículo y absurdo a otros les resulta emotivo y fascinante. Puede que ello se deba a lo radical de esta propuesta del cineasta hindú, pues <em>La joven del agua</em> es sin duda una de las piezas más extrañas, arriesgadas y personales de su filmografía. Si los relatos de Shyamalan siempre se han caracterizado por su descripción de un mundo real y cotidiano en el que se encuentran agazapados numerosos elementos sobrenaturales, visibles tan solo para aquellos que saben mirar, <em>La joven del agua</em> lleva esa idea a su máxima expresión, narrando una fábula repleta de seres fantásticos en un contexto tan cercano como un modesto bloque de apartamentos en Filadelfia. No menos cercano y común es Cleveland Heep, el improvisado héroe de este cuento de hadas para adultos interpretado por ese grandísimo actor que es Paul Giamatti. Cleveland, tímido conserje del bloque de apartamentos The Cove, verá cómo su vida cobra sentido cuando en ella aparezca Story, una ninfa acuática interpretada con equilibradas dosis de ingenuidad y misterio por Bryce Dallas Howard. El empeño de Cleveland de proteger a Story y devolverla a su mundo le enseñará a observar cómo en el aparentemente banal entorno que le rodea existen criaturas que se sumergen en la piscina o que se esconden en el césped alejándose de la vista de los seres humanos.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRjJcWMavRQ3-j5bzgcE3-4-j3uAIwgGCz-dK1gYM78M1ppzNwtK62GLy4BBoTKMZruNdtdkESIdzkB8IPVS_9sPR_3GSXpbSSLe05z-Ms_wmHx2RRMGOwMijH5G7bafW8XOQp_hqHxjM/s1600/La+joven+del+agua+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRjJcWMavRQ3-j5bzgcE3-4-j3uAIwgGCz-dK1gYM78M1ppzNwtK62GLy4BBoTKMZruNdtdkESIdzkB8IPVS_9sPR_3GSXpbSSLe05z-Ms_wmHx2RRMGOwMijH5G7bafW8XOQp_hqHxjM/s400/La+joven+del+agua+3.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">
<em>La joven del agua</em> es en mi opinión una espléndida y encantadora película, sin duda la mejor de su director junto con <em>El protegido</em> (<em>Unbreakable</em>, 2000). Su brillante puesta en escena, de aparente sencillez pero gran elaboración, y su irónico sentido del humor (a destacar las apariciones del antipático crítico de cine interpretado por Bob Balaban) convierten lo que podría haber sido un simple cuento infantil en una divertida y a la vez conmovedora metáfora sobre la necesidad de fantasía en un mundo tan tristemente real como el nuestro (véanse las imágenes de la guerra de Irak que numerosos personajes ven por televisión en la soledad de sus apartamentos). Además Shyamalan, tal y como ya hizo en su anterior <em>El bosque</em> (<em>The village</em>, 2004), lleva a cabo una interesante reflexión sobre los mecanismos de la narrativa: si en aquella película mostraba la importancia y la necesidad de crear mitos a fin de preservar la seguridad de una pequeña comunidad, en <em>La joven del agua</em> son los propios personajes los que deben descubrir y aceptar su propio rol dentro de una leyenda convertida en realidad.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmlI_rZJKM1dy8jfNFTFzZ7gq1uEaKvLlAOBWMmz8e1FJqcI2pbKZi8jjwzIof2gmoR9PV9O24sHb3ffIvt3DZhgRh9vZzqSNeS7DA4P23I5CCg6l55ctN6yLef903CPTAJRy_IeqMD2Q/s1600/La+joven+del+agua+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmlI_rZJKM1dy8jfNFTFzZ7gq1uEaKvLlAOBWMmz8e1FJqcI2pbKZi8jjwzIof2gmoR9PV9O24sHb3ffIvt3DZhgRh9vZzqSNeS7DA4P23I5CCg6l55ctN6yLef903CPTAJRy_IeqMD2Q/s400/La+joven+del+agua+4.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">
La calidad de la película de Shyamalan se ve sublimada en todo momento por la extraordinaria banda sonora compuesta por James Newton Howard. Desde que director y compositor colaboraran por primera vez en <em>El sexto sentido</em> (<em>The sixth sense</em>, 1999) su ininterrumpida colaboración nos ha regalado partituras tan sobresalientes como las de <em>El protegido</em>, <em>Señales</em> (<em>Signs</em>, 2002) o <em>El bosque</em>. Resulta muy difícil decidir cuál de estas composiciones es la mejor, pero personalmente me decanto por <em>La joven del agua</em>, una de las mejores bandas sonoras de la última década y uno de los grandes trabajos del magnífico compositor de <em>El fugitivo</em> (<em>The fugitive</em>, Andrew Davis, 1993). </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis_HaJaCvi2bdQM-MltshwCqyEKN8dgNHhqevarD7SPS4YzL0j5GPyABAS7JlFx2FQEh43Ery-yn0huqxmuZZ2WD0tAdtRBwmcAT4k7wXkyOHmdcprxMQUeO4c9sDVTs0PHAuAyzNmhQg/s1600/La+joven+del+agua+20.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="211" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis_HaJaCvi2bdQM-MltshwCqyEKN8dgNHhqevarD7SPS4YzL0j5GPyABAS7JlFx2FQEh43Ery-yn0huqxmuZZ2WD0tAdtRBwmcAT4k7wXkyOHmdcprxMQUeO4c9sDVTs0PHAuAyzNmhQg/s400/La+joven+del+agua+20.jpg" width="400" /></a> <em>La joven del agua</em> se inicia con un prólogo en el que se nos relata la leyenda de las criaturas del agua, unos seres que en tiempos remotos inspiraban al hombre realizando predicciones sobre su futuro; la relación entre el mundo mágico del agua y el mundo de los hombres finalizó cuando éstos viajaron tierra adentro y dieron rienda suelta a su codicia. Este relato, narrado por una voz en off sobre una sucesión de dibujos infantiles, cumple perfectamente su propósito de introducir al espectador en un contexto fantástico e irreal por más que tenga lugar en nuestro mundo y en la actualidad. La maravillosa música de James Newton Howard, con su combinación de coros, piano y cuerda, nos invita a entrar en este mundo de ensueño, introduciendo el tema principal de la partitura que siempre estará asociado al personaje de Story. </div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="390" src="http://www.youtube.com/embed/S0-lu9Zs5Gw" width="480"></iframe></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbiJnuQxUNJoaPn-fXKMxgJtiCpBmR5wMYvGRdHG-9eyD0WA7mv3wHyU_JRlFQGzncKyCBmDIxEwCxVhFFPCZVqr8-VGIqqlyF-InM9sg0gL1xBoQngSB-ZzgIoNvPbUtJnNk_s8SCYDc/s1600/La+joven+del+agua+13.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbiJnuQxUNJoaPn-fXKMxgJtiCpBmR5wMYvGRdHG-9eyD0WA7mv3wHyU_JRlFQGzncKyCBmDIxEwCxVhFFPCZVqr8-VGIqqlyF-InM9sg0gL1xBoQngSB-ZzgIoNvPbUtJnNk_s8SCYDc/s400/La+joven+del+agua+13.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">
Una parte importante de la banda sonora está dedicada a los momentos de mayor tensión, como por ejemplo las amenazadoras apariciones de los Scrats, unas bestias fantásticas que quieren acabar con la vida de Story. No obstante el momento de suspense más logrado es quizá la brillante secuencia subacuática en la que Cleveland inspecciona la caverna en la que se ocultaba Story en busca de un ungüento que le permita sanarla de las heridas inflingidas por los Scrats. La banda sonora acompaña de manera espléndida las imágenes con distintos colores musicales, adoptando al principio una textura sobrenatural con la combinación del piano y de unos coros angelicales, expresando así la sorpresa de Cleveland al descubrir el mundo subterráneo; a continuación la música pasa a reflejar la tensión que se acumula cuando el protagonista se queda encerrado y sin oxígeno en el interior de la cámara, todo ello hasta culminar en un gran crescendo final con la desesperada salida de Cleveland a la superficie.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3NmqpMslwj-pk9T2BGpQ0ek5tTH972IDSTegJz4kA-BqtsfvpbILxV4f_xEJ9zcSuQz7TK0IpV5GX6qGXspQi-kFSjmr-SekIJwAfdNRf9M4EYILmzBzeztXVf0-wOaqasA5gi9cqScQ/s1600/La+joven+del+agua+6.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3NmqpMslwj-pk9T2BGpQ0ek5tTH972IDSTegJz4kA-BqtsfvpbILxV4f_xEJ9zcSuQz7TK0IpV5GX6qGXspQi-kFSjmr-SekIJwAfdNRf9M4EYILmzBzeztXVf0-wOaqasA5gi9cqScQ/s400/La+joven+del+agua+6.jpg" width="400" /></a></div>
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Otro de los mejores momentos de la partitura pertenece a la secuencia en la que Story, mientras se cura de sus heridas bajo la ducha, se sirve del lenguaje de los gestos para proporcionar pistas acerca del modo en que Cleveland debe ayudarla a volver a su mundo. James Newton Howard se acerca al minimalismo musical con el uso de una retentiva frase melódica que se repite de un modo constante, aportando una gran intensidad a los avances de Cleveland mientras busca ayuda entre los vecinos de The Cove. El obsesivo uso de las cuerdas, que trae a la memoria ciertos pasajes de la banda sonora de <em>Señales</em>, se combina en la parte final con el emotivo tema de Story.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/RqU0Y2ViHug" width="560"></iframe>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAQ2LyKdaHqLpxagIbGAKmKALN2uaMjggoXQu8YkFNgLHBHe0Nn7PywCyx1nLD-a4kskGjd6hrNKa65iyLvxWeqw9x2G8ZZkhUfGhG4MWDnEOjhMmHdOaI-H9ZFGoOBmIq1s80kz09y44/s1600/La+joven+del+agua+7.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAQ2LyKdaHqLpxagIbGAKmKALN2uaMjggoXQu8YkFNgLHBHe0Nn7PywCyx1nLD-a4kskGjd6hrNKa65iyLvxWeqw9x2G8ZZkhUfGhG4MWDnEOjhMmHdOaI-H9ZFGoOBmIq1s80kz09y44/s400/La+joven+del+agua+7.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;">
Pero el momento álgido tanto de la película como de la banda sonora es la secuencia final, aquélla que ilustra el último intento de Story de ser recogida por una gran águila que la devolverá al mundo del agua, momento culminante en el que por fin todos los vecinos de The Cove descubren su verdadera función en este cuento de hadas. En respuesta tanto a la espectacularidad de las imágenes como al cariz revelador de lo que acontece, la música alcanza grandiosas cotas de épica con el uso de los coros y de toda la orquesta al completo. La secuencia termina recuperando el intimismo con el leitmotiv de la joven del agua, tema que arropa la emocionante despedida final de los dos protagonistas.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/wy9QMP3kMzU" width="420"></iframe></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRaijynjsKVg0b8Tl16DBcjgnCIyVxMpbu87bCk7YF_GTsN0_8G4vodJyJTFW4yj04mbLhOy2RMy64Exwpijia3-OGYhCiwIg5Bu_NtXbpw4b3l0yueyH8fDWQtEjjMj-l92qjtNoLhmI/s1600/La+joven+del+agua+15.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="241" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRaijynjsKVg0b8Tl16DBcjgnCIyVxMpbu87bCk7YF_GTsN0_8G4vodJyJTFW4yj04mbLhOy2RMy64Exwpijia3-OGYhCiwIg5Bu_NtXbpw4b3l0yueyH8fDWQtEjjMj-l92qjtNoLhmI/s400/La+joven+del+agua+15.jpg" width="400" /></a></div>
<em>La joven del agua</em> concluye con una memorable imagen de Cleveland visto desde el interior de una piscina, la misma de la que misteriosamente surgió Story en su primer encuentro. Entonces la imagen funde a negro y aparecen los títulos de crédito, momento en el que empieza a sonar el leitmotiv asociado al protagonista masculino. Dicho tema ha aparecido brevemente a lo largo de la película, pero es aquí donde James Newton Howard lo desarrolla en toda su plenitud, siendo interpretado primero por el piano (quizá para describir la soledad de Cleveland) y después por las secciones de viento y cuerda, poniendo el broche de oro a una estupenda película y a uno de los mejores trabajos de su autor.</div>
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</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-12390702690837073152011-04-14T00:01:00.000+02:002011-04-14T00:01:36.768+02:00CISNE NEGRO: Las dos caras de Nina<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5UVglFa70C-BWFenpJ_UARGGyz4KirAMfyRSTAHStIeXunkeLVQ3ACpqvgIbNfeqfjUXot2mZgnVPEDHuYpxgazHeOQQkd8146ryah95q845aKnmZmiLYZcG_z2pyx2tb-2AVpvjOzxU/s1600/Cisne+negro+19.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5UVglFa70C-BWFenpJ_UARGGyz4KirAMfyRSTAHStIeXunkeLVQ3ACpqvgIbNfeqfjUXot2mZgnVPEDHuYpxgazHeOQQkd8146ryah95q845aKnmZmiLYZcG_z2pyx2tb-2AVpvjOzxU/s640/Cisne+negro+19.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Nina Sayers, la bailarina de ballet magistralmente interpretada por Natalie Portman en <em>Cisne negro</em> (<em>Black swan</em>, Darren Aronofsky, 2010), se ve abocada al camino repleto de sacrificio, dolor y sufrimiento que todo artista debe atravesar hasta llegar a la excelencia. Nina dedica todo su existencia a perfeccionar su técnica artística con la esperanza de que algún día tenga la oportunidad de demostrar su talento; una oportunidad que llega cuando Thomas Leroy (Vincent Cassel), director de la compañía de ballet en la que Nina trabaja, la escoge a ella para protagonizar <em>El lago de los cisnes</em> en substitución de Beth (Winona Ryder), una estrella que ha dejado de brillar. El problema es que la inocente y frágil Nina, tan idónea para interpretar al Cisne blanco de la obra de Tchaikovsky, tiene que interpretar también al Cisne negro, lo que la obligará a bucear en las facetas más recónditas de su personalidad en un proceso en el que saldrán a la luz todos sus demonios personales. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3RkcFBMFbaV-K7CLtJkM0hUJUPUtYgFaEuT6L3zoj9F0rrfY8mkAGB8WogxrU16JQ4QbFBAqwHwCdt2sv1dzO-UZD3zjTzt26rTbjvN-ZBKppZgjZk1ToKWd4aWH_kA7PpwqJUh5YcIs/s1600/Cisne+negro+18.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3RkcFBMFbaV-K7CLtJkM0hUJUPUtYgFaEuT6L3zoj9F0rrfY8mkAGB8WogxrU16JQ4QbFBAqwHwCdt2sv1dzO-UZD3zjTzt26rTbjvN-ZBKppZgjZk1ToKWd4aWH_kA7PpwqJUh5YcIs/s400/Cisne+negro+18.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> El duro camino que atraviesa Nina mientras se prepara para dar vida a su doble papel en <em>El lago de los cisnes</em> no solo es un retrato sobrecogedor del mundo del ballet, en el que sus integrantes deben someter sus cuerpos a una agotadora sucesión de ejercicios al tiempo que llevan una vida totalmente despojada de banalidades; es también la descripción de cómo una artista pone en peligro su estabilidad mental al impregnarse del carácter de los personajes a los que interpreta. Es por ello que, progresivamente y sin ser consciente de ello, Nina empieza a ver a las personas que la rodean como si fueran los personajes de la obra de Tchaikovsky: a sus ojos Leroy es el príncipe que la escoge entre los demás cisnes, sin ser consciente de que todo lo que Leroy hace (insinuaciones amorosas incluidas) forma parte de cómo manipula a los bailarines con el fin de sacar lo mejor de ellos en el escenario; Lily (Mila Kunis), la bailarina que amenaza con sustituir a Nina si ésta no está a la altura de las circunstancias, es el Cisne negro que amenaza con arrebatar aquello que la protagonista anhela, es decir la aprobación de su príncipe Leroy; Erica (Barbara Hershey), la posesiva madre de Nina, se comporta como la bruja que convierte a las jóvenes en cisnes, despojando de libertad a su hija y obligándola a vivir bajo sus estrictas normas de disciplina…</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkUZG0oIs2d8vLw438x8h-rwRNwIsGK8HyOf2c9gw_OxFRINX6etdZ8Ny_W5Imvhq44-KliqF2bRCFCEbkhahIpjt-j9k7nC1hBqyl4m_I34q6qB2BEaSxx4dPZge0YRKWMlJYNysPnzk/s1600/Cisne+negro+22.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="170" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkUZG0oIs2d8vLw438x8h-rwRNwIsGK8HyOf2c9gw_OxFRINX6etdZ8Ny_W5Imvhq44-KliqF2bRCFCEbkhahIpjt-j9k7nC1hBqyl4m_I34q6qB2BEaSxx4dPZge0YRKWMlJYNysPnzk/s400/Cisne+negro+22.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsfeI72lm9yD5pY0PzNcAxJkxEjo5ozFavMPpQoR3cQS7tzLNXsJMPBSOEmausRKC_z6qc2q0_dbVjx_FAA5GlV7BPfeOOCjf3wHUdUy7XnaQZc9Cy3gnKz0vlqSbvKIA5v-iTxfK3iyU/s1600/Cisne+negro+21.png" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="167" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsfeI72lm9yD5pY0PzNcAxJkxEjo5ozFavMPpQoR3cQS7tzLNXsJMPBSOEmausRKC_z6qc2q0_dbVjx_FAA5GlV7BPfeOOCjf3wHUdUy7XnaQZc9Cy3gnKz0vlqSbvKIA5v-iTxfK3iyU/s400/Cisne+negro+21.png" width="400" /></a> <em>Cisne negro</em> se centra exclusivamente en el punto de vista de Nina, por lo que no es de extrañar que sobre la película planee constantemente la idea de la dualidad, en consonancia con la mirada de un personaje obligado a buscar en su interior una personalidad oculta y reprimida. Así, en los inquietantes momentos en los que Nina vislumbra a una mujer exactamente igual a ella o en esos instantes en los que su imagen reflejada en el espejo parece cobrar vida propia, Aronosky recurre a la temática del doble o <em>doppelgänger</em>, un reflejo invertido que muestra los aspectos más negativos y turbulentos de la persona a la que acompaña y que cuenta con una larga tradición literaria con nombres como Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann o Robert Louis Stevenson. Por otro lado el realizador de la espléndida <em>La fuente de la vida</em> (<em>The fountain</em>, 2006) recurre a la presencia constante de reflejos en espejos o ventanas, así como al parecido físico de Natalie Portman y Mila Kunis que en ocasiones sirve para confundirlas a los ojos del espectador.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMUrhRAfcOdRr4WJe4iS4EvNNnBH0T1dWsFi0ZTsUn_-njpW-Zbax4B3ee2Mn4jQAXqkfU8xlQ57N3i6FLilcnRYqbFluZHZ9BryY2A1MvVfMGWIopeKyMdIUq0Lu3tQHHtwc82Qh8JRg/s1600/Cisne+negro+7.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMUrhRAfcOdRr4WJe4iS4EvNNnBH0T1dWsFi0ZTsUn_-njpW-Zbax4B3ee2Mn4jQAXqkfU8xlQ57N3i6FLilcnRYqbFluZHZ9BryY2A1MvVfMGWIopeKyMdIUq0Lu3tQHHtwc82Qh8JRg/s400/Cisne+negro+7.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> En las imágenes de <em>Cisne negro</em> resuenan los ecos de numerosos referentes cinematográficos. La enfermiza relación de la protagonista con su madre, que proyecta en ella toda su frustración por no haber podido triunfar en el mundo del ballet, recuerda inevitablemente a las obsesivas madres del cine de Alfred Hitchcock, especialmente a la de <em>Marnie, la ladrona</em> (<em>Marnie</em>, 1964). Los temores de Nina de acabar como su predecesora Beth, así como situaciones concretas como la visita en el hospital, traen a la memoria <em>El quimérico inquilino</em> (<em>Le locataire</em>, Roman Polanski, 1976). El retrato de las bailarinas de ballet, siempre temerosas de que alguien les robe su papel, hace pensar en el de las actrices teatrales en <em>Eva al desnudo</em> (<em>All about Eve</em>, Joseph L. Mankiewicz, 1950). Pero quizás el referente cinematográfico más llamativo de <em>Cisne negro</em> es <em>Perfect blue</em> (<em>id</em>, 1998), interesante cinta de animación del recientemente fallecido Satoshi Kon: tanto la Nina de Aronofsky como la Mima de Kon ven cómo peligra su estabilidad mental al padecer las más oscuras consecuencias del mundo del espectáculo, viéndose obligadas a despojarse de su apariencia virginal con el fin alcanzar el éxito. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFIM8b39CkpoUVHdJLlRYYUGNCNA08zt1_kEL9S0rT_gvan8qqxAY7KIMouY7FZsadi9uUV5kC8TRUJlR2odAYOWSyi4qmymqAYR-N5Rhfrqt-atq-V2UEWNf84MueP3sUx9zng0FUATA/s1600/Cisne+negro+17.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFIM8b39CkpoUVHdJLlRYYUGNCNA08zt1_kEL9S0rT_gvan8qqxAY7KIMouY7FZsadi9uUV5kC8TRUJlR2odAYOWSyi4qmymqAYR-N5Rhfrqt-atq-V2UEWNf84MueP3sUx9zng0FUATA/s400/Cisne+negro+17.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> De todos modos puede que resulte más significativo observar las relaciones que Aronofsky traza con su anterior largometraje, el interesante aunque un tanto sobrevalorado <em>El luchador</em> (<em>The wrestler</em>, 2008). No por casualidad el cineasta ha admitido que ambas películas parten de una idea común, la de la relación amorosa entre un veterano de la lucha libre y una joven bailarina de ballet, dos personas que someten su cuerpo a un duro castigo con el fin de alcanzar la perfección en sus respectivos oficios; al dividir esa idea original en dos historias, <em>El luchador</em> y <em>Cisne negro</em>, Aronofsky alumbró dos películas muy diferentes pero al mismo tiempo complementarias. Mientras que el personaje interpretado por Mickey Rourke en <em>El luchador</em> se deja la piel practicando la lucha libre como forma de autoafirmación personal, el interpretado por Natalie Portman en <em>Cisne negro</em> lo sacrifica todo en su camino hacia la perfección artística. El destino de ambos personajes (atención: <strong>SPOILER</strong>) es prácticamente idéntico, con un dramático salto al vacío en el que tanto el luchador como la bailarina culminan su trayectoria vital del mejor modo que pueden, mostrando su dominio del arte ante su público.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Cabe admitir que todo este carrusel de referencias provoca que el desarrollo argumental de <em>Cisne negro</em> se vea afectado por una cierta previsibilidad, pero a pesar de ello la película hace gala de una gran personalidad propia. En un planteamiento estético no exento de riesgo Darren Aronofsky filma la película optando por recursos formales (una fotografía en la que predominan los tonos fríos, un uso casi constante de la cámara al hombro, numerosos planos de seguimiento de la protagonista) que le confieren una pátina realista, lo que hace aún más chocantes los pasajes en los que en la mente de Nina se desdibuja la línea que separa la cordura de la locura. Todo ello confluye en una larga y magnífica secuencia final, la esperada representación de <em>El lago de los cisnes</em>, que cierra la historia de manera tan hermosa como sobrecogedora, tan emotiva como trágica. Quizás <em>Cisne Negro</em> no sea una película tan excepcional como se ha dicho, pero lo cierto es que con todos sus pros y sus contras se revela como una obra notable que emerge con fuerza entre el empobrecido panorama cinematográfico de los últimos meses.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAT7sT051OljF_mS1PzCysSXwhM_1rOyu_Umhz7_gGiqTHIewna2mA-xXYhwVnPI2jPvZ5tcLqc6IRrwaoYe_31UmDK4WnN4bo1bXXd6LGbiVJD3S_rL2BTL1oLTITAjI8KiAbaZdjnwE/s1600/Cisne+negro+16.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAT7sT051OljF_mS1PzCysSXwhM_1rOyu_Umhz7_gGiqTHIewna2mA-xXYhwVnPI2jPvZ5tcLqc6IRrwaoYe_31UmDK4WnN4bo1bXXd6LGbiVJD3S_rL2BTL1oLTITAjI8KiAbaZdjnwE/s640/Cisne+negro+16.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-15706757365694019702011-03-21T21:23:00.000+01:002011-03-21T21:23:12.904+01:00Un thriller existencialista: EL AMERICANO<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPP8kHdtuOQOPvIjboY8RqkX7WYWX2ALq1lg1BFWZ2R4_I6R2VOcO8DPHrRg0MoOFK0UQA3zaP6ZMef82E7YRQ7zQ_oxzsH7Htm3aP3H0K2zFNc-v7nLZbmvotC4MN243sPt9ODMohDEI/s1600/El+americano+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPP8kHdtuOQOPvIjboY8RqkX7WYWX2ALq1lg1BFWZ2R4_I6R2VOcO8DPHrRg0MoOFK0UQA3zaP6ZMef82E7YRQ7zQ_oxzsH7Htm3aP3H0K2zFNc-v7nLZbmvotC4MN243sPt9ODMohDEI/s400/El+americano+2.jpg" width="277" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Aunque el personaje interpretado por George Clooney en <em>El americano</em> (<em>The american</em>, Anton Corbijn, 2010) dice llamarse Jack, no resulta descabellado pensar que ése no sea su auténtico nombre. De hecho Clara (Violante Placido), la prostituta de la que se enamora, le conoce con el nombre de Eduardo, y tanto ella como la misteriosa Mathilde (Thekla Reuten) le llaman en alguna ocasión Señor Mariposa, aunque por diferentes motivos: en el caso de Clara debido a uno de los tatuajes que observa en el cuerpo de Jack; en el caso de Mathilde por una solitaria mariposa que en cierta ocasión tanto ella como el americano observan en el campo, y que no solo les conmueve por su belleza sino también porque su especie está en peligro de extinción. La asociación entre Jack y las mariposas queda además sugerida por la inclusión en la banda sonora de un aria de la ópera de Puccini <em>Madame Butterfly</em>. Y es que la existencia de Jack no deja de tener ciertas similitudes con la de las mariposas: como ellas necesita transformarse para sobrevivir y, al igual que la mariposa vista en el campo, él mismo está en peligro de desaparecer: Jack es un profesional del asesinato, y como tal su vida está condenada al aislamiento y a la expectativa de ser atacado en cualquier momento. De su soledad y de sus remordimientos es de lo que realmente trata <em>El americano</em>.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6S9ky4cStOF8k9fF_93tyvCT7k2o7aa8WcBKVUtRFM2pbTs9JIPS3Yt-eI-cdCjN_W51kFrKNTXmCXe0KpEaPbfZOK4s0xXjJEO1Ev8Ckv8mQrTjtZLlWuOd19XZWySKkiHP7JQAPvrQ/s1600/El+americano+29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6S9ky4cStOF8k9fF_93tyvCT7k2o7aa8WcBKVUtRFM2pbTs9JIPS3Yt-eI-cdCjN_W51kFrKNTXmCXe0KpEaPbfZOK4s0xXjJEO1Ev8Ckv8mQrTjtZLlWuOd19XZWySKkiHP7JQAPvrQ/s400/El+americano+29.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Desde el principio del relato Jack se encuentra abatido debido a la constatación de que en su existencia no caben más personas que él mismo: en la primera secuencia su idílico reposo en un paraje nevado de Suecia se ve violentamente interrumpido con el enfrentamiento con unos asesinos, trágico suceso durante el cual la amante de Jack perderá la vida. Necesitado de un lugar donde esconderse, el americano recalará en Castel del Monte, una pequeña y tranquila localidad situada en los Abruzos. A pesar de las advertencias del inquietante Pavel (Johan Leysen) sobre su necesidad de no hablar con nadie, Jack no podrá evitar relacionarse con dos personas que cumplirán un importante papel en su reconsideración vital: el padre Benedetto (Paolo Bonacelli), quien le mostrará una gran capacidad de comprensión, y Clara, con quien encontrará la posibilidad de dejar atrás su tormentoso pasado. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6WXcWT6vJAvKtCiJfd4IzQEv3Veai6U_1WoItnbDeWuq-jSxdvtQixu8HWSyIFnWH5wrE0kcI3fyUxJD0b5gbkv3Y48t0HHnZQUPUBk2QirzSDZ-tdQ5eA0plDNhcb-Pdyi_SwrazCKw/s1600/El+americano+19.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6WXcWT6vJAvKtCiJfd4IzQEv3Veai6U_1WoItnbDeWuq-jSxdvtQixu8HWSyIFnWH5wrE0kcI3fyUxJD0b5gbkv3Y48t0HHnZQUPUBk2QirzSDZ-tdQ5eA0plDNhcb-Pdyi_SwrazCKw/s400/El+americano+19.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><em> El americano</em> centra su atención en el retrato psicológico de Jack, conseguido no gracias a los escasos diálogos de la película sino por detalles y gestos concretos. Buena muestra de ello son los encuentros de Jack con el padre Benedetto, en los que el primero se hace pasar por un fotógrafo especializado en retratar paisajes pero no personas, y más interesado en fotografiar las casas y los paisajes de los Abruzos que en estudiar su historia local: Jack es un hombre más preocupado por fundirse con su entorno que por conocer a las personas que le rodean, y necesita vivir el presente antes que atormentarse por su historia personal repleta de muertes. No menos reveladoras resultan sus visitas a Clara, que no por casualidad se producen siempre después de que Jack trabaje en la fabricación del arma que Mathilde le ha encargado: tras trabajar en un instrumento destinado a matar, el protagonista necesita refugiarse en los brazos de la mujer en busca del único contacto humano que puede permitirse.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOQ-ba6g9mdeLn2h3OD9qClP_hK7i-o18ja5dndVM-EOQ58tbNDvgHbsAmMKpxMJ8r813iwte5Wkqdz4GyxSsetZad15o8_RXMcg5EPaR94KAAcg9rjFhNHix1sMMvoXTZo-G3XsxhV-Y/s1600/El+americano+37.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOQ-ba6g9mdeLn2h3OD9qClP_hK7i-o18ja5dndVM-EOQ58tbNDvgHbsAmMKpxMJ8r813iwte5Wkqdz4GyxSsetZad15o8_RXMcg5EPaR94KAAcg9rjFhNHix1sMMvoXTZo-G3XsxhV-Y/s400/El+americano+37.jpg" width="400" /></a> Lo que más sorprende de <em>El americano</em> en su ritmo lento y pausado, absolutamente a contracorriente del cine que se estila hoy en día. Hacía tiempo que un relato criminal no se tomaba tanto tiempo en describir situaciones y estados de ánimo: ningún plano ni ninguna escena sobran en la película de Anton Corbijn, todos contribuyen a aportar información y, sobretodo, a describir la soledad de Jack. De este modo abundan en la película los planos en los que el director se sirve del formato panorámico y de la amplitud de los paisajes, ya sean urbanos o naturales, para aislar al protagonista de aquello que le rodea, mostrando sin estridencias su desamparo y su tristeza vital.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-EiGR1QqQuT8PuoKLW8n9k52UgonebQNnAAXwNllZQ97qsxLkDA0WkBsmPWN3kBVK7e2VC5zGWqmXhQrMWnehNEDMKO4_Gnf8L9lsBnwSbNs_e3abd0PypuSX3MZ9zlnB6-rDiarhVvo/s1600/El+americano+30.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-EiGR1QqQuT8PuoKLW8n9k52UgonebQNnAAXwNllZQ97qsxLkDA0WkBsmPWN3kBVK7e2VC5zGWqmXhQrMWnehNEDMKO4_Gnf8L9lsBnwSbNs_e3abd0PypuSX3MZ9zlnB6-rDiarhVvo/s400/El+americano+30.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> En efecto <em>El americano</em> tiene muy poco que ver con el cine más reciente; de hecho no cuesta detectar los auténticos referentes cinéfilos de la película de Anton Corbijn. Está por un lado el western, referenciado no solo en su homenaje directo a <em>Hasta que llegó su hora</em> (<em>C’era una volta il west</em>, Sergio Leone, 1968), sino también por las características físicas del entorno en el que acontece la acción o por situaciones propias del cine del oeste como la llegada de un forastero a un pequeño poblado en el que todos le miran con inquietud y cierto temor. Está por otro lado el cine policíaco europeo de los años 60 y 70, y no solo en lo que se refiere a sus localizaciones italianas: las brillantes secuencias en las que Jack prueba su arma en el campo recuerdan a <em>Chacal</em> (<em>The day of the Jackal</em>, Fred Zinnemann, 1973), mientras que el personaje de George Clooney, así como su interiorizada y silenciosa interpretación, no está muy lejos del Alain Delon de sus espléndidas colaboraciones con Jean-Pierre Melville: <em>El silencio de un hombre</em> (<em>Le samouraï</em>, 1967), <em>Círculo rojo</em> (<em>Le cercle rouge</em>, 1970) y <em>Crónica negra</em> (<em>Un flic</em>, 1972), todas ellas muestras de género con un planteamiento estético similar al de la película de Corbijn.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCKjxgGPC4_kqWTSBnE98duxShmC61Qrjtrk1eJXwFfi10J83x1T1ux1-aNHT0hfvBvD5A00jtb6FymldJClaErH1bzVhyS0Rg62EknSsWpU3-sd6u8NcJP07LvSwh4vAS_mE6uQ0jiis/s1600/El+americano+26.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCKjxgGPC4_kqWTSBnE98duxShmC61Qrjtrk1eJXwFfi10J83x1T1ux1-aNHT0hfvBvD5A00jtb6FymldJClaErH1bzVhyS0Rg62EknSsWpU3-sd6u8NcJP07LvSwh4vAS_mE6uQ0jiis/s400/El+americano+26.jpg" width="400" /></a><em> El ameriano</em> es además una película de una gran belleza formal en la que el realizador y el director de fotografía Martin Ruhe sacan un magnífico partido tanto de los bellos paisajes de los Abruzos como del pueblo de Castel del Monte, que con sus serpenteantes callejuelas configura un hermoso laberinto en el que la incertidumbre y el peligro acechan en cada esquina. Cabe destacar momentos de suspense tan logrados como los paseos nocturnos de Jack o los instantes en los que se encuentra repentinamente solo en bares o restaurantes, convirtiéndose inesperadamente en un blanco perfecto para sus enemigos. No menos logrados resultan los breves pero intensos estallidos de violencia, que hacen gala de una estudiada planificación que consigue que el espectador siga la acción en todo momento, sintiendo en su propia carne la desesperación de un profesional de la muerte que ya no puede confiar en nada ni en nadie. Todo ello hace de <em>El americano</em> uno de los thrillers más atípicos e interesantes de los últimos años.</div><div align="center" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUaIt0PwBIUxqZV57w-NKzkyWkpx8tpZmhmKLZih4OHEzRZaw4V_Npx8c2RJ1sewTMCMen1Hk_Kc7JBOEQv2dsQob5zD7MCOpyQCDMabKXwY3XMlWM-ZxbCiyiYo0-hyE5J5p4U-qYqBk/s1600/El+americano+31.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUaIt0PwBIUxqZV57w-NKzkyWkpx8tpZmhmKLZih4OHEzRZaw4V_Npx8c2RJ1sewTMCMen1Hk_Kc7JBOEQv2dsQob5zD7MCOpyQCDMabKXwY3XMlWM-ZxbCiyiYo0-hyE5J5p4U-qYqBk/s640/El+americano+31.jpg" width="640" /></a></div><div align="center" style="text-align: justify;"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-31858002801151600692011-02-28T20:46:00.000+01:002011-02-28T20:46:25.620+01:00NUNCA ME ABANDONES: La novela de Kazuo Ishiguro<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCBROAw-W2aH_zIZMWZm1fZ6omWIcddyBvR0_SJp9-LPGxijO9poVCuNcmR2FYfJl2yW9r61Wxbeg2X5DQgaestelu4svCQ5WoUfTiR0oQhbjpUN8H9GU6KLiiLroS6gA8-VkqpkvVeUQ/s1600/Nunca+me+abandones+4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" l6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCBROAw-W2aH_zIZMWZm1fZ6omWIcddyBvR0_SJp9-LPGxijO9poVCuNcmR2FYfJl2yW9r61Wxbeg2X5DQgaestelu4svCQ5WoUfTiR0oQhbjpUN8H9GU6KLiiLroS6gA8-VkqpkvVeUQ/s400/Nunca+me+abandones+4.jpg" width="247" /></a></div><div style="text-align: justify;"> Escritor de origen japonés aunque educado en Inglaterra, Kazuo Ishiguro es sin lugar a dudas uno de los autores más respetados de las letras inglesas. <em>Nunca me abandones</em> (2005) es, quizá junto con <em>Los restos del día</em> (1989), su obra más elogiada, hasta el punto de haber sido considerada por la revista Time como la mejor novela de la pasada década. Narrada con el habitual estilo sensible y detallista del autor de la también recomendable <em>Pálida luz en las colinas</em> (1982), <em>Nunca me abandones</em> destaca por la belleza y la elegancia con las que Ishiguro nos acerca a la existencia de unos personajes condenados a un futuro terrible y atroz, en lo que acaba siendo una metáfora sobre la fugacidad de la vida y los mecanismos que la sociedad tiene para decidir el destino de las personas sin que éstas puedan hacer nada para cambiarlo.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> <em> Nunca me abandones</em> está narrada en primera persona por Kathy, quien a la edad de 31 años rememora los recuerdos de su adolescencia y primera juventud. Su memoria nos lleva a Hailsham, el colegio privado en el que creció junto a las dos personas más importantes de su vida: Ruth, una chica mucho más vitalista y decidida que ella, y Tommy, un joven introvertido pero impulsivo y con problemas de autocontrol. Los recuerdos de Kathy nos muestran cómo a lo largo de los años evoluciona la relación entre los tres y, sobre todo, de qué modo hacen frente a su cometido en el mundo, un secreto a voces en Hailsham que se va revelando a medida que sus alumnos se convierten en adultos.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv0csC4ElCvp1nEkBKfykHdMvlH38rkikW7auGBWDFwQTWpiwKDmitEPmaMHyauWnDyZ66uvHYDVy4E1y2N5Byy7NZ8Zwuq1Xq1YSj1S5KrdMUJ4kWuDq09nnLGBMnfVxJQDBR-j-82gQ/s1600/Ishiguro+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="266" l6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv0csC4ElCvp1nEkBKfykHdMvlH38rkikW7auGBWDFwQTWpiwKDmitEPmaMHyauWnDyZ66uvHYDVy4E1y2N5Byy7NZ8Zwuq1Xq1YSj1S5KrdMUJ4kWuDq09nnLGBMnfVxJQDBR-j-82gQ/s400/Ishiguro+5.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Kazuo Ishiguro insinúa desde la primera página la verdad que se oculta en Hailsham y que los protagonistas irán descubriendo a lo largo del primer tercio de <em>Nunca me abandones</em>: Kathy, Ruth, Tommy y los demás alumnos del centro son clones y su futura función en la sociedad es la de donar sus órganos vitales, sacrificando su vida en beneficio de una sociedad que trata de ignorarles hasta que les necesita para sobrevivir. La revelación de esta terrible realidad, mostrada por Ishiguro de manera meticulosa y paulatina, transmite magníficamente el calculado método seguido por los educadores de Hailsham para predisponer a sus alumnos a aceptar resignadamente su condición, al tiempo que describe la inquietante naturalidad con la que los jóvenes aceptan su trágico destino.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd6byqf3o6UrBhVwGliXBhzyO64pO6I6-o3HMSXQ33vv3JLun5MQgde0-oRaeUH5pldu8eHxiaOF9qcXNYYBolLRY6JpY1JedKOAfEw0Iu0nidoIJGMlKDBeu6z-J7z19ZjYUxO4M5-fM/s1600/Nunca+me+abandones.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" l6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd6byqf3o6UrBhVwGliXBhzyO64pO6I6-o3HMSXQ33vv3JLun5MQgde0-oRaeUH5pldu8eHxiaOF9qcXNYYBolLRY6JpY1JedKOAfEw0Iu0nidoIJGMlKDBeu6z-J7z19ZjYUxO4M5-fM/s400/Nunca+me+abandones.jpg" width="260" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> El propio Ishiguro asegura que su novela no trata sobre la clonación: más allá de que los protagonistas de <em>Nunca me abandones</em> sean clones (palabra que por cierto tan solo aparece escrita en un par de ocasiones a lo largo del libro) lo realmente importante es de qué modo los personajes encaran una existencia condenada a la brevedad, esperando estoicamente el momento en el que se verán obligados a sacrificarse. Este sentimiento de desesperanza se ve potenciado por la falta de tremendismo con que la historia es narrada por Kathy, quien desde la edad adulta dirige su serena mirada hacia una generación que está a punto de desaparecer. Y es que, a pesar de su temática, <em>Nunca me abandones</em> es una novela que se resiste a enmarcarse en el género de ciencia ficción; de hecho su acción ni siquiera se sitúa en el futuro sino en la Inglaterra del último tercio del siglo XX, en lo que puede verse como un mundo paralelo (o, como Ishiguro lo llama, una “ficción alternativa”) en el que la clonación ha sido desarrollada y aceptada por la sociedad. Es por ello que los hechos que Kathy narra no pueden resultar sorprendentes para sus coetáneos, de ahí que rehúya del dramatismo a la hora de describir el día a día de unos jóvenes creados de manera artificial única y exclusivamente para salvar las vidas de los demás. Lo que, dentro de la narración, convierte en único el manuscrito de Kathy es su carácter de testimonio de su sensibilidad y humanidad, o de aquello que las personas de su época dudan que ella pueda tener debido a su condición de clon: alma.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL8QDB9EuqKXvv87m-_D_tTjKKWoU_DGa6TXymPaO0cfmBHZSTt0pVRqB7DlzhdHjGLqCATEHRDyCMdxhnJXZ9tAL_VC0i8CrM1M3JxG-qKoXKYEsGt8177ssfu2FLM-iyScAfFAN3270/s1600/Nunca+me+abandones+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" l6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL8QDB9EuqKXvv87m-_D_tTjKKWoU_DGa6TXymPaO0cfmBHZSTt0pVRqB7DlzhdHjGLqCATEHRDyCMdxhnJXZ9tAL_VC0i8CrM1M3JxG-qKoXKYEsGt8177ssfu2FLM-iyScAfFAN3270/s400/Nunca+me+abandones+5.jpg" width="270" /></a> <em>Nunca me abandones</em> hace gala de una emoción contenida que estalla en los pasajes en los que los protagonistas deciden hacer frente a su situación: el inolvidable viaje a Norfolk en busca de la posible madre biológica de uno de ellos; el conmovedor gesto final de Ruth hacia Kathy y Tommy; el viaje de estos dos a Littlehampton en un intento final de cambiar su destino… Lo que queda es una espléndida novela en la que su escritor alcanza cotas de extraordinaria delicadeza en el retrato de unos personajes inolvidables.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Era cuestión de tiempo que un libro tan exitoso como el de Ishiguro fuera llevado al cine. El propio escritor se ha implicado directamente en la adaptación que ha dirigido Mark Romanek, director conocido por vídeos musicales como el magnífico <em>Hurt</em> (2002) y por el extraño pero interesante largometraje <em>Retratos de una obsesión </em>(<em>One hour photo</em>, 2002). Difícilmente esta segunda traslación al cine de la obra de Ishiguro alcanzará la brillantez de <em>Lo que queda del día</em> (<em>The remains of the day</em>, James Ivory, 1993), basada en <em>Los restos del día</em> y en mi opinión una de las mejores películas de los años 90, pero la adaptación de Romanek cuenta con el atractivo de un prometedor reparto encabezado por Carey Mulligan como Kathy, Keira Knightley como Ruth y Andrew Garfield como Tommy. <em>Nunca me abandones</em> (<em>Never let me go</em>, 2010) tiene su estreno previsto en España el próximo 11 de marzo.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div align="center"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="390" src="http://www.youtube.com/embed/W4mVdhL0Lzw" title="YouTube video player" width="640"></iframe></div><div align="center"><br />
</div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5569596564558718147.post-30952488105650022282011-02-06T20:04:00.000+01:002011-02-06T20:04:08.388+01:00MÁS ALLÁ DE LA VIDA: ¿Un Eastwood menor?<div align="center" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBig5kaKXIgKKk6ULV0FMn2-LPK7YS-Gev2hHdk9TP357wZvtDLeLqEXwKndMtsBYikZW050WfLcO2OKUd1lXATXtzFG9X3v2mddQCoberXed8Atko1Oz5SYQY3DqfmEcFY6eX6keL7zE/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBig5kaKXIgKKk6ULV0FMn2-LPK7YS-Gev2hHdk9TP357wZvtDLeLqEXwKndMtsBYikZW050WfLcO2OKUd1lXATXtzFG9X3v2mddQCoberXed8Atko1Oz5SYQY3DqfmEcFY6eX6keL7zE/s640/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+5.jpg" width="640" /></a></div><div align="center" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><em> Más allá da la vida</em> (<em>Hereafter</em>, 2010), la nueva película dirigida por Clint Eastwood, ha sido recibida con más suspicacias de las acostumbradas en la obra más reciente de su autor. De entrada se anunciaba este nuevo largometraje como el primero de Eastwood inscrito en el género fantástico o de temática sobrenatural; tampoco ha faltado quien ha comparado <em>Más allá de la vida</em> con el cine de M. Night Shyamalan o, sobre todo, quien ha sentenciado que la nueva (que no última) obra del director de <em>Gran Torino</em> (<em>id</em>, 2008) no es más que un título menor y totalmente prescindible dentro de su filmografía. </div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjX4adghuBMcXbjzsFeRTLKaXfRvaNpMLydtqNh5OKKD0LS7zIfBGCLAQOumGYbyQlpx-YvqvQ7FdQMsV5H675kUYLV7nhExDB5NWoKz_ZmvGy0HUk8V3QY_e2TTwwhW0ngGI2jp-k9sMM/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+13.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" h5="true" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjX4adghuBMcXbjzsFeRTLKaXfRvaNpMLydtqNh5OKKD0LS7zIfBGCLAQOumGYbyQlpx-YvqvQ7FdQMsV5H675kUYLV7nhExDB5NWoKz_ZmvGy0HUk8V3QY_e2TTwwhW0ngGI2jp-k9sMM/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+13.jpg" width="400" /></a> Sin embargo quien conozca bien la obra de Clint Eastwood ya conoce su tendencia a renovarse constantemente sin dejar de ser fiel a sí mismo, lo que da pie a que el cineasta nos sorprenda con aparentes cambios de rumbo que, en el fondo, guardan una gran coherencia con el resto de su obra. Por tanto no hay más que acercarse a sus películas de manera desprejuiciada para comprobar que casi nada de lo que se esperaba de ellas era cierto.<em> Más allá de la vida</em> no es una excepción. Para empezar no se trata exactamente de la primera película de Eastwood con cierto contenido sobrenatural en su argumento -recuérdense los fantasmagóricos protagonistas de <em>Infierno de cobardes</em> (<em>High plains drifter</em>, 1973) y <em>El jinete pálido</em> (<em>Pale rider</em>, 1985) o incluso la atmósfera enrarecida de algunos pasajes de <em>Medianoche en el jardín del bien y del mal</em> (<em>Midnight in the garden of good and evil</em>, 1997)-, y una vez vista resulta un tanto exagerado encuadrarla dentro del cine fantástico, siendo más bien un drama protagonizado por personas que de un modo u otro presienten que existe una vida después de la muerte. La película tampoco tiene mucho que ver con el cine de Shyamalan más allá de la presencia de la excelente actriz Bryce Dallas Howard, quien protagonizó dos interesantes películas del famoso cineasta hindú, <em>El bosque</em> (<em>The village</em>, 2004) y <em>La joven del agua</em> (<em>Lady in the water</em>, 2006). Por último <em>Más allá de la vida</em> no es ni mucho menos una película menor: si bien no llega al nivel de las obras maestras de Eastwood -<em>El jinete pálido</em>, <em>Sin perdón</em> (<em>Unforgiven</em>, 1992), <em>Mystic river</em> (<em>id</em>, 2003), <em>Million dollar baby</em> (<em>id</em>, 2004), <em>Banderas de nuestros padres</em> (<em>Flags of our fathers</em>, 2006), <em>Cartas desde Iwo Jima</em> (<em>Letters from Iwo Jima</em>, 2006), <em>El intercambio</em> (<em>Changeling</em>, 2008)- no por ello deja de ser una obra realmente notable que nos recuerda el formidable momento creativo por el que está pasando su director.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggyEQ4rwSL_873H8mtWHLcMAy5wtVM9GEoOZAfFEOkFvXhyA9XTdaqOp1CENGjc0Vxo5daa3k6w2UfTkDIYWba6zTHX0Mq9-9Rh7jKD5viy_Ka47p0Fl7d948NUl65LJEwe97LmN7FVGY/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+17.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggyEQ4rwSL_873H8mtWHLcMAy5wtVM9GEoOZAfFEOkFvXhyA9XTdaqOp1CENGjc0Vxo5daa3k6w2UfTkDIYWba6zTHX0Mq9-9Rh7jKD5viy_Ka47p0Fl7d948NUl65LJEwe97LmN7FVGY/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+17.jpg" width="400" /></a> Adoptando una estructura inédita hasta ahora en la filmografía de Eastwood, <em>Más allá de la vida</em> narra paralelamente las historias de tres personas cuyo destino se unirá en el desenlace de la película. El vínculo que une a los tres protagonistas es una experiencia relacionada con la muerte que les cambia para siempre: Marie (Cécile de France) trata de sobreponerse a la terrible experiencia que vivió al sobrevivir a un tsunami, suceso durante el cual permaneció muerta durante unos breves instantes; George (Matt Damon, en una de sus mejores interpretaciones) desarrolla la capacidad de comunicarse con los muertos, un don que le dificulta entablar relaciones sociales; Marcus (Frankie McLaren) trata de superar la muerte de su hermano gemelo Jason (George McLaren) sintiendo la necesidad de contactar con él… Las tres historias son narradas por Eastwood con un tono sobrio y sensible, consiguiendo retratar las emociones de los personajes sin caer en el sentimentalismo. <em>Más allá de la vida</em> es ante todo una nueva muestra de un talento especial que Eastwood ha desarrollado a lo largo de su carrera y que ha culminado en grandes logros durante su última etapa: la humanidad y cercanía que desprende la descripción de los personajes.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjANm9KAu-gkWBHxUwZSy3oBAvOGiqnbA0tK6mEhHf11_hX3J2gXI00h1XyRWr0dDza8XmDnTGR03zm8_fbJwhIb3BqgwvtHJPhAiNPmWMhN5_VX3eQhSYlbx4RLSPU3nsyZa_Z9LVtd1c/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+23.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" h5="true" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjANm9KAu-gkWBHxUwZSy3oBAvOGiqnbA0tK6mEhHf11_hX3J2gXI00h1XyRWr0dDza8XmDnTGR03zm8_fbJwhIb3BqgwvtHJPhAiNPmWMhN5_VX3eQhSYlbx4RLSPU3nsyZa_Z9LVtd1c/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+23.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgady4uG-h5mYXl2LU_onXwkZgbHMPdpvNYaWnIw_cu6qjGxKtjW8caWCJ7QTxLUGtz3iJNZX08rlfKQxdalICHrcNCxMT0rG8Shd-mNLN4QctdUZJ_RmvGqEYb9icrsdMQ9L4JgsmqQtA/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+7.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" h5="true" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgady4uG-h5mYXl2LU_onXwkZgbHMPdpvNYaWnIw_cu6qjGxKtjW8caWCJ7QTxLUGtz3iJNZX08rlfKQxdalICHrcNCxMT0rG8Shd-mNLN4QctdUZJ_RmvGqEYb9icrsdMQ9L4JgsmqQtA/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+7.jpg" width="400" /></a> La película brilla a gran altura en la descripción de la vida cotidiana de los tres protagonistas, caracterizada por una soledad que les hace sentirse alienados del mundo en el que viven. Sin ir más lejos Marie es una periodista de gran éxito cuya existencia nunca volverá a ser la misma tras su traumática experiencia durante el tsunami -suceso narrado por Eastwood en una antológica secuencia que no solo destaca por su perfección técnica, sino ante todo por la maestría con la que el director nos coloca en la piel de las víctimas que tratan de sobrevivir a un desastre natural de semejante magnitud-. Al regresar a París Marie ya no podrá seguir siendo esa periodista de éxito cuya imagen aparecía en pancartas publicitarias distribuidas por toda la ciudad: tras abandonar su investigación sobre François Mitterrand, la mujer centrará toda su atención en algo que no puede apartar de su cabeza tras haber estado a punto de morir: la existencia de un más allá. El nuevo rumbo tomado por la vida de Marie le costará su trabajo y su relación sentimental con Didier (Thierry Neuvic), ganándose además el desprecio de sus compañeros al interesarse por una espiritualidad que no encaja en el mundo materialista en el que éstos trabajan.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjN1G9S7Q67TNkQzhAEifOfN3xcInmnKgSK6FaADUvaO7FeuP87l9evnuOWLl_XA29uN7Gp80nPttqL85vFFddVYJ3bP9faV-uOqXV_xKB8rDXwrd8WXXLVw8xMd1TFMuvZ9F_hf74QVLI/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" h5="true" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjN1G9S7Q67TNkQzhAEifOfN3xcInmnKgSK6FaADUvaO7FeuP87l9evnuOWLl_XA29uN7Gp80nPttqL85vFFddVYJ3bP9faV-uOqXV_xKB8rDXwrd8WXXLVw8xMd1TFMuvZ9F_hf74QVLI/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+3.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc3lM-fb8eB9yT6kvjQ6voQ5dO8hULyOofeMkPLhAMICIfsj8ZJ2hQvLIu3nIybLZ8k4x30obqiTc2lyZQMSW5GN2Mxt8C1UoCPodt_oNCFcHYv0nrgn9uj4mqPNPDHawngjwtxmaqxXw/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+6.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" h5="true" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc3lM-fb8eB9yT6kvjQ6voQ5dO8hULyOofeMkPLhAMICIfsj8ZJ2hQvLIu3nIybLZ8k4x30obqiTc2lyZQMSW5GN2Mxt8C1UoCPodt_oNCFcHYv0nrgn9uj4mqPNPDHawngjwtxmaqxXw/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+6.jpg" width="400" /></a> No menos desolador resulta el retrato del entorno familiar de Marcus y Jason. Al principio del relato Eastwood describe magistralmente su duro día a día con una par de pinceladas: los dos hermanos utilizan sus escasos ahorros para hacerse un retrato fotográfico que, cuidadosamente colocado en la mesa de la cocina, esperan que llame la atención de su madre Jackie (Lyndsey Marshal) dándole fuerzas para abandonar sus problemas con el alcohol; no obstante cuando la mujer regrese ebria a casa ignorará por completo el conmovedor gesto de sus hijos. A la mañana siguiente se producirá una tensa situación cuando los dos niños reciban la visita de dos trabajadores de servicios sociales y tengan que disimular los efectos de la borrachera de su madre. Con estos apuntes Eastwood nos presenta no solo el duro entorno en el que han crecido los niños, sino también el sentimiento de dependencia que Marcus siente hacia Jason y que será su principal problema cuando éste último muera en un trágico accidente: al ser separado de su madre para que ésta supere su alcoholismo en un centro de recuperación, Marcus se verá incapaz de relacionarse con sus padres de acogida, obsesionándose en conservar vivo el recuerdo de su hermano (lo que da pie a un espléndido momento: el niño pide colocar dos camas en su nueva habitación, una para él y otra para Jason, a quien se dirige imaginariamente para desearle las buenas noches) y recurriendo a la consulta de dudosos parapsicólogos (vistos por Eastwood con una gran ironía que les retrata como a unos meros charlatanes que se enriquecen a costa del sufrimiento ajeno).</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUp_FG4-zkBjN0ZRdpFfSyGqL3-nsPI3NN9eH5XlxdvllYCBwzdf2Q4H3Tg4y3TbtxzRvvgUM2C3rPVA4gzRnVXUIQU5MsoqfXJSmq6BipB8x4NaaX-pnbk2oo8_nfaBu31bx3Rqs_5CE/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+15.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUp_FG4-zkBjN0ZRdpFfSyGqL3-nsPI3NN9eH5XlxdvllYCBwzdf2Q4H3Tg4y3TbtxzRvvgUM2C3rPVA4gzRnVXUIQU5MsoqfXJSmq6BipB8x4NaaX-pnbk2oo8_nfaBu31bx3Rqs_5CE/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+15.jpg" width="400" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb_KiBfbHX1V3ABWdK71X9lLs85D3Q6FhfkH8ANXrTm2xVWxPOdeSjq2KPGacuZCYqOQn9RTubM-_AVcCOIOlLEeCxjfq9vViXhtzl9oEs1U5wccVsf4kl8Zlm67ZlXqLm0ufgRnVeYiU/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+16.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb_KiBfbHX1V3ABWdK71X9lLs85D3Q6FhfkH8ANXrTm2xVWxPOdeSjq2KPGacuZCYqOQn9RTubM-_AVcCOIOlLEeCxjfq9vViXhtzl9oEs1U5wccVsf4kl8Zlm67ZlXqLm0ufgRnVeYiU/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+16.jpg" width="400" /></a> Pero es en la descripción de la soledad de George donde la película ofrece sus mayores logros. Su secuencia de presentación nos lo muestra aceptando a regañadientes la petición de contactar con los seres queridos de un extraño; pronto sabremos que George se dedicaba en el pasado a la parapsicología pero que decidió alejarse de ese mundo debido a que su don le obligaba a conocer los secretos más íntimos y oscuros de sus allegados, imposibilitándole entablar amistades o una relación sentimental. Sus deseos de empezar una nueva vida desde cero quedan retratados en las excelentes secuencias en las que asiste a un curso de cocina, lo que le da la oportunidad de conocer a Melanie (Bryce Dallas Howard), una bella mujer por la que se siente atraído. La evolución de la relación entre ambos da pie a las dos mejores secuencias de <em>Más allá de la vida</em>. En la primera George y Melanie realizan un ejercicio del curso de cocina en el que uno debe dar a probar distintos sabores al otro mientras éste lleva los ojos vendados; la sensualidad del momento y la intimidad que se crea en ese instante propicia que tanto George como Melanie empiecen a sincerarse el uno con el otro, declarándose su interés mutuo. La segunda secuencia, que sigue a la anterior, se sitúa en la casa de George y nos muestra con qué rapidez su don secreto queda expuesto a los ojos de Melanie; la joven, movida por la curiosidad, le pedirá a George que lea en su interior y trate de contactar con sus familiares fallecidos; tras dudarlo mucho George lo hará, poniendo al descubierto dolorosos recuerdos que Melanie preferiría haber mantenido en secreto y que borrarán la posibilidad de una relación amorosa entre ambos. Las posteriores y sucesivas escenas en las que aparece George cenando a solas en su cocina muestran el precio que el protagonista debe pagar por tener una habilidad que le ha sido otorgada a su pesar; él mismo sintetizará los sinsabores de su existencia cuando afirme que “<em>una vida que se basa en la muerte no es una vida</em>”.</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigOM3F1XUmmdhTH3hWAnSN9FNzyLZcHEEcOCKaGnUQVmXRBYLoZmnTD_0sHB9Jw3lof_8_pZ9GLGXD1XqI2YBtQGqKBxg4yPYuqUwpzns25XYeUhsTD8lUJJyRuZIaweXV15pIV-DwduY/s1600/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+14.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" h5="true" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigOM3F1XUmmdhTH3hWAnSN9FNzyLZcHEEcOCKaGnUQVmXRBYLoZmnTD_0sHB9Jw3lof_8_pZ9GLGXD1XqI2YBtQGqKBxg4yPYuqUwpzns25XYeUhsTD8lUJJyRuZIaweXV15pIV-DwduY/s400/M%25C3%25A1s+all%25C3%25A1+de+la+vida+14.jpg" width="400" /></a></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> Además de la soledad (protagonista de gran parte del cine de Clint Eastwood) otro tema muy presente en esta espléndida película es cómo en apenas unos segundos el azar puede cambiar nuestras vidas para siempre. En la primera secuencia de la película el azar induce a Marie a salir a la calle para comprar unos regalos, lo que la llevará a verse arrollada por el tsunami. También aparentemente por azar George desarrolla su capacidad de contactar con los muertos y (atención: <strong>SPOILER</strong>) Marcus no se sube a un metro de Londres para recoger su gorra caída al suelo, salvándose así de un atentado terrorista. Pero el azar también será el encargado de unir los destinos de George, Marie y Marcus (quienes viven en ciudades tan alejadas entre sí como San Francisco, París o Londres) consiguiendo que los tres crucen sus caminos en la capital inglesa. En la conclusión abierta de <em>Más allá de la vida</em> Eastwood mostrará la oportunidad que los protagonistas tienen de aliviar su soledad y dar así un nuevo giro a sus vidas, dejando que el espectador imagine si lo conseguirán o no. </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div>Pedro Grimalt http://www.blogger.com/profile/16327507115070346390noreply@blogger.com8